Rodzina
Wikipedia podaje, że Lipgarts to rodzina szlachecka Ostsee, znana w Inflantach od XVI wieku, aw XIX - XX wieku nazwisko to nosili artyści, inżynierowie i projektanci łodzi podwodnych. Którzy z nich są twoimi przodkami?
Rodzice mojej mamy byli dla siebie czwartymi kuzynami, oboje z domu Lipgarts, potomkami starego nazwiska Niemców bałtyckich, imigrantami z Pernau (obecnie Pärnu, Estonia), którzy kiedyś naprawdę mieli tytuł szlachecki. Jednak moi przodkowie stracili go na początku XIX wieku. Dziadek mojej babci, Ernest Lipgart, z wykształcenia inżynier, odziedziczył po ojcu duże przedsiębiorstwo zajmujące się produkcją cementu i maszyn rolniczych. Jego syn Voldemar (Vladimir) studiował na architekta, ale wolał ścieżkę artysty. Jego los był tragiczny, pod koniec lat trzydziestych „zniknął”: jak się okazało w ostatnich latach został zastrzelony na poligonie w Butowie. Moja babcia, również artystka, została na początku wojny zesłana z Moskwy do Karagandy jako Niemka.
Ojciec mojego dziadka, inżynier Andriej Aleksandrowicz Lipgart, jest przedstawicielem innej gałęzi rodu, głową dużej i silnej rodziny, wybitną osobowością. W 1933 roku został głównym konstruktorem Fabryki Samochodów Gorkiego, w której na przestrzeni blisko dwudziestu lat stworzył dziesiątki modeli wyposażenia motoryzacyjnego. Zasługi i osiągnięcia Andrieja Aleksandrowicza uznano głównie w czasach radzieckich, dlatego na przykład jego autorytet wystarczył, aby uratować z wygnania dalekiego krewnego, moją babcię. Tak doszło do ich znajomości z moim dziadkiem.
Przywileje mojego pradziadka w latach pięćdziesiątych: duża wiejska chata i mieszkanie w stalinowskim wieżowcu stały się przestrzenią, w której spędziłam również najlepszą część mojego dzieciństwa. Świąteczna atmosfera rodzinnych spotkań - podniosłych, ale i szczerych, które odbywały się w jasnym mieszkaniu z wysokimi sufitami, bogatą sztukaterią, boazerowanymi drzwiami, z których w Nowy Rok niezmiennie pojawiał się Święty Mikołaj - najwyraźniej stała się wrażeniem, które zdeterminowało moją artystyczną upodobania smakowe i estetyczne na lata …
Co wpłynęło na Twoją decyzję o zostaniu architektem, poza inżynierią i genetyką artystyczną?
Wydaje mi się, że architekt nie jest przypadkowy - zawód, który często jest dziedziczony. W moim przypadku niewątpliwie wpływ ma moja mama, która co prawda całe życie zajmowała się nie architekturą praktyczną, ale teoretyczną, ale od wczesnego dzieciństwa tłumaczyła, że nasz zawód jest najlepszy, uniwersalny, w tym twórczość, myśl i piękno i architektoniczne Moskwy - miejsce rzadkiej łaski.
Powołanie
O którym z nauczycieli MARCHI musisz pamiętać? Kto cię zainspirował, od kogo zacząłeś?
Z podziwem i wdzięcznością wspominam moich dwóch nauczycieli, którzy teraz odeszli. Kiedy wszedłem do instytutu, od razu miałem szczęście: moim nauczycielem przez pierwsze dwa lata był Konstantin Vladimirovich Kudryashov. Człowiek o wielkim sercu i wielkim wdzięku, genialny harmonogram - pamiętam z zazdrością, jak wyraźne, żywe linie mistrzowskich szkiców wyłaniają się spod jego dłoni. Wydaje się, że rozległość natury została zawarta w tematach jego rysunków: polowaniu na psy, które bardzo kochał, starożytną broń, konie, statki, żagle … Najwyraźniej preferencje architektoniczne odpowiadały temu romantycznemu, nieco nostalgicznemu postrzeganiu. świata: mówił o Venturim z wielkim szacunkiem, Aldo Rossi. Ogólnie postmodernizm, zdaniem Kudryashova, był czymś dobrym. Nie było z jego strony negatywnych opinii także w stosunku do architektury stalinowskiej, wręcz przeciwnie, na pierwszej praktycznej lekcji, która odbyła się poza instytutem, Konstantin Władimirowicz zwrócił naszą uwagę na dom z belwederami architekta. Rybitsky'ego, który na Zemlyanoy Val, odpowiadając o tej architekturze jako wysokiej jakości i znaczącej. Być może dlatego w kolejności elementów i kompozycji, których studiowanie było podstawą programu pierwszego roku, bez namysłu wykonywałem swoją metodę w pierwszych szkolnych projektach na drugim roku studiów. Kudryashov nie ingerował w to, nie przerwał, ale pod koniec drugiego roku ostrzegł: „Masz ochotę na porządkową architekturę, postaraj się od niej odejść w przyszłym roku”.
Ostrzegałeś, że mogą wystąpić problemy?
