Wczoraj w Moskiewskim Muzeum Sztuki Multimedialnej otwarto wystawę grafik naczelnego architekta Moskwy Siergieja Kuzniecow. Zawiera ponad 120 prac wykonanych ołówkiem, tuszem, pisakiem i akwarelami, które powstały przez 10 lat od 2007 roku. Wiele nowych, głównie akwareli - 2016 i 2017, w tym te wykonane specjalnie na wystawę. Publikujemy fragment rozmowy kuratora wystawy, krytyka sztuki Jekateriny Szaliny i Siergieja Kuzniecow. Pełna wersja wywiadu zostanie opublikowana w katalogu poświęconym wystawie „Siergiej Kuzniecow. Kontakt osobisty / Grafika architektoniczna”(21.07 - 10.09). Oprócz grafiki i malarstwa obejmie historie znanych postaci kultury, architektów, fotografów, dziennikarzy i artystów na temat ich postrzegania różnych miast świata - od doświadczeń architektonicznych po doznania smakowe. Wśród współpracowników znaleźli się Michaił Szwydkoj, Siergiej Czoban, Dmitrij Bertman, Aleksiej Tarkhanov, Michaił Biełow, Artemy Lebedev, Aleksander Ponomariew, Aleksiej Narodicki, Piotr Kudryavtsev, Ekaterina Pronicheva, Sofya Trotsenko, Elena i Irina Kuznetsov. Data wydania książki i prezentacji zostanie ogłoszona później. ***
Ekaterina Shalina:
Wystawa „Sergey Kuznetsov. Kontakt osobisty / Grafika architektoniczna”w Multimedialnym Muzeum Sztuki w Moskwie zgromadziło ponad 120 rysunków i akwareli. Różne techniki, różne miasta świata, budynki i przestrzenie. Jaka jest główna idea tego projektu dla autora?
Sergey Kuznetsov:
- Ta wystawa - dziękuję za zaproszenie do jej wykonania i pomoc w jej realizacji Oldze Śviblovej, dyrektor MAMM, i całemu jej wspaniałemu zespołowi - a właściwie inna forma powiedzenia, że środowisko miejskie i architektura jako jej główna część, mają bardzo silny wpływ na ludzką świadomość. Niezależnie od tego, czy jest tego świadomy, czy nie. To opowieść o tym, że miasto jest ciekawym zjawiskiem, które ma sens, aby żyć jak najbardziej integracyjnie. Dla mnie najbardziej naturalną i dokładną metodą tego „inkluzji” jest rysowanie. Ale są też inne sposoby. Ktoś, kto wychodzi na miasto, aby go poznać lub lepiej poznać, sprawdza książki i filmy, ktoś po prostu uwielbia wędrować bez mapy i odkrywać dla siebie coś nowego, ktoś fotografuje lub rejestruje swoje uczucia. Dlatego wraz z moją grafiką na ekspozycji pojawiły się ekrany z kolażami wideo z kultowych filmów, oddające klimat kilku pięknych centrów świata, w których miałem szczęście wielokrotnie odwiedzać i rysować.
Czy jakoś specjalnie przygotowujesz się do poznania nowych miejsc?
- Jeśli jadę do miasta, o którym mam mgliste pojęcie, to wcześniej staram się coś o nim poczytać. Ale najskuteczniejszą metodą jest skorzystanie z dobrego przewodnika. Na przykład w Buenos Aires wybraliśmy trasę konstruktywistyczną. Trudno to zrobić samemu - zabytki są porozrzucane po różnych terenach, a doradzili nam doświadczeni faceci, którzy tę wycieczkę prowadzą autentyczną, świetnie zachowaną ciężarówką z lat 30-tych. Okazało się, że to podróż w czasie rzeczywistym. Sami szliśmy po centrum. Muszę powiedzieć, że Buenos Aires jest bardzo europejskie w duchu, przypomina Paryż, tylko że wszystko jest na znacznie powiększoną, amerykańską skalę. Wspaniałe aleje, dużo artystycznej architektury secesji i art deco, budynki z przegubowego plastiku, reagują, reagują na siebie wieżyczkami, balkonami, dekoracjami. Uwzględnia się skalę i wielkość miasta, a jednocześnie niestety czuć, że najlepsze czasy minęły. Jeśli wybieram się gdzieś tylko na kilka dni, to pierwszego dnia staram się obejść jak najwięcej i zobaczyć, po drodze, zarysowując i zapamiętując, fotografując możliwe punkty plenerowe. A drugiego dnia wychodzę na miasto ze szkicownikiem lub tabletem.
Czy planowane są jakieś obiekty do rysowania przed wyjazdem? Czy jest jakiś system, zasada wyboru natury architektonicznej?
