Fundacja V-A-C („Victoria - The Art of Being Contemporary”) od 2 lutego do 31 marca 2015 zbiera projekty dla publiczny konkurs plastyczny w ramach programu artystycznego „Ekspansja przestrzeni. Praktyki artystyczne w środowisku miejskim”. Fundacja stawia sobie ambitne zadanie - zintensyfikować dyskusję o roli sztuki na ulicach Moskwy w środowisku publicznym i zawodowym. Archi.ru rozmawiał z Kateriną Chuchaliną, dyrektorem programowym Fundacji V-A-C, na temat specyfiki tej inicjatywy i poglądu V-A-C na sztukę w miejskich przestrzeniach publicznych.
Archi.ru:
Fundusz V-ZA-do zrealizował kilka projektów czysto muzealnych ze znanymi współczesnymi artystami, z których, o ile rozumiem, tylko jeden dotyczył pojmowania przestrzeni miejskiej - wystawę „Shosse Entuziastov” o fenomenie moskiewskich sypialni. Jak zdecydowałeś się wyjść poza granice projektów wystawienniczych w przestrzeń miasta?
Katerina Chuchalina:
- Rzeczywiście, w 2012 roku wykonaliśmy kilka projektów w ramach równoległego programu 13. Międzynarodowego Biennale Architektury w Wenecji, z których jednym była wystawa Autostrada Entuzjastów poświęcona artystycznej interpretacji i zrozumieniu tego architektonicznego fenomenu. Ale żeby zrozumieć, skąd wziął się pomysł naszego programu „Expanding Space”, ważna jest nawet nie ta historia, ale projekty, które zrealizowaliśmy z czterema lokalnymi muzeami w Moskwie. Te muzea są wyspecjalizowane, a nie artystyczne, i nie są gotowe do przyjęcia współczesnych praktyk artystycznych. Należą, podobnie jak my, do sfery produkcji kulturalnej, ale jednocześnie wydają się być po drugiej stronie barykad. I, jak nam się wydaje, ten brak jedności w sferze kultury współczesnej stał się smutną konsekwencją autonomii sztuki współczesnej: sami artyści znaleźli się w swego rodzaju „getcie”, wystawiając się w tych samych muzeach i galeriach, zamykając się na własnym spotkaniu. Sztuka współczesna nie nawiązuje kontaktu z innymi muzeami niesztukowymi, a co dopiero z instytucjami naukowymi. Postanowiliśmy wyrwać się z tych granic.
Wszystko zaczęło się w 2012 roku od projektu w małym, zapomnianym przez wszystkich Muzeum Przedsiębiorców, Patronów i Filantropów na Shabolovce. To prywatne muzeum walczyło następnie z administracją miasta o zniszczony budynek. Artystka Nastya Ryabova była tam kuratorką wystawy „Prezydium fałszywych obliczeń”, której uczestnicy rozumieli rolę gospodarki rynkowej w naszym życiu, a zrujnowana przestrzeń muzeum była chyba najbardziej wymownym eksponatem. W tym samym roku współpracowaliśmy z Muzeum Historyczno-Pamięci Presnya, oddziałem Muzeum Historii Współczesnej Rosji, które zawiera materiały o trzech rewolucjach, które miały miejsce w Presnyi. Na nasze zaproszenie artysta Arsenij Żiljajew i teoretyk historyk Ilja Budraitskis przez pół roku prowadzili tam wykłady i seminaria poświęcone związkom sztuki, pedagogiki i historii, przeznaczone nie dla środowiska artystycznego, ale dla lokalnych mieszkańców. Cykl wykładów zakończył się wystawą. Latem ubiegłego roku mieliśmy projekt w Instytucie Studiów Afrykańskich Rosyjskiej Akademii Nauk nad stawami patriarchów - to taka zamknięta instytucja bez przestrzeni wystawienniczej, z charakterystycznymi śladami radzieckiego instytutu badawczego we wnętrzach Zholtovsky'ego. Tym razem ekspozycja poświęcona była współczesnemu protestowi politycznemu przeciw ustrojowi gospodarczemu i społecznemu oraz problemom postkolonializmu. I wreszcie wiosną ubiegłego roku kolejny ambitny projekt wykonaliśmy w Muzeum Sił Zbrojnych Federacji Rosyjskiej na ulicy Armii Radzieckiej. Muzeum to znajduje się nie tylko na drugim biegunie produkcji kulturalnej, ale nawet podlega nie Ministerstwu Kultury, ale Ministerstwu Obrony. Pracował tam artysta Michaił Tołmaczow, który sam zbadał muzeum. Jego „medium” było muzeum, zwykle Tolmaczow zajmował się przedstawieniem wojny w mediach. W miejscach takich jak Muzeum Sił Zbrojnych rozumiesz, że trzeba o tym mówić: o budynku, o konstrukcji, o aranżacji i projekcie wystawy, o estetyce, etyce, biurokracji - jednym słowem o wszystkim z których się składa. Z tych projektów muzealnych zrodziła się chęć poszerzenia obszaru sztuki współczesnej i stworzenia nowych połączeń z miastem. Wyjść na zewnątrz.