Nie powiedziałem tego bezpośrednio, ale ująłem to w ten sposób. Ogólnie rzecz biorąc, od trzeciego do piątego roku moje szkolenie w zakresie projektowania architektonicznego było dość dziwne. W każdym razie jego główna zasada - kopiowanie zagranicznych magazynów z projektami podobnymi do tematu, a następnie powielanie znalezionych w projekcie pomysłów i technik - wydała mi się w dużej mierze bezcelowa. W tym samym czasie pasja do architektury klasycznej, spuścizna lat trzydziestych - pięćdziesiątych XX wieku, stawała się coraz bardziej świadoma i głęboka. Pamiętam, jak w tym czasie przyszedłem porozmawiać z Kudryashovem i narzekałem, mówią, że nowoczesność nie inspiruje, na co otrzymałem odpowiedź: jeśli czujesz, że masz rację, musisz walczyć „toporami”.
Oczywiście na początku to „na topie” było obarczone niskimi ocenami i absolutnym niezrozumieniem nauczycieli, ale później jednak pogodzili się oni z cudownymi nałogami niedbałego ucznia, zostawiając mi możliwość duszenia się we własnym soku.
Na szóstym roku przyszedł czas na wybór opiekuna dyplomowego, a potem była druga szczęśliwa szansa - dostałem się do grupy Władimira Władimirowicza Chodnewa. Rok ukończenia szkoły był absolutnie szczęśliwy; formalne podejście byłych nauczycieli zostało zastąpione przez jakąś niesamowitą swobodę kreatywności i wyrażania siebie. Okazało się, że słuszne jest naginanie swojej linii, ale to, w czym dusza leży, jest cenne i ważne. Wrażliwość i uwaga nauczyciela, które wspominam z wielką wdzięcznością, pozwoliły mi wiele zrozumieć i nauczyć się. Na wyjściu dyplom okazał się błyskotliwy, powiedziałbym szokujący, może naiwny, gdzieś niedorzeczny, ale naprawdę mój. Muszę powiedzieć, że w tym samym roku pojawiły się Dzieci Iofana, w których, nawiasem mówiąc, Chodniew bardzo mnie wspierał. To był dobry czas - uwierzyliśmy w siebie.
Grupa „Children of Iofan” zrobiła plusk. Docenili to przedstawiciele wszystkich kierunków. Jak to się stało?
Dwadzieścia dwa lata to prawdopodobnie szczęśliwy czas dla prawie wszystkich: szalona energia młodości, entuzjazm bez względu na pieniądze, reputację, koneksje. Wiosną 2006 roku spotkaliśmy się i zaprzyjaźniliśmy z Borysem Kondakowem. Pamiętam naszą pierwszą rozmowę: - „Co sądzisz o Pałacu Sowietów?” „Szkoda… szkoda, że nie został zbudowany”. To hasło określiło na razie rzadką skłonność do podobnych poglądów. Zaczęliśmy oczywiście współpracować, nie było mowy o jakimkolwiek handlu. Talent artystyczny Borisa i moja wizja architektoniczna znalazły odzwierciedlenie w konkurencyjnych projektach, w obiektach artystycznych, a następnie pracowaliśmy razem nad wspomnianym dyplomem, wypełniając wyimaginowaną Moskwę 2006 ludźmi z obrazów Deineki i Samokhvalova. Dużą rolę w naszej biografii odegrały festiwale miejskie, które zorganizowali Ivan Ovchinnikov i Andrey Asadov. Instalacje zewnętrzne typu „zrób to sam” były pierwszą okazją do przetestowania pomysłów przestrzennych w przyrodzie. Po raz pierwszy wzięliśmy udział w wydarzeniu „Miasto dzieciństwa”, w tym mieście zbudowaliśmy obiekt przypominający konstrukcje propagandowe lat trzydziestych XX wieku - „Czerwoną trybunę”, a zespół został uznany za zgodny z tematem festiwalu - „Dzieci Jofana”.
Ogniste i sprzeczne lata trzydzieste, w których przełomem był projekt Iofana, weszły w rezonans z ich własnymi doświadczeniami młodości, spragnionej działania i zmiany. W przeciwieństwie do chaosu i chaosu Moskwy Łużkowa, staraliśmy się przedstawić inną Moskwę tak, jak została pomyślana w Planie generalnym z 1935 roku. Godzinami spacerowaliśmy w poszukiwaniu fragmentów tego miasta: czerwonych linii, kierunków, niedokończonych kompleksów, rozwiązując je jak rebus, wyobrażając sobie cały i smukły zespół złożony z wysokiej jakości architektury, stworzonej przez zmarłych mistrzów, których nazwy wzbudziły awe: Fomin, Shuko, Rudnev, Dushkin …
-
Image 
powiększanie 1/5 Instalacja: Czołg „Flowers to the Fallen”. Grupa architektoniczna „Dzieci Iofana” © Stepan Lipgart
-
powiększanie 2/5 Instalacja: Czołg „Flowers to the Fallen”. Grupa architektoniczna „Dzieci Iofana” © Stepan Lipgart
-
powiększanie 3/5 Instalacja: Tank "Flowers to the Fallen". Grupa architektoniczna „Dzieci Iofana” © Stepan Lipgart
-
powiększanie 4/5 Instalacja: Czołg „Flowers to the Fallen”. Grupa architektoniczna „Dzieci Iofana” © Stepan Lipgart
-
powiększanie 5/5 Instalacja: „System aeronautyki - narzędzie zwiększania komfortu rekreacyjnego Moskwy”. Grupa architektoniczna „Dzieci Iofana” © Stepan Lipgart
Jaki skandal ci się przydarzył z Tomem Maine?