- Kiedy dopiero rozpoczęliśmy współpracę z Siergiejem Tchobanem i otworzyliśmy biuro SPEECH w 2006 roku, zwyczaj chodzenia na plener stał się systemem. Na początku interesowało mnie szkicowanie słynnych zabytków światowej architektury - antyku, renesansu, baroku. Myślę, że większość architektów, którzy malują, ma szkice do konstrukcji Forum Romanum lub Koloseum. Będąc w Rzymie, poszliśmy śladami rysunków Aleksandra Benoisa, który na początku XX wieku odkrył dla siebie, a sto lat później dla nas nietrywialne widoki katedry św. Piotra. W Wenecji też najpierw zwróciłem się ku legendarnej naturze, którą niejednokrotnie przedstawiali słynni mistrzowie - nie po to, by z nimi konkurować, ale po to, by wytrenować rękę i oko na arcydziełach, uchwycić proporcje, proporcje. szczegółów i całości. Następnie rozpoczął własne, przypominające polowanie, poszukiwanie mało znanych ciekawych budowli, punktów i kątów. Szczególnie podoba mi się weneckie podwórka. Dwa kroki od szlaków turystycznych, tłumów już nie ma, a piękno pozostaje takie samo.
Z Wenecji w osobistym archiwum większość prac. Ulubione miasto?
- Wenecja ma jakąś nieodpartą „narkotyczną” atrakcję, a jej natura nie jest dla mnie do końca jasna. Albo chodzi o to, że dookoła jest woda, albo o to, że całe miasto jest piesze. Być może tajemnica jego uroku tkwi w jakiejś genialnej nieregularności, widocznej chociażby w głównych budynkach - Katedrze św. Marka czy Pałacu Dożów. To, jak ich twórcy wymyślili tak dziwaczne połączenie kształtów, kolorów, zdobień, asymetrii i atektoniki, jest dla umysłu niezrozumiałe. To oszałamiające środowisko stworzone przez człowieka, w którym wszystko jest sztuką: kultowa architektura wypełniona obrazami wielkich mistrzów i najzwyklejsze domy z terakoty tworzone nie przez architektów, ale przez prostych rzemieślników o doskonałym guście, których nazw najczęściej nie znamy.. A gondolierzy ze swoimi przyzwyczajeniami i piosenkami, przykuwającymi wzrok produktami ze szkła Murano i atrybutami maskarady, a nawet obsługa w restauracjach to osobny spektakl teatralny. Po raz pierwszy przyjechałem do Wenecji dziesięć lat temu, obchodziłem trzydzieste urodziny i od tego czasu obchodzę tam swoje urodziny prawie co roku. Praca nad projektami dla czterech biennale architektonicznych tylko wzmocniła moją miłość do tego miasta. Wydawać by się mogło, że wszystko poszło w górę i w dół, ale za każdym razem odkrywa się coś nieznanego.
Arkusze z Wenecji wyraźnie pokazują pełną gamę technik i materiałów - od prostego ołówka po akwarele. Od czego zależy wybór, z czego iz czego czerpać w przypadku różnych obiektów? Jak doszło do ewolucji od grafiki do akwareli?
- Sama natura często prowadzi do jakiejś techniki. Na przykład w moim obrazie Wenecji dominują białe domy z czarnymi patynami. Kiedyś próbowałem je pomalować na biało na barwionym papierze. Sama technika nie jest odkryciem Ameryki, ale w tym przypadku skutecznie podkreśla malownicze zadrapania i zniszczenia, które nadają miastu na wodzie nieodparty urok. Zwykle nie używam gumki ani niczego innego, co mogłoby poprawić rysunek. Kto rysuje na świeżym powietrzu, wie, jak bardzo zależy to od pogody i światła. Starasz się wszystko robić szybko, a gdzieś pojawia się szorstkość, coś okazuje się niedoskonałe, ale są techniki, które to rekompensują, precyzyjnie oddając emocje, stan chwili. A to z pewnością obejmuje akwarele. Od trzech lat stosuję go głównie, uważam za jedną z najtrudniejszych technik, których możliwości są dla mnie dalekie od wyczerpania. W pewnym momencie chciałem oderwać się od „dokumentalnego”, szczegółowego obrazu architektury i oddać na papierze raczej swoje odczucia z tego, co widzę. Ta tendencja ujawniła się już wcześniej. Np. Dachy pagody i bramy w Kioto, narysowane prostym ołówkiem, właściwie nie „odlatują” tak efektownie, ale chciałem uwydatnić cechę wskazaną w prawdziwej architekturze i na arkuszu ta przesada ożywiła ją. Akwarela w pełni odpowiada mojemu postrzeganiu świata. Na przykład w rzeczywistości może nie być tak długich, ukośnych cieni, które pojawiają się w niektórych kompozycjach, ale to właśnie te cienie nadają obrazowi dynamikę i energię miejskiego środowiska, które odczuwam.
Czy architekci i artyści inaczej przedstawiają architekturę?