Jest wiele wspólnych wyobrażeń na temat tego, czym jest sztuka publiczna: ktoś widzi w niej rodzaj narzędzia do brandingu terytorium, ktoś widzi w niej sposób na poprawę i harmonizację środowiska miejskiego …
- To dla nas fundamentalne, że jest to otwarte pytanie - jakiej sztuki publicznej Moskwa potrzebuje i może być realizowana poza porządkiem państwowym i korporacyjnym. Nie mamy jeszcze na to odpowiedzi i szczerze to przyznajemy. Faktem jest, że istnieje ogromna przepaść między sowiecką sztuką monumentalną a dzisiejszym festiwalem, hybrydowym formatem sztuki publicznej na terenach rekreacyjnych. Brakowało nam wielu lat, podczas których ewoluowała ta forma sztuki współczesnej i nie mamy doświadczenia w zrozumieniu tego zjawiska kulturowego.
Nie interesuje nas branding terytoriów i jego ulepszanie, także dlatego, że pragmatyka Rozszerzającej się przestrzeni różni się od wielu publicznych projektów artystycznych, które mają rządowy porządek. Generalnie porządek państwowy dla sztuki publicznej jest zjawiskiem zachodnim, które ostatecznie doprowadziło do głębokiego kryzysu tego gatunku. Na przykład na tworzenie dzieł sztuki na ulice w Ameryce przeznaczono i jest przeznaczanych dużo pieniędzy. W rezultacie, po pierwsze, sztuka publiczna stała się narzędziem dla deweloperów, środkiem rozwoju terytorialnego i gentryfikacji, czyli idealnie wpisuje się w społeczno-polityczny system współczesnego kapitalizmu. Po drugie, rynek sztuki zaczął aktywnie wykorzystywać go jako dźwignię cenową. Od lat 70., gdy w socjologii i urbanistyce rozwinęły się kontrowersje dotyczące tego, czym jest przestrzeń publiczna, w praktykach artystycznych nastąpił zwrot w kierunku budowania więzi z lokalnymi społecznościami, komunikacji i aktywizmu. Proces decentralizacji produkcji kulturalnej rozpoczął się w poszukiwaniu różnych społeczności - małych i dużych, zawodowych, wiekowych, społecznych - gotowych do udziału w tworzeniu obiektów artystycznych do przestrzeni publicznych. Sztuka publiczna zaczęła przywracać związek z publicznością i jej interesami.
A nasza sytuacja nie osiągnęła tego punktu. Otwarte jest pytanie, gdzie w Moskwie znajduje się przestrzeń publiczna. Nie chodzi nawet o to, kto potrzebuje sztuki publicznej, ale gdzie jest przestrzeń, w której można to zrobić. Sztuka publiczna, moim zdaniem, znajduje się na obszarze publicznego kompromisu, bez względu na to, jak nieprzyjemnie może to zabrzmieć. Jeśli przedmiot sztuki na ulicy jest niezrozumiały lub powoduje u ludzi odrzucenie, to wcale nie jest konieczne, aby artysta był dobry, a ludzie źli, ponieważ nie rozumieją jego sztuki. Tworzenie sztuki publicznej wymaga dialogu między artystą a społeczeństwem, potrzebna jest elastyczność. Jeśli nie jesteś zdolny do dialogu, nie ma potrzeby mówić o krytycznym potencjale sztuki i jej zdolności do angażowania szerokich sekcji w dyskusję o czymś ważnym. Dlatego jednym z aspektów, które chcieliśmy zobaczyć w naszych zgłoszeniach do udziału w naszym konkursie, jest rozmowa ze społecznością. Uważamy, że sztuka publiczna nie działa jako ultimatum. Ponadto są osoby, które profesjonalnie zajmują się procesami w mieście - od woźnego po burmistrza. Artysta musi je też usłyszeć, aby uzyskać odpowiedź: do czego doprowadzi jego artystyczna inicjatywa, jak ma się do tego, co robią profesjonaliści.
