Jesteście projektantami rosyjskiej ekspozycji na Biennale, ale także bardzo znanymi moskiewskimi architektami. I najpierw pytanie do architektów. Wśród twoich projektów jest wiele, które są dość dosłowne, jednoznaczne w obrazowaniu - tak jak lornetka Franka Gehry'ego. Weźmy na przykład swój domek rybny lub wnętrze klubu Cocoon. Podczas gdy większość architektów stara się stworzyć najbardziej bezkształtną, abstrakcyjną architekturę, ty robisz ten rodzaj „dosłowności”. Jaki jest tego powód? Czy to taki celowy szok?
Vladimir Kuzmin: Cholera, po raz pierwszy od kilku lat słyszę pytanie, na które chcę odpowiedzieć! Tak, oczywiście, są to absolutnie celowe działania. A ty sam już wyjaśniłeś te działania. Faktem jest, że jednym z naszych ulubionych architektów z Vladem jest Frank Gehry. Myślę, że nie będzie przesadą, jeśli powiem, że to nasza gwiazda przewodnia - nawet studiujemy to specjalnie z naszymi studentami z Architectural Institute. Znajomość pracy tej osoby stała się punktem zwrotnym w naszym życiu zawodowym. W rzeczywistości uosabia to, co Vlad i ja staramy się promować - syntezę nowoczesnej architektury i sztuki współczesnej.
Czym jest dla Ciebie sztuka współczesna? Jak można go przekształcić w architekturę? Po prostu jakoś nie pasuje mi to do głowy
Vladislav Savinkin: Sztuka współczesna to dla nas przede wszystkim ironiczna refleksja nad najbardziej palącymi problemami dnia dzisiejszego. I ważne jest dla nas, aby sztuka współczesna wykorzystywała maksymalne środki artystyczne do wyrażenia tej refleksji - od kolażu po jakąś sekwencję wideo. My z kolei chcemy, aby architektura stała się jednym z tych środków, aby stała się swego rodzaju kanałem dla sztuki współczesnej. Z grubsza mówiąc, jesteśmy przedstawicielami kierunku projektowego sztuki współczesnej, podobnie jak Donald Judd, Klaus Oldenburg, który nawiasem mówiąc jest współautorem lornetki domowej.
V. K: Jednak skupiamy się nie tylko na wspomnianych postaciach. Na liście naszych autorytetów znajduje się również n-ty liczba osób związanych z tradycją rosyjską, z folklorem, ze sztuką ludową. Ale zarówno sztuka ludowa, jak i sztuka współczesna - jeśli wolisz - aktualna - mają jedną wspólną cechę. Nazwałeś to „dosłownością” i moim zdaniem jest to bardzo trafna definicja. I to „dosłowność” po prostu nas pociąga. Naszym pomysłem jest zwrócenie uwagi mieszczan na pewne codzienne, codzienne rzeczy, z którymi już się zapoznali i których w związku z tym nie zauważają. Tu zaczął się pop-art. Ludzie mieszkający w metropolii widzą tylko swoje problemy lub nie chcą widzieć: drzew, ryb, ptaków - to dla nich puste sformułowanie. Chcemy, żeby to zobaczyli.
Napompujesz rybę do wielkości dwupiętrowego domu?
V. K: Dokładnie. Stawiając przed człowiekiem domki w postaci ryb, węży, a co najważniejsze, nazywając te przedmioty przez analogię do ich pierwowzorów - „rybka domowa”, „wąż domowy”, zwracamy jego uwagę na fakt, że oprócz pracy, wciąż jest wiele przyjemnych drobiazgów, jakbyśmy na sekundę przywracali go do świata dzieciństwa. Staramy się stworzyć rodzaj systemu znaków, w którym znak naprawdę oznacza to, co oznacza. Bez drugiego, trzeciego, piątego znaczenia. Nasze produkty pozbawione są jakichkolwiek konotacji. Naszym zdaniem taka dziecinna spontaniczność związana z chęcią dotknięcia wszystkiego, wspinania się wszędzie, oparta na czystym instynkcie, może leżeć u podstaw koncepcji przestrzeni architektonicznej.