Tak, w rzeczywistości nie było skandalu, ale nawet bez niego ten incydent wywarł na mnie ogromny wpływ. Wykład założyciela grupy Morphosis na moim trzecim roku wywołał ogromne poruszenie: prawie cały Moskiewski Instytut Architektury pojawił się w śnieżnobiałej sali Własowa w Centralnym Domu Artystów. Kreatywność Maine jest jasna, ekscytująca, wszystkie te podarte, lewitujące, rozpadające się tomy nie mogły pozostać obojętne. Wtedy wszystko, co demonstrował, wydawało mi się okropne, nie organiczne, pozbawione logiki, a co najważniejsze antyludzkie. Zebrawszy się na odwagę, zadałem po wykładzie pytanie, mówią, ale co z ludźmi? Byłem pod wrażeniem, że Maine na początku nawet nie rozumiało, o co mi chodzi. Jego odpowiedź dotyczyła technologii projektowania, dużo o tym mówił podczas wykładu, mówią, że komputer to tylko narzędzie, a ludzie, czyli architekci, są twórcami, autorami. Nigdy nie otrzymałem odpowiedzi dotyczącej użytkowników jego budynków. Tak czy inaczej, każda nowoczesna forma architektoniczna po tym wykładzie przez długi czas wydawała mi się nienaturalna.
Przypomniało mi się, jak kiedyś kompozytor Arvo Pärt zerwał z awangardą, bo nie potrafił w tym języku powiedzieć tego, co chciał. Wiele razy byłeś pytany, dlaczego wybrałeś lata 30. jako źródło inspiracji, ale wciąż proszę o wyjaśnienie swojego stosunku do tej architektury
Według moich odczuć na początku XX wieku architektura Imperium Rosyjskiego, przede wszystkim stolicy, osiągnęła światowy poziom, a jeśli nie porównamy jej z ówczesnymi ośrodkami kulturowymi - Francją, Austro-Węgrami, ale, na przykład, z Włochami, to przewyższyło. Weźmy na przykład rzymskie budynki z przełomu wieków, to solidna, dobrze narysowana, ale wciąż bardzo drugorzędna architektura: reprodukcja renesansowych, absurdalnych kompozycji na temat starożytności lub podążających tą samą francuską modą.
Mimo to Petersburg srebrnego wieku, czasów Benoita i Lidvala, jest przedmiotem zainteresowania wysokiej klasy profesjonalistów, mistrzów architektury. Przypomnijmy budowę Mariana Peretyatkowicza, Dom Wawelberga przy Newskim Prospekcie, genialne dzieło, wirtuozowską syntezę florenckiego palazzo i północnej secesji, czy emocjonalne opusy młodego Belogrudu, przepełnione mglistą energią oczekiwania, oczekiwań szoku i zmiany.
Kiedy te wstrząsy nastąpiły w 1917 roku, większość architektów starszego pokolenia włączyła się do budowy nowego kraju, a ich uczniowie, galaktyka wybitnych architektów, którzy studiowali w przededniu rewolucji i w pierwszych latach po niej, dołączyła z jeszcze większym zapałem: Lev Rudnev, Noah Trocki, Evgeny Levinson i wielu innych. Nie chodzi tylko o Akademię Petersburską, bo twórcy moskiewskiego konstruktywizmu Aleksander i Wiktor Wesninowie Aleksander Kuzniecow to profesjonaliści starej daty.
Jakkolwiek paradoksalnie to zabrzmi, przełom wczesnych lat trzydziestych na jakiś czas wzbogacił architekturę sowiecką: przez kilka lat współistniały koncepcje awangardowe i klasycystyczne. Mistrzowie starej szkoły mieli okazję „dokończyć pisanie” neoklasycyzmu zapoczątkowanego w latach dwudziestych XX wieku, aby w pełni przekazać swoją wiedzę i doświadczenie nowemu pokoleniu wybitnych architektów: Georgy Golts, Michaił Barszczch, Leonid Polyakov, Ilya Rozhin. Słowem, w moim rozumieniu przedwojenna architektura radziecka to zjawisko o bardzo dużej skali, bogate w pomysły i ambicje, dziedziczące wysoką jakość z poprzednich epok.
-
powiększanie 1/3 Arch. M. Peretyatkovich. Dom Wawelberga przy B. Morskaja. Petersburg. 1912 © Stepan Lipgart
-
powiększanie 2/3 Arch. M. Peretyatkovich. Dom Wawelberga przy B. Morskaja. Petersburg. 1912 © Stepan Lipgart
-
powiększanie 3/3 Arch. E. Levinson, I. Fomin. Domy przy ulicy Iwanowskiej w Sankt Petersburgu. 1934-1938 © Stepan Lipgart
Dlatego motywem na lata 30. XX wieku jest odwołanie się do wysokiej jakości
Fascynuje mnie artystyczny potencjał tego czasu, prawdopodobnie jako jednej z form wysokiej jakości.
Jaka jest Twoja ulubiona architektura?
