Wystawa graficznych fantazji architektonicznych Wiaczesława Petrenki otwiera przed nowymi pokoleniami mistrza, który stał u początków konceptualnej architektury Rosji. Swoją pracą artysta pokazuje, że granice gatunkowe i gatunkowe są rzeczą warunkową. W wielkim dziele każdej epoki powstaje wszechświat, w którym wszystkie dziewięć muz światowej kultury przechodzi metamorfozy, wymieniają się pomysłami.
Architekt Wiaczesław Petrenko żył bardzo krótko: tyle samo co Mozart - 35 lat (1947-1982). Zgodnie ze wspomnieniami krewnych i bliskich przyjaciół (żona Aleksandry Petrenko, architekt Andrei Bokov, pisarz Nikolai Chuksin), można zrozumieć, że lekki, lekki geniusz muzyki Mozarta zdawał się przyćmiewać osobowość Petrenki. Jego architektura jest podobna do partytur. Jeśli jednak użyjemy uskrzydlonej metafory Goethego i Schellinga (architektura to zamrożona muzyka), to muzyka tych partytur nigdy nie zabrzmiała. Ani jeden budynek zaprojektowany przez Petrenko nie powstał.
Niemniej jednak sam zapis nut nie jest aktem narodzin kompozycji, melodią, która brzmi w umysłach tych, którzy potrafią czytać, słuchać i czuć? Często ta zrozumiała muzyka jest bliższa ideału niż faktycznie wykonywana. Tak jest z „zapisami” Wiaczesława Petrenki: metafizyczne istnienie jego projektów (tylko na papierze) może urzekać i zachwycać znacznie bardziej niż te budowle, które powstały w najbardziej beznadziejnym dla architektury kraju okresie - w latach sowieckich. stagnacja.
Stał się powszechnie akceptowanym określeniem, które nazywa się takimi partyturami brzmiącymi tylko w osobistym odbiorze architektury: „papier”. Do 30-lecia tego nurtu pozostał tylko rok, jeśli weźmiemy pod uwagę początek dokładnej daty: 1 sierpnia 1984 roku, kiedy w redakcji Yunost została otwarta pierwsza wystawa pt. „Architektura papieru”. Przedstawiciele tego stylu, który narodził się na przekór architektonicznej rutynie lat 80., są dziś powszechnie znani: Aleksander Brodski, Michaił Chazanow, Ilya Utkin, Totan Kuzembaev … Główny kronikarz, archiwista, kurator wystaw poświęconych historii ruchu, jednocześnie jego aktywnym uczestnikiem jest Jurij Awwakumow. Od dłuższego czasu na stronie
Na stronie www.utopia.ru znajduje się skompilowany przez niego depozyt, w którym znajdują się główne projekty „architektury papierowej”, której historię Awwakumow zaczyna się od niezrealizowanych projektów epoki oświecenia, np. z Kremla w Bażenowie. Jurij Awwakumow był także kuratorem wystaw architektury papierowej z pracami Wiaczesława Petrenki. Pamiętam nawet jedną osobistą wystawę prac Petrenki w ramach Łuku Moskiewskiego w 2002 roku, z okazji dwudziestej rocznicy śmierci mistrza.
Moim zdaniem koncepcja, która łączy twórczość „papierowych architektów” lat 80. z najlepszymi utopijnymi projektami architektonicznymi w ogóle, jest zapożyczona ze świata muzyki. To inwencja - umiejętność tworzenia kompozycji zbliżonych do kaprysów: nieoczekiwanych, intelektualnie subtelnych i zachwycająco erudycyjnych. Dzieła Wiaczesława Petrenki są obdarzone intencją wynalazku w całości.
Główny projekt wystawy: Centrum Żeglarstwa w Tallinie. W artykule katalogowym Jurij Awwakumow nie porównuje go przypadkowo z „Dziesięcioma książkami o architekturze” Marka Witruwiusza Polliona. Projekt i proces pracy nad nim utrwalony na wielu szkicach i rycinach to cała filozofia architektury, która pozwala zrozumieć, jak architekt zakorzeniony jest w kulturze światowej i jak nowoczesny, obdarzony darem zacierania konwencjonalnych granic, zapewniający przenikanie się różnych języków sztuki.