Widzisz swoje zadanie w roli pośrednika między artystą a profesjonalistami, tj. urzędnicy?
- Tak, a dla mnie ta mediacja nie jest podwodną częścią góry lodowej, ale pełnoprawną częścią projektu, bo nie ma nic ważniejszego niż identyfikacja powiązań. To projekt o tym, czy można upubliczniać sztukę bez udziału w jury ministra kultury Moskwy. Czy istnieje ruch nie od wyższego autorytetu w dół, ale w poziomie? Czy można zrobić projekt bez szukania wsparcia influencerów? Aby się tego dowiedzieć, postaramy się znaleźć zainteresowane osoby. I jestem pewien, że istnieją: sugeruje to doświadczenie życia w naszym mieście.
W jakich działach chcesz je znaleźć? Na Wydziale Kultury? W Moskomarchitecture?
- Nie tylko, ale także w działach transportu, budownictwa, mediów i reklamy, mieszkalnictwa oraz usług użyteczności publicznej i ulepszeń. Uprawnienia Departamentu Kultury ograniczają się do terytoriów wokół muzeów i parków, ale obiekty sztuki publicznej mogą się bardzo różnić. Jeśli jest to instalacja audio, obiekt artystyczny w metrze czy kwietnik, to są to różne diecezje. Zarówno my, jak i administracja miasta wiemy, że zgodnie z prawem, władze miejskie muszą pomóc każdej prywatnej instytucji, która chce zrobić coś w mieście na zasadach non-profit. Nie zaczęliśmy jeszcze komunikować się w sprawie z tymi działami, ponieważ jeszcze nie zakończyliśmy przyjmowania zgłoszeń, ale badamy możliwe sposoby współpracy. Dyrekcja ds. Imprez Masowych wyjaśniła mi ostatnio, jak trudny jest proces uzgadniania samego koncertu na lodzie Patriarchy Stawu. Pomyśl: woda płynie, co dziwne, przez Mosvodokanal, gliniany brzeg to kolejna instytucja, brukowany brzeg jest trzeci, dom jest czwarty, ławki są piąte i każdy musi uzyskać zgodę. Będziemy musieli przejść przez coś takiego. Aby zainstalować publiczny obiekt sztuki, na przykład na dziedzińcu, trzeba będzie uzyskać zgodę wszystkich mieszkańców dzielnicy. Uważamy, że procedurę akceptacji należy przełączyć na tryb konwersacyjny.
W Rosji trudno jest zainteresować społeczność mieszkańców choćby jednego domu - chyba, że bezpośrednio wpłynie to na ich interesy materialne, np. Zainstalowanie szlabanu. Czy uważasz, że sztuka publiczna jest jednym z tak palących problemów?
- Potrzebujemy więc sztuki, która będzie angażować ludzi w obserwację, badania, działanie, reakcję, no cóż, kontemplacja to także aktywny proces. Sztuka publiczna, którą chcemy widzieć, harmonizuje otoczenie, ale nie przez jego bezpośrednią fizyczną obecność, ale przez procesy, które aktywuje w społeczeństwie. Jednocześnie nie określamy, w jakim miejscu nasi konkurenci powinni tworzyć dzieło sztuki. Dzieło artysty powinno istnieć tam, gdzie ma znaczenie, a nie tam, gdzie jest mu formalnie przydzielony obszar. Interesuje nas specyfika miejsca, konkretna lokalizacja czy też ogólne zjawiska charakterystyczne dla całego moskiewskiego środowiska miejskiego, a zadaniem artysty jest ujawnienie tego za pomocą swojego obiektu. To prawdopodobnie brzmi utopijnie. Jak realistyczne są nasze plany i postrzeganie idei sztuki publicznej będę mógł powiedzieć dopiero pod koniec roku. Ale przynajmniej chcielibyśmy zobaczyć taką sztukę.