Istnieje teraz wielka pokusa, aby przypomnieć sobie coś ze wspomnianej już epoki srebra w Sankt Petersburgu, ale dla jasności nadam nazwę budynkowi zbudowanemu w latach trzydziestych XX wieku, naprawdę wywarł na mnie ogromne wrażenie. Na wystawę międzynarodową w 1937 roku Francja postawiła między innymi dwa duże kompleksy wystawiennicze, o którym chciałbym wspomnieć - Palais de Tokyo. Architektura pałacu jest bliska zarówno stylowi Mussoliniego, jak i wzorom radzieckim, przede wszystkim Bibliotece Lenina. Surowy monumentalny wygląd budynku jest jednak znacznie złagodzony, zarówno przez malowniczość wyraźnej objętościowej kompozycji, jak i przez zmysłową plastyczność rzeźby wypełniającej przestrzenie w pobliżu fasad pałacu. Myślę, że emocje związane z Palais de Tokyo, całkowicie pozbawionym oficjalności architektury „totalitarnej”, ale nawet, jak mi się wydaje, sugerujące pewien stopień intymności, wynikają z faktu, że pałac został jednak zbudowany w kraj demokracji burżuazyjnej.
Dla mnie istnieje pewne kryterium najwyższej jakości architektonicznej: kiedy wielkoformatowa budowla jest tak doskonała, integralna, harmonijna, że przestrzeń miejska, na którą wpływa jej architektura, postrzegana jest jako świat nieziemskiego piękna, którym jest zauważalnie różni się nawet od pięknych zespołów otaczającego miasta. W Petersburgu takie uczucie budzą kolumnady katedry kazańskiej, w Paryżu - przy Palais de Tokyo. W świecie tych drugich triumfują proporcje i linia, duch i wola, ognista miłość odciśnięta w kamieniu.
-
powiększanie 1/3 Palais de Tokyo na Wystawie Światowej w Paryżu. 1937
-
powiększanie 2/3 Palais de Tokyo na Wystawie Światowej w Paryżu. 1937
-
powiększanie 3/3 Palais de Tokyo w Paryżu. Fragment. © Stepan Lipgart
W jakich konkursach i wystawach brałeś udział, z jakimi pracami? Jakie są nagrody?
W 2017 roku w Moskwie, a następnie w St. Petersburgu odbyły się dwie moje wystawy osobiste („Siedemnasta utopia” i „Poszukiwanie bohatera”), za które jestem bardzo wdzięczna ich kuratorom, odpowiednio Aleksandrze Selivanovej i Lyusa Malkis. Ale ze szczególnym ciepłem wspominam naszą wystawę pod szykownym tytułem "Naprzód, do lat 30-tych!" w Muzeum Architektury, które zostało otwarte jesienią 2008 roku. Jej przygotowanie przypominało nieco inny festiwal City. Pieniędzy było bardzo mało, ale wielu przyjaciół gotowych do pomocy, pomysłów i własnych sił w nieograniczonych ilościach. Kuratorem była moja przyjaciółka, krytyczka sztuki Masha Sedova.
A teraz przez dwa i pół miesiąca osiedliliśmy się w małej społeczności, zajmowaliśmy się budową makiet, instalacjami ekspozycyjnymi, produkcją plakatów i innych materiałów wystawienniczych. Wynik, jak się wydaje, był naprawdę jasny, w każdym razie gość specjalny wystawy, Grigorij Revzin, zwrócił następnie uwagę na Dzieci Iofana.
Co do konkursów to podobno ze względu na specyfikę tematyki naszej pracy nie odnieśliśmy tu zbyt dużego sukcesu, jednak nie dążyliśmy do sukcesu, nagród ARCHIWOOD jest kilka, ale myślę, że można to przypisać do wyjątku od reguły.
-
Image 
powiększanie 1/6 Instalacja "Filary OSWODU", laureat nagrody ARCHIWOOD-2012 Grupa architektoniczna "Dzieci Iofana"
-
powiększanie 2/6 Instalacja "Filary OSWODU" laureatem nagrody ARCHIWOOD-2012 Grupa architektoniczna "Dzieci Iofana"
-
powiększanie 3/6 Instalacja "Filary OSVODU" laureatem nagrody ARCHIWOOD-2012 Grupa architektoniczna "Dzieci Jofana"
-
powiększanie 4/6 Instalacja "Filary OSWODU", laureat nagrody ARCHIWOOD-2012 Grupa architektoniczna "Dzieci Jofana"
-
powiększanie 5/6 Instalacja "Filary OSWODU" laureatem nagrody ARCHIWOOD-2012 Grupa architektoniczna "Dzieci Iofana"
-
powiększanie 6/6 Instalacja "Filary OSWODU" laureatem nagrody ARCHIWOOD-2012 Grupa architektoniczna "Dzieci Iofana"
Jakie są Twoje wrażenia z pracy w studiu Michaiła Filippowa?
W moim rozumieniu Michaił Anatolijewicz jest genialnym artystą, a jego wizja architektury zakłada nieosiągalną dziś jakość rzeczywistości: społeczną, kulturową, technologiczną. Aby architektura Filippova w pełnym brzmieniu stała się częścią materialnego świata, jest zbyt wiele do zmiany w świecie, aby dużo pamiętać. Ten pomysł mnie przeraża i rozczarowuje, ale wydaje mi się, że jedna osoba, nawet nieskończenie utalentowana, nie może tego zrobić. Pracowałem w Warsztacie Michaiła Filippowa w sumie przez rok, cieszę się, że znam mistrza, jestem mu wdzięczny za jego pracę.
Ćwiczyć
W wieku 30 lat zacząłeś projektować duże kompleksy mieszkaniowe w Petersburgu. Dom "Renesans" przy ul. Dybenko jest już częściowo zbudowane, budowana jest „Petite France” na 20. linii Wyspy Wasilewskiej. Niewiele osób w tym wieku udaje się dostać takie zamówienia. Jaki jest sekret?