V. S: Dlatego najważniejsza dla nas jest artystyczna strona projektowania. Czyli uzyskujemy rodzaj środowiska architektonicznego, ale jednocześnie impulsem do jego powstania jest pewien system obrazów artystycznych, częściowo zapożyczonych ze sztuk pięknych, częściowo z naszych wspomnień.
A propos związku między architekturą a sztuką… Wiem, że nauczycielem w Instytucie Architektury był słynny artysta i projektant Aleksander Jermołajew. Powiedz mi, czy nauka z nim wpłynęła w jakiś sposób na Twój rozwój twórczy?
V. S: Po prostu nie mogę się ożenić przez niego …
V. K: I to dzięki niemu ożeniłem się. A nawet piętnaście lat temu. Na jego ucznia. A tak poważnie, prawie wszystko zawdzięczamy Aleksandrowi Pawłowiczowi. Przejęliśmy od niego jego metodę twórczą, jego światopogląd. Otworzył dla nas sztukę nowoczesną, w końcu wprowadził nas w twórczość ludzi, których wciąż podziwiamy.
V. S: Aleksander Pawłowicz jest osobą, która zawsze nas wspierała w trudnych czasach, nie była leniwa, słuchając naszych narzekań na życie. Jesteśmy tak przyzwyczajeni do słuchania go we wszystkim, że gdy mamy jakieś problemy lub przeżywamy twórcze niepowodzenia, kryzys, już z góry wiemy, co powiedziałby o tym Aleksander Pawłowicz. Teraz niestety spotykamy się z nim tylko sporadycznie.
V. K: I co też ważne - teraz uczymy w Instytucie Architektury na tym samym wydziale co Aleksander Jermołajew. To znaczy, na początku byliśmy niejako jego nowicjuszami, ale teraz staliśmy się jego ideologicznymi towarzyszami i popularyzatorami jego idei.
Studiując twoją pracę, odkryłem w twoich pracach trzy zupełnie różne linie estetyczne. Pierwsza linia to postmodernizm w duchu wczesnego Gehry'ego, druga to rodzaj kiczu a la Philippe Starcka, trzecia to minimalizm. Jaka jest dla Ciebie główna linia?
V. K: Słusznie zauważyłeś, że w naszej pracy jest kilka linijek. Tylko zamiast Starka powiedziałbym Sottsas. Jeśli chodzi o minimalizm, nigdy nie przepadaliśmy za czystym minimalizmem. Niektóre z naszych wnętrz, choć lakoniczne, to wciąż niewiele.
V. S: Nigdy nie postawiliśmy sobie za zadanie zidentyfikowania dla siebie jednej linii estetycznej, aby potem niezmiennie jej odpowiadać.
Innymi słowy, lubisz być inny
V. S: Lubimy być inni jak świat, jak nasi klienci. Klienci też są bardzo różni. Lubimy być inni, tak jak nasi uczniowie.
V. K: Najważniejszą rzeczą, której nauczył nas Ermolaev, nie było przywiązywanie się do narodu, ale reagowanie na naturę, kochanie jej.
V. S: Dlatego zajmujemy się czymś w rodzaju rzeźby naturalnej, jak np. Instalacja „Ucho Nikolina” do „Archstoyanie”.
Mówiąc o instalacjach. W końcu masz spore doświadczenie w tej kwestii. Powiedz mi, czy w jakiś sposób zastosowałeś to swoje doświadczenie do projektu ekspozycji rosyjskiego pawilonu na Biennale w Wenecji 2008?
V. S: Projektowaniem wystaw zajmujemy się od 1992 roku. A jeśli podsumujemy wszystko, co udało nam się zrobić w tym kierunku w tym czasie, to myślę, że liczba takich instalacji zdecydowanie przekroczy pięćdziesiąt. Byliśmy bardzo zadowoleni, że na ten nasz potencjał potrzebowali kuratorzy Biennale w Wenecji. Ale zdajemy sobie sprawę, że tutaj jesteśmy tylko wykonawcami woli kuratorów, faktycznie zajmujemy się techniczną realizacją ich pomysłów. Jednocześnie nas słuchają kuratorzy - praca bynajmniej nie jest jednostronna. Na przykład początkowo zaproponowano cztery opcje, które, jeśli nie spotkały się z hukiem, wywołały przynajmniej gorące dyskusje. Kuratorzy otrzymali też kilka ciekawych propozycji, które dotyczyły nie tylko ideologii wystawy, ale także jej nasycenia atrybutami designu.