- Można argumentować, że podejście analityczno-archeologiczne jest bliższe architektom, a romantycznemu i emocjonalnemu podejściu do artystów. Że architekci często budują formy z liniami, cieniowaniem i uwielbiają monochromatyczne, a artyści zwracają większą uwagę na kolorowe plamy i światło-powietrze. Ale to nie jest reguła, co potwierdza moja praca. Zasadnicza różnica polega na tym, że architekci, nawet w procesie spontanicznego, swobodnego czerpania z natury, otrzymują informację wizualną, która następnie zostaje w jakiś sposób załamana w ich działalności zawodowej. W mojej praktyce podczas pracy w SPEECH, z „portretowania” katedr gotyckich, w Kazaniu narodził się Pałac Aquatics ze swoimi lancetowymi konstrukcjami, choć z innego materiału - drewna. Kopuły San Marco wpłynęły na kopulasty kształt hali centralnej rosyjskiego pawilonu Biennale w Wenecji w 2012 roku, kiedy pokazaliśmy projekty innowacyjnego miasta Skołkowo. A zasada kolorystyki marmuru na ścianach Santa Maria dei Miracoli stała się podstawą okładzin budynków „Nevskaya Ratusha”. Jest też wiele innych przykładów.
Czy rysunek wspomaga pracę naczelnego architekta Moskwy, przynosi pomysły, które można zrealizować w skali urbanistycznej?
- Oczywiście, że to pomaga. Gdybym na przykład nie pomalował High Line Park w Nowym Jorku, rozstawiony na torach zamkniętego metra, nie broniłbym tak bardzo udziału jego twórców Dillera Scofidio + Renfro w projektowaniu i budowie. Parku Zaryadye. To terytorium w Nowym Jorku jest niesamowite. Jesteś jednocześnie otoczony „dziką” przyrodą i miastem. Nie las czy park miejski, ale coś innego. To prawdziwie nowatorski pomysł urbanistyki krajobrazowej, który mam nadzieję w pełni zrealizowany zostanie w samym centrum Moskwy. Kiedy zostałem głównym architektem, czas podróży naturalnie się skrócił, ale zacząłem malować więcej Moskwy. Znalazłem wiele miejsc plenerowych na centralnych ulicach i zaułkach, na nasypach i na WOGN, w strefach przemysłowych i na placach budowy obiektów, które są wznoszone i rekonstruowane z moim udziałem - to park Żaryadye i stadion Łużniki. Poprzez rysunek głębiej poznaję i rozumiem nasze miasto. Wydaje mi się, że piękno, przedmiot godny obrazu, można znaleźć w każdym z jego obszarów, jeśli jest to pożądane. I oczywiście na wszystkie wyjazdy zabieram ze sobą ołówki, pędzle i farby. Z ostatnich szczególnie owocna była wycieczka do Buchary - przywiozłem dużo akwareli.
Jakie wrażenie zrobiła Buchara?
- Podwójny. Miasto nie jest małe, w centrum wspaniałe zabytki, w dobrym stanie, ale prawie puste, turystów jest niewielu. Upał - a ja byłam w maju - jest straszny, 38-40 ° C. Wszyscy w cieniu szukają zbawienia. A także ze względu na temperaturę całe życie toczy się na dziedzińcach. Jeśli spojrzysz z góry, całe miasto jest podzielone na kwadraty - parterowe domy wychodzą na ulice z pustymi ścianami, nie ma publicznego frontu, idziesz jak labirynt, a tylko wąskie przejścia prowadzą do środka, na prywatny teren. Miasto introwertyczne. Cała jego architektura jest uwarunkowana klimatem. Weźmy na przykład portale z niszami bogato zdobionymi ceramiką. Nisze tworzą efekt lejka, przez który przed wejściem do pomieszczenia powietrze ochładza się. Kolory są naprawdę takie same jak na obrazach Vereshchagina - turkus, ochra, ostre kontrasty światła i cienia. Ludzie są przyjaźni, gościnni, wielu nosi narodowe stroje, mężczyźni noszą jarmułki - bardzo rozsądne nakrycie głowy, które chroni przed przegrzaniem. Wiele osób zna trzy języki - tadżycki, uzbecki i rosyjski, co wskazuje na duży potencjał. A jednocześnie widać, że na ogół żyją słabo, biznes prywatny słabo się rozwija - na poziomie handlu ceramiką i jarmułkami, które są sprzedawane bez opakowań. Nie ma marketingu jako takiego. Choć architektura, kuchnia i ta sama ceramika mogłyby stać się markami narodowymi, turystyka mogłaby się rozwijać intensywniej. Ale ścisła kontrola wszystkiego przez państwo, z którą osobiście napotkaliśmy przejaw nadmiernej kontroli na granicy, w oczywisty sposób ogranicza swobodę przedsiębiorczości.
Wystawa będzie czynna do 10 września.