Kilka miesięcy temu rozmawialiśmy z Aleksiejem Komowem, który w szczególności określił tę sytuację następująco: „Jest wasza pozycja mistrza, odrodzeniowa. Jest twój świat, w którym mieszkasz, nie robiąc różnicy między papierowymi a prawdziwymi projektami, a klienci na najwyższym poziomie, obecność tego świata, moc artystycznych przekonań, czujesz i chcesz się przyłączyć. A ponieważ jest to świat na dużą skalę, projekty okazują się duże: budynki mieszkalne i fabryki, a nie prywatne domy i nie wnętrza”.
Brzmi to bardzo głośno, chwalebnie, z drugiej strony dziwne jest zapisywanie niektórych wydarzeń w życiu na ślepą szansę. Pamiętam, że mając trzydzieści lat, wybierając materiał na Arch-Moskwę, zrewidowałem swoje liczne obrazy: papier, projekty konkursowe, zdjęcia instalacji i było wrażenie, że zebrało się wystarczająco dużo obrazów i pomysłów, że jakoś się przedarły., wyszedł do prawdziwego świata. I tak szybko się stało. Oczywiście rolę odegrali poprzedni znajomi: Grigorij Revzin przyprowadził mnie z Kusnirowiczem, Maxim Atayants, który jest dla mnie wzorem zawodowym i moralnym, ułatwił mi spotkanie z petersburskim deweloperem.
Opowiedz nam o urządzeniu i metodach pracowni Liphart Architects?
Widzę swoje główne zadanie w pracy z obrazem architektonicznym, odpowiednio, wszystko jest zbudowane w taki sposób, aby rozwiązać go z maksymalną wydajnością, ale przy minimalnym zespole. Pracownia jest bardzo mała, może pomieścić do pięciu osób, zajmuje się prawie wyłącznie projektowaniem szkiców. Wolę własnoręcznie narysować zewnętrzną stronę budynku, od pierwszej linii ołówka do ostatniego centymetra końcowego komputerowego modelu elewacji. Resztę pracy przekazuję kolegom. Projekt i dokumentację wykonawczą opracowują zewnętrzni projektanci, uczestniczymy w procesie w ramach nadzoru autorskiego.
Pierwszy dom w Petersburgu,
Zespół mieszkalny „Renesans” malowałem według podanych układów. Oczywiście projektanci zmienili je i dostosowali w trakcie, moje decyzje również uległy zmianie, ale na koniec należy zaznaczyć, że realizacja jest bardzo bliska pierwotnej idei. Wpłynęło również na instalację klienta: zmień architekturę na ostatnim miejscu, buduj jak jest narysowana.
-
powiększanie 1/6 Widok z południowego wschodu na rotundę. Zespół mieszkaniowy „Renaissance” © Liphart Architects
-
powiększanie 2/6 Renesansowy kompleks mieszkaniowy Wizualizacja © Liphart Architects
-
powiększanie 3/6 Zespół mieszkalny "Renesans" Foto © AAG
-
powiększanie 4/6 Projekt zespołu mieszkaniowego „Renaissance” przy ulicy Dybenko w Petersburgu od 2015 rokuGrafika komputerowa W budowie Klient: holding inwestycyjno-budowlany AAG © Stepan Lipgart
-
powiększanie 5/6 Widok od strony południowo-wschodniej, oświetlenie wieczorne. Kompleks mieszkalny „Renesans” Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Dzięki uprzejmości Liphart Architects
-
powiększanie 6/6 Widok elewacji północnej, oświetlenie wieczorne. Kompleks mieszkalny „Renesans” Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Dzięki uprzejmości Liphart Architects
W przypadku tzw. „Małej Francji” - naszego pierwszego domu w historycznym centrum miasta - miałem większą swobodę manewru: ustalono kubaturę i ilość kondygnacji, szereg ogólnych pomysłów z formatami mieszkań, wszystko o innym zadecydowano na podstawie wymyślonego przeze mnie wyglądu zewnętrznego. Projekt tego obiektu zbiegł się w czasie z przeprowadzką do Petersburga, więc został narysowany z wielkim uczuciem, z rodzajem neofitycznego zapału, prace Lidvala i Klenzego, których wtedy naprawdę odkryłem dla siebie, miały ogromny wpływ na jego kształt. architektura.
-
powiększanie 1/7 RC „Mała Francja”. 20. linia Wyspy Wasilewskiej. St. Petersburg © Liphart Architects
-
powiększanie 2/7 RC „Mała Francja”. 20. linia Wyspy Wasilewskiej. St. Petersburg © Liphart Architects
-
powiększanie 3/7 RC „Mała Francja”. 20. linia Wyspy Wasilewskiej. St. Petersburg © Liphart Architects
-
powiększanie 4/7 RC "Mała Francja". 20. linia Wyspy Wasilewskiej. St. Petersburg © Liphart Architects
-
powiększanie 5/7 RC „Mała Francja”. 20. linia Wyspy Wasilewskiej. St. Petersburg © Liphart Architects
-
powiększanie 6/7 RC „Mała Francja”. 20. linia Wyspy Wasilewskiej. St. Petersburg © Liphart Architects
-
powiększanie 7/7 RC „Mała Francja”. 20. linia Wyspy Wasilewskiej. St. Petersburg © Liphart Architects
Wiele projektów petersburskich, nad którymi obecnie pracujemy na takim czy innym etapie: budynki mieszkalne przy ulicy Magnitogorskiej, Malokhtinsky Prospect, na nabrzeżu Czarnej Rzeki - są projektowane w podobny sposób. Dom na 12. linii Wyspy Wasilewskiej jest bardzo złożony w konfiguracji, gęsty, został narysowany przez sześć miesięcy. Być może najwięcej wysiłku włożono w ten obiekt, mam wielką nadzieję na jego realizację.