Motyw przewodni twórczości Wiaczesława Petrenki w ogóle, aw szczególności pracy nad Centrum: stworzenie kosmicznego wszechświata, w którym różne tematy „wciągania architektonicznej objętości na linie siły świata” byłyby wyraźnie ucieleśnione (sformułowanie w jednym zeszytów mistrza). W temacie Centrum Petrenko zwrócił się do kilku źródeł. Po pierwsze: starożytne terminy rzymskie, uważane za centralny punkt życia w jego fizycznej i intelektualnej formie, a także miejsce spotkania pierwotnych elementów - wody, powietrza, ciepła (słońce) i ziemskiej przestrzeni. Drugi jest niesamowicie dowcipny (oto wynalazek) znaleziony w szkicach przygotowawczych i ostatecznym projekcie Centrum Żeglarstwa. To odwołanie do projektowania rzymskich akweduktów i wizerunku żagla na galerach. Petrenko wypełnia masą budowlaną gigantyczne łuki akweduktów, które przechodzą pod wodę i zamienia je w rodzaj nadmuchanych żagli, które nadają strukturę kompozycji budynku. Ponadto żagle te tworzą gigantyczną płaską ścianę i wizualnie świadczą o wzajemności braku formy i jej obecności. Zachowujemy wizualną pamięć akweduktu jako ściany z przeciętymi gigantycznymi pustkami - łukami. Jednocześnie widzimy, jak gęste żagle są wysadzane w miejsce pustek w nowym akwedukcie. Trzecim źródłem formacyjnym Centrum Żeglarstwa jest oczywiście rosyjska awangarda w całkowicie fenomenalnym dialogu ze średniowiecznym gotykiem. Jeden szkic przedstawia poziomy wieżowiec El Lissitzky. Inny grawer przedstawia schemat aksonometryczny i „ściętą” elewację, która wyraża wewnętrzną istotę rozwijającego się budynku o schodkach poziomych i pionowych. Tak więc poziomy drapacz chmur staje się jednocześnie latającymi przyporami i przyporami.
Każdy sektor przestrzenny Petrenki rozumiany był jako obszar spotkania różnych sztuk zgodnie z pewnymi idealnymi stałymi egzystencji człowieka. A wszystkie sztuki (widać, że rysunki rzeźb przypominają dzieła Henry'ego Moore'a) działają na rzecz maksymalnego wcielenia zawsze dokładnego rozwiązania projektowego.
Obrazy przestrzenne, wymyślone i ucieleśnione na papierze, są również niezwykle dowcipnym testem w psychologii percepcji formy w różnych językach sztuki. Arkusz „Marc Chagall Square” wszyscy uznają za arcydzieło. Nad placem, niczym łukowate nadproże, wisi przezroczysty basen. A kąpiący się rzucają cienie na podłogę placu. W tym miejscu nie można pominąć dość konkretnych aluzji: sam Wiaczesław Petrenko w swoich komentarzach przywołał przelatujących nad głową ludzi Chagalla (sylwetki kąpiących się w przezroczystym basenie). Innym odniesieniem jest de Chirico ze swoimi piekielnymi cieniami na kwadratach.
Odrębnym tematem twórczości Petrenki jest wiele aluzji kulturowych. Jeden segment Centrum nazywany jest „klatką schodową wychowanych staruszek”. Stare kobiety spotykają się na balkonach i plotkują. Ten temat to oczywiście Oberiut, ale z szczęśliwym zakończeniem. A „galerią braku wewnętrznego spojrzenia”, podobnie jak inne, podkreśloną charakterystyczną stylistyką grafiki, jest nieuchronność spotkania z moskiewskim konceptualizmem i Ilyą Iosifovichem Kabakovem.
Instalacja materiału wizualnego Centrum, nieuchronność przesuwania oka po różnych schematach perspektywicznych, nurkowanie w pułapkach, zaworach, kieszeniach różnych stref świetlno-powietrznych jest oczywiście wpisane w estetykę kina. Jednak w wersji raczej graficznej animacji, która właśnie w tamtych latach stała się sztuką, w której pozwalano eksperymentować i żyły awangardowe metody tworzenia form (pamiętajcie karykatury Andrieja Chrzanowskiego, Jurija Norshteina, Fiodora Khitruka …). Co więcej, jestem pewien, że wiele prac zarówno moskiewskich artystów konceptualnych, jak i moskiewskich architektów konceptualnych-portfeli jest związanych z kreskówkowym stylem lat 70. i 80. XX wieku.
Taka różnorodność tematów i znaczeń daje początek znajomości architektury Wiaczesława Petrenki. Więc jego sztuka to nie tylko jedna zastygła melodia, to kipiące, potężne oratorium, a nawet Gesamt KunstWerk przekazane przez Wagnera.
P. S. Ale dlaczego wystawa nosi tytuł „Platforma niedostępności”? Oddajmy głos organizatorom wystawy: „PLATFORMA NIEPEŁNOSPRAWNOŚCI to jedna z wielu koncepcji Petrenki, która zaoferowała ludziom samotność na miejskim placu przy zachowaniu pełnego kontaktu wzrokowego z innymi ludźmi. Zrywając platformę z ziemi, stawia pod nią kolumnę, zamieniając konstrukcję w cokół, a miłośnicy samotności wspinali się po niej w rodzaj pomników. Główną ideą projektu jest to, że tymczasowe łatwo dogaduje się z wiecznym. Twórcza droga Wiaczesława Petrenki, tak krótka, ale w rzeczywistości skierowana w nieskończoność, jest niepodważalnym dowodem tego stwierdzenia”.
Wystawa czynna w Zakonie Farmaceutycznym Muzeum Architektury do 14 marca.