Fundusz V-ZA-do od wielu lat współpracuje z pewnym kręgiem „ulubionych” artystów. Czy wybrana procedura otwartego naboru wskazuje, że chcesz rozszerzyć zasięg swoich programów?
- Nie mamy ulubionych artystów, współpracujemy z różnymi artystami, których krąg stale się poszerza. Inną kwestią jest to, że format otwartego przetargu nie jest nam obcy. Woleliśmy, aby zrozumieć, co dokładnie jest interesujące dla szerokiego grona artystów w mieście, a następnie zaproponować miastu do rozważenia.
Zależało nam na współpracy z różnymi instytucjami edukacyjnymi i zawodowymi, z publicznością studencką: o konkursie opowiedzieliśmy szkołom zajmującym się sztuką współczesną i praktykami kuratorskimi, kuratorom, galeriom. System przetargu nieograniczonego, czy też jak nazywa się go na Zachodzie, jest w Rosji nieco zdyskredytowany, bo takie przetargi z reguły są organizowane przez państwo i trudno się pozbyć poczucie, że zwycięski projekt został już wcześniej wybrany lub że jest skazany na porażkę, stał się przedmiotem tradycyjnej figuratywnej monumentalności lub imitacji tradycyjnie europejskiej sztuki publicznej.
W naszym przypadku wynik nie jest z góry znany. Aby wesprzeć badawczy charakter projektu i zapoznać zainteresowanych z rosyjskimi i zagranicznymi doświadczeniami w rozwoju sztuki publicznej, realizujemy specjalne projekty z "Teoriami i praktykami", z profesjonalnymi czasopismami. Zamierzamy blogować o postępach projektu. A we wrześniu w jednym z muzeów odbędzie się wystawa, która opowie o konkursowych projektach. Dla mnie osobiście znaczenie „Rozszerzającej się przestrzeni” polega na zrozumieniu pod koniec roku, które sztuki mogą mieć znaczenie dla nowoczesnego środowiska miejskiego Moskwy. Nasza fundacja jest gotowa kontynuować finansowo, intelektualnie i jakoś inaczej, aby uczestniczyć w procesie tworzenia sztuki publicznej, ale aby kontynuować, ważne jest, abyśmy zrozumieli, czy jest jeszcze ktoś zainteresowany tym formatem. Taki projekt nie może trwać tylko rok. Moglibyśmy oczywiście iść naprzód sami, ale to jest nudne i wtedy, gdy mówimy o sztuce w środowisku publicznym, trzeba zrozumieć, kim jest zainteresowana publiczność i agenci działania. Chcielibyśmy znaleźć podobnie myślących ludzi, którzy być może zostaliby również partnerami finansowymi. Tutaj jednak istnieje wiele niebezpieczeństw, z którymi światowa sztuka już się spotkała. Pierwszymi, którzy mogą być zainteresowani takim projektem, są deweloperzy, którzy wykorzystują sztukę publiczną do rozwoju terytoriów i notorycznej gentryfikacji. Chociaż sztuka na terenie centrów biznesowych ma oczywiście prawo istnieć.
A poza taką sztuką uliczną dla pracowników biurowych, czy jest Twoim zdaniem coś ciekawego w Moskwie?
- Publiczne projekty artystyczne w ramach programu Mariny Zvyagintseva „Sleeping District” są ciekawe, „Exhibition Halls of Moscow” próbują opracować coś ciekawego w tym kierunku. Jednym z najbardziej udanych dzieł, jakie kiedykolwiek zrealizowano w Moskwie, jest „Od restauracji do kosmosu” Siergieja Bratkowa płonący na Nabrzeżu Bersieniewskim, zwrot, którego użył Jurij Gagarin, aby ostrzec młodych ludzi przed pustym lenistwem, skłaniając ich do dążenia do czegoś większego.