Nastawienie projektantów na „rób jak narysowane” pojawiło się, ponieważ klienci byli Twoimi sprzymierzeńcami. Czy klienci czują piękno?
Wydaje mi się, że zdolność widzenia piękna jest darem dla każdego od urodzenia; inną kwestią jest to, że okoliczności życiowe, środowisko, uprzedzenia mogą odebrać człowiekowi ten dar, aw każdym razie wyrządzić mu poważne szkody. Czasami wydaje się, że w dzisiejszej Rosji, która cierpiała przez ostatnie stulecie, większość zapomniała, jak nie tylko zwiększyć piękno, ale nawet odróżnić je od brzydoty. Tym wspanialsze jest spotkanie z ambicją tworzenia estetyki. Moim zdaniem takie ambicje mają zarówno Aleksander Zavyalov, właściciel petersburskiej firmy deweloperskiej, jak i Michaił Kusniowicz.
-
powiększanie 1/7 Widok na budynki administracyjno-produkcyjne od strony południowo-zachodniej. Fabryka odzieży "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / dostarczone przez Stepana Lipgarta
-
powiększanie 2/7 Widok na budynek administracyjny od strony południowo-wschodniej. Fabryka odzieży "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / dostarczone przez Stepana Lipgarta
-
powiększanie 3/7 Przednia klatka schodowa, fragment. Fabryka odzieży "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / dostarczone przez Stepana Lipgarta
-
powiększanie 4/7 Fragment zachodniej elewacji budynku administracyjnego. Fabryka odzieży "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / dostarczone przez Stepana Lipgarta
-
powiększanie 5/7 Sala I piętra z fragmentem Ogrodu Zimowego. Fabryka odzieży "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / dostarczone przez Stepana Lipgarta
-
powiększanie 6/7 Ogólny widok przystanku od strony południowej. Fabryka odzieży "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / dostarczone przez Stepana Lipgarta
-
powiększanie 7/7 Fasada południowa budynku administracyjno-socjalnego, fragment. Fabryka odzieży "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / dostarczone przez Stepana Lipgarta
Co więcej, oczywiście zaczynają odgrywać rolę preferencje smakowe klienta, zmieniając się, muszę powiedzieć, z czasem od całkowitego zbiegu okoliczności do całkowitego nieporozumienia. Na przykład w pierwszych projektach z Zavyalovem klasyczna architektura została przyjęta z hukiem i mówiliśmy tym samym językiem, ale teraz coraz częściej zadanie stawia się zgodnie z zasadą znaną z lat instytutu: „Uczyń mnie podobnym na tym zdjęciu. Tu mimowolnie pojawia się pytanie, na ile jestem gotowy na kompromis. Ogólnie rzecz biorąc, po pierwszych latach praktycznej pracy zawodowej jest pewne rozczarowanie. Do tej pory naprawdę ważne i wartościowe zdobyto w papierowych projektach, a nie w realizacji.
Projekty papierowe
Ponad dwa lata temu w komentarzu do archi.ru wspomniałem, że głównym tematem, który mnie interesuje, są nierozwiązane sprzeczności tkwiące w rosyjskiej kulturze i historii, które ujawniły się szczególnie silnie w latach trzydziestych XX wieku. Zderzenie maszyny z tradycyjną i stworzoną przez człowieka. Linia heroicznej architektury petersburskiej, ucieleśniona zarówno w art deco Lewinsona i Trockiego, jak iw ponurej archaice Belogrudu i Bubyru, a jeszcze wcześniej w łuku Sztabu Generalnego i pomniku Piotra. Linia impulsu obciążonego, przezwyciężającego, związanego z charakterem miasta, które wielokrotnie było poddawane gwałtownej europeizacji.
W swoich pracach porządkuj architekturę i technologię nie wykluczają się nawzajem, a wręcz przeciwnie, wzajemnie się wzbogacają: art deco i reaktor, art deco i rakieta … Który papierowy projekt jest Ci najbardziej bliski i dlaczego?
Cykl „At the Reactor” jest osobistą dedykacją, ucieleśnia obraz reaktora atomowego jako siły, która ogrzewa ten świat, ale też grozi jego zniszczeniem. Ta energia jest podobna do ludzkiej pasji. Stacja jest jak świątynia, obecny jest tu także temat ubóstwiania samochodu.