V. S: Nie mamy pretensji do bycia ideologami. Raczej nie jest to nawet kwestia roszczeń, ale elementarnego braku czasu. Pracujemy jako architekci. Chociaż, jako architekci-praktykowie, po prostu zgadzamy się, że jest sytuacja, w której obcokrajowcy zdobywają nasz rynek. Więc akceptujemy tę ideologię. I nawet więcej. Chcemy się w tym zanurzyć, chcemy to zrozumieć, chcemy z tym korespondować.
VK: Doskonale zdajemy sobie sprawę z roli, jaką odegramy w tej ekspozycji. Jesteśmy rękami, a nie głowami. To my realizujemy pomysł kuratorski.
V. S: Na początku kwietnia wybraliśmy się do Wenecji. Tam właśnie chodziliśmy po rosyjskim pawilonie od sali do sali i dosłownie projektowaliśmy razem z kuratorami w podróży. Mimo to poczucie wspólnej pracy jest bardzo przyjemne. Prowadzone są wspólne dyskusje, każdy sobie radzi, a jednocześnie każdy jest ekspertem w swojej dziedzinie.
Jak Twoim zdaniem cudzoziemcy odbierają koncepcję pawilonu rosyjskiego? A jednak taki temat. Gra w posiadanie rosyjskiego rynku architektonicznego. Cudzoziemcy myślą, że nam pomagają, uczą mądrości
VK: Kto komu pomaga, to wciąż bardzo duże pytanie. Czy myślisz, że przychodzą do nas z czystego altruizmu? Jako misjonarze? Przychodzą do nas, żeby zarobić. Z reguły mówimy o bardzo dużych pieniądzach. Działają w określonej dziedzinie z określonymi celami. A jeśli tak, to okazuje się, że ideologia wystawy jest całkiem słuszna. Wszystko to, bez względu na to, co ktoś mówi, to prawdziwa walka o rynek sprzedaży produktów. To rodzaj krucjaty, ale nie w sensie religii czy wprowadzenia nowych standardów do kultury rosyjskiej. Wszystko, czego potrzebujemy, bezpiecznie im zabierzemy. Nie muszą do nas przychodzić po to. W końcu żyjemy w dobie informacji. Z Krucjaty pozostała tylko idea zysku. A więc niech każdy zinterpretuje ideę pawilonu rosyjskiego tak, jak chce: ktoś dostrzeże w tym pewien pozytyw, jak mówią, Rosjanie przynajmniej w płaszczyźnie kulturowej europeizują się, a ktoś zgodzi się, że napływ cudzoziemców do Rosja ma agresywny, zawodowy charakter. … Nam, autorom ekspozycji, w zasadzie nie powinno obchodzić, kto co w tym widzi, czy cudzoziemcom podoba się nasz koncept, czy nie.
W rzeczywistości pytanie, do kogo jest skierowana ta ekspozycja, jest raczej niejasne. W końcu kto przyjedzie na to Biennale? Kto jest odpowiedzialny za tę grę? Próbując obliczyć, jak ktoś - kuratorzy, zagraniczni architekci, prasa w obecnej sytuacji politycznej - oceni rosyjski pawilon - wydaje mi się, że marnuje ci nerwy.
Co jest najważniejsze w całej tej historii? Po raz pierwszy od wielu, wielu lat w pawilonie rosyjskim nie zostanie wystawiony ani jeden, ani dwóch architektów, ale ponad trzydziestu. Po raz pierwszy pawilon rosyjski pokaże nie działalność jednej osoby, ale rzeczywistą sytuację w architekturze naszego kraju. Wszystko, co wydarzyło się wcześniej w rosyjskim pawilonie, było bardziej gestem artystycznym niż rozmową o architekturze. Już samo to powinno być interesujące.