Czy uważasz, że przeszkodą w rozwoju sztuki publicznej w Rosji jest tradycja ideologii naszej monumentalnej sztuki ulicznej? Dla mnie najbardziej wyraźną ilustracją tego jest pusty środek placu Łubianka. Dzierżyńskiego usunięto i nie było kandydata do roli kompozycyjnego i semantycznego rdzenia placu. Okazuje się, że nie da się stworzyć nic fajniejszego niż „Iron Felix” w gatunku sztuki publicznej? Czy w obecnych warunkach politycznych nie jest możliwa zideologizowana sztuka publiczna?
- Wydaje mi się, że pomników nie można zastępować sobą tylko dlatego, że wymaga tego kompozycja, to ślepy zaułek. Jeśli masz na myśli zideologizowane obiekty sztuki publicznej o przesłaniu nacjonalistyczno-imperialnym, to być może oczywiście. Jest tego dużo, to wszelkiego rodzaju obiekty festiwalowe, które mają określone miejsce w przemyśle rozrywkowym, nie mniej szkodliwe, bo atrakcyjnie przedstawiają sztukę.
Warto raz po raz sprawdzać wszystkie możliwości, a koniecznie trzeba rejestrować i pokazywać te mechanizmy, dzięki którym działanie staje się możliwe lub niemożliwe. To znowu odnosi się do kwestii ujawnienia debaty publicznej, a także pragmatyki i biurokracji podejmowania decyzji kulturowych. Na przykład Państwowe Muzeum Gułagu prowadzi obecnie konkurs na pomnik ofiar represji politycznych; jak wiecie, w społeczeństwie nie ma konsensusu w tej sprawie. Osoby o diametralnie różnych poglądach na wydarzenia historyczne i aktualną sytuację polityczną protestują przeciwko samemu faktowi wzniesienia takiego pomnika. Podsumowując wyniki konkursu, bez względu na jego formę, a najlepiej sam pomnik, powinien artykułować i odzwierciedlać wszystkie te sprzeczności. To chyba najważniejsza rzecz w tym pomniku.
Ale ogólnie rzecz biorąc, jeśli uznamy, że jakaś sztuka jest niemożliwa lub bezsilna, lepiej w ogóle nie pracować w kulturze. To kwestia synergii w dziedzinie produkcji kulturalnej. Czy dlatego chodzimy do muzeów niesztuki, do urzędników? Bo nie ma zrozumienia i wspólnego języka między ludźmi zajmującymi się kulturą i sztuką. Nie ma zrozumienia, że robimy wspólną sprawę. Tak więc dyskusja o tym samym konkursie, moim zdaniem, nie może obejść się bez artystów, kuratorów, tym bardziej, że dyskurs pamięci, monumentalności i antymonumentalności w teorii sztuk wizualnych rozwija się najdokładniej od czasów starożytnych.
Kogo oprócz artystów, rzeźbiarzy i architektów, którzy tradycyjnie postrzegani są jako twórcy sztuki publicznej, chcielibyście zobaczyć wśród uczestników swojego programu Expanding Space?
- Autorstwo projektu może należeć do grupy, w skład której wchodzą artysta i architekt, a także wszyscy specjaliści, którzy są potrzebni do stworzenia konkretnego dzieła. Jeśli projekt jest związany z krajobrazem lub biologią, mogą to być naukowcy zajmujący się glebą, przyrodnicy, biolodzy; jeśli jest to związane z mediami, z miejskim środowiskiem medialnym, to specjaliści od technologii medialnych. Jeśli jest to instalacja węchowa, tj. związanych z zapachami, to są projektanci zapachów. Jeśli jest to sztuka związana z tworzeniem wspólnoty, to mogą to być posłowie, socjolodzy lub działacze.
Opowiedz nam o jury i jak to będzie działać
- Jury będzie składać się z siedmiu osób - kuratorów, socjologów, architektów, tj. praktycy i teoretycy z różnych dziedzin. Będą wybierać nieograniczoną liczbę prac, które lubią. Jeśli lista okaże się zbyt długa, po dyskusji zawężamy ją do dwudziestu uczestników. Następnie my - fundacja, jako strona