-
powiększanie 1/5 Seria „At the Reactor” 2014 Grafika komputerowa Projekt papierowy © Stepan Lipgart
-
powiększanie Seria 2/5 „W reaktorze” 2014 Grafika komputerowa Projekt papierowy © Stepan Lipgart
-
powiększanie 3/5 Dworzec Finlyandsky 2014 Grafika komputerowa Projekt papierowy © Stepan Lipgart
-
powiększanie 4/5 Projekt poprawy i przebudowy terenu parku Neskuchny Sad. Etap 2011-2012 Grafika komputerowa Nie zaimplementowano Klient: grupa firm Bosco © Stepan Lipgart
-
powiększanie 5/5 Projekt poprawy i przebudowy terenu parku Neskuchny Garden. Szklarnia 2011-2012 Grafika komputerowa Nie zaimplementowano Klient: grupa firm Bosco © Stepan Lipgart
Dobrze pamiętam, jak doszło do fabuły pracy, którą nazywam „Łuk Triumfalny”. Dzień wcześniej odbyłem inspirującą rozmowę, w której rozmówca wezwał do manifestu wizerunkowego, mojej wizji przyszłości. Najwyraźniej znalazł właściwe słowa, obraz narodził się w minutę: śmiała rakieta, gotowa do oderwania się w empiryzmie, otoczona gigantyczną formą architektoniczną. Podbój kosmosu, możliwy dzięki przełomowi technologicznemu i dynamicznym liniom współgrającym z tym ruchem, noszącym piętno wymownego Art Deco.
Na wystawie w Moskwie pojawiły się projekty dość estetycznych willi w stylu Art Deco. Willa to wizerunek osoby prywatnej. Co to za osoba, o jakich właściwościach?
Co ciekawe, każdy projekt to oferta dla konkretnego klienta, ale żaden z nich nie zdecydował się na budowę swojego domu w takich formach. Wydaje mi się, że Maxim Atayants dał dość trafny opis, zauważając, że nie są to domy prywatne, ale pawilony wystawiennicze służące do wystawiania klienta i jego codziennego życia. Tak, być może podkreślona reprezentatywność, monumentalność, powaga architektury nie implikuje prywatności, komfortu, spokojnego upływu dni. Wizerunek tego domu stanowi wyzwanie dla jego mieszkańca i musi mu odpowiadać przede wszystkim pod względem estetycznym, ale nie tylko. Tutaj zbliżamy się do tematu wyjątkowej osobowości, Bohatera.
-
powiększanie 1/4 Projekt "Skrzydlata Willa" 2016 Grafika komputerowa Nie zrealizowano Klient prywatny © Stepan Lipgart
-
powiększanie 2/4 Projekt willi "Acropolis Litorinum" 2015 Grafika komputerowa Obwód leningradzki, powiat Vyborgsky Nie zrealizowano Klient prywatny © Stepan Lipgart
-
powiększanie 3/4 Projekt "Villa ITR", 2011 Grafika komputerowa Region moskiewski, rejon Czechowski Nie zaimplementowano Klient prywatny © Stepan Lipgart
-
powiększanie 4/4 Projekt willi „Pavillon Lecayet”, 2015Grafika komputerowa Region moskiewski. Nie zaimplementowano Klient prywatny © Stepan Lipgart
Metafizyka
Jaka jest różnica między twoją koncepcją bohatera a romantycznym bohaterem XIX wieku, który walczy z losem i przeciwstawia się tłumowi; od nadczłowieka i demiurga awangardy; od dwudziestowiecznego libertarianina?
Pamiętam, jak czytałem w Khan-Magomedov, że Iwan Leonidow, tworząc swoje „Miasto słońca”, prawie nie znał tekstu Tommasa Campanelli. Jego utopijny konstruktywizm dał obraz świetlanej przyszłości, a fabuła Miasta Słońca była zgodna z jego uczuciami. Warto od razu stwierdzić, że moja „koncepcja Bohatera” też nie ma dostatecznej głębi filozoficznej, nie ma za nią długich tekstów, badań, prób empirycznego przetestowania własnych domysłów. Najważniejsze jest tutaj twoja własna intuicja, doświadczenie pewnych uczuć, uniesienie. A najbardziej udanym sposobem niesławnych poszukiwań Bohatera jest obserwacja artystycznego pokazu ludzkiego piękna. Najbardziej oczywistym przykładem jest portret renesansu, wywyższający, ubóstwiający ludzką naturę. Ale jeszcze bliżej ideału są te płótna, na których niebiańskie światło wchodzi w konflikt z ciemną stroną ludzkiej natury. To było dla mnie świeże, mocne wrażenie zobaczyć na żywo dzieła Parmigianino i Bronzino, nie ma w nich lekkiego spokoju renesansowej harmonii, przeciwnie, przeszywający chłód nienagannych rysów, krucha równowaga apollińska i dionizyjska, sugerująca odpowiedź, śmiałość, dzieło duszy.
W Boskiej Symfonii Skriabina bohater-demiurg tworzy świat z niczego. Koncepcja walki z Bogiem daje początek bardzo pięknej muzyce, ale etycznie jest na granicy. Twój bohater - kim on jest?
Bohater jest środkowym krokiem między człowiekiem z jego słabościami i wadami a zasadą Najwyższą. Bohater nie jest tym, który jest w cudowny sposób obdarzony boskimi zdolnościami, ale dąży siłą swojego ducha, własnej duszy, do najwyższego ideału, zarówno moralnego, jak i fizycznego.
Ale artysta jest bohaterem w chwili, gdy coś tworzy. Przejaw piękna w dziele jest zawsze cudem i odważnym. Wracając do lat trzydziestych XX wieku, zarówno twórcy, jak i ich obrazy są tam bohaterscy. Architekci budowali, a kompozytorzy pisali, ryzykując życiem. W 1938 r. Szostakowicz siedział co noc na klatce schodowej swojego domu z walizką, czekając na aresztowanie, ponieważ jego przyjaciel, marszałek Tuchaczewski, został zastrzelony. Szostakowicz był ścigany w druku od wczesnych lat trzydziestych XX wieku. Jednak w 1937 roku napisał V Symfonię, w której według Pasternaka „powiedział wszystko i nic mu się nie stało”. Bohater tej muzyki ginie w walce z piekielną totalitarną machiną
W latach trzydziestych podjęto ostateczną próbę przetrwania bohaterskiej, demiurgicznej do maksimum - Trzeciej Rzeszy. Próba zmiany, wypaczenia uniwersalnej moralności człowieka, stworzenia nowego człowieka, nowego społeczeństwa, nowego miasta. Kult bohatera, który schwytał dziesiątki milionów. Rezultat jest potworny iz etycznego, humanistycznego punktu widzenia nie podlega żadnemu uzasadnieniu. Należy pamiętać, że kreska jest tutaj naprawdę cienka.
Tak. Ponieważ środki są potworne, a środki są najważniejsze. Tak, był potworny cel
Czy możliwe są inne środki? Weźmy rycerstwo - kojarzy się z przemocą i morderstwami, a jednocześnie przystojni, każdy pamięta majestatyczne mury średniowiecznych zamków i kult pięknej damy.
Nie zgadzam się, że koncepcja heroizmu wiąże się z przemocą, być może z konfrontacją z przemocą i przezwyciężaniem siebie. Jeśli godzimy życie z wymiarem wertykalnym, to mówimy o bohaterze, który poświęca się dla innych ludzi
Nawiasem mówiąc, poświęcenie było promowane również w społeczeństwie nazistowskim. W rezultacie we współczesnych Niemczech panuje już opinia, że pogoń za własnym pięknem można utożsamiać z nazizmem.
To pomyłka. Artysta tworzy formę, jest gestem dominującym, w pewnym sensie totalitarnym, ale sztuka to obszar, w którym hierarchia jest korzystna. Postmodernizm próbował zdekonstruować ten gest, a efekt artystyczny nie jest zbyt przekonujący. Silver Age balansował na granicy sztuki i budowania życia. Tworzył piękno, ale pozostał na polu artystycznym i nie poszedł dalej (a dokładniej poeci i artyści eksperymentowali z różnego rodzaju obscenicznymi kultami, jak wiemy ze wspomnień Aleksandra Benoisa, ale to była ich prywatna sprawa). Lenin nie jest Srebrnym Wiekiem
Ale artyści gromadzili te chmury w przededniu dramatu 1917 roku, wzywając ich i łaknąc ich. Co to są grzmoty i błyskawice? To jest coś niekontrolowanego. Skriabin miał oczywiście inny pomysł na wygląd nowego człowieka, jasne jest, że nie był komisarzem z mauzerem, a nie brutalnym samolotem szturmowym. Blokada Leningradu jako urzeczywistnienie najstraszniejszych snów Srebrnego Wieku polega na poczuciu nadludzkości i poświęcenia, w tych zmroku zimnych doznaniach ucieleśnionych w domach Belogrudowa. Mieli już przeczucie nieuchronnej tragedii, przeczucie archaizmu, które pojawiło się na obrazie Stalina z najciemniejszych głębin. Wyostrzając temat, widzę wizerunek bohatera w pracach rzeźbiarzy Josefa Toraka i Arno Breckera. Tam śmiałość zdecydowanie skłania się ku mrocznej naturze, ale robi wrażenie.
Podobnie jak odwaga wielu libertariańskich artystów XX wieku. Wright, Sullivan, Scriabin byli Nietzscheanami. Ale rozumieli Nietzschego w wulgarny sposób. Nietzsche, wypowiadając zdanie o śmierci Boga, miał na myśli, że człowiek przestał zwracać się do Nieba, przestał być zdolny do dziękczynienia, dostosowania swoich działań do Boga. Ludzie kierowali powstałą w ten sposób darmową energię, aby osiągnąć swoje cele i wiele osiągnęli. Ale upadła natura ludzka objawiła się w całej okazałości
Upadła ludzka natura przejawia się dzisiaj w pełnym rozwoju. Szkoda, że te pokazy nie mają wartości artystycznej.
Tak. Ale ludzie rozumieli pewne rzeczy. Świat pokonał faszyzm, a równowaga jest nadal utrzymywana, choć z trudem. Albert Schweitzer powiedział, że po wynalezieniu bomby atomowej, czyli uzyskaniu supermocy, człowiek nie stał się superinteligentnym. Być może bohater jest superinteligentną osobą. Oczywiście nie w sensie ostrożności, ale wręcz przeciwnie, w sensie lekkomyślności, zdolności do miłosierdzia, poświęcenia. Święty jest bohaterem i nadczłowiekiem. Mamy wartości, których nie chcemy stracić. Jeśli mówimy o architekturze, europejskie miasto historyczne jest wartością, a architektura lat trzydziestych XX wieku jest jej organiczną częścią
Tak, ale była też w niej nowa jakość. Wracając do mojego paryskiego wrażenia, ta wizyta była bardzo krótka, skoncentrowana: w ciągu ośmiu godzin przeszedłem z Panteonu do Trocadero, po wizycie w Luwrze. Wielkie miasto zadziwia swoją skalą, bogactwem elewacji z naturalnego kamienia, rozciągłością alejek, wspaniałością ogromnych pałaców, a jednak wychodząc do budynków paryskiej wystawy nie mogłem oprzeć się wrażeniu innego wymiaru, innego stopnia znaczenie, obraz przyszłości, która nigdy nie nadeszła, ponieważ niszczycielska natura człowieka zwyciężyła wówczas nad twórczą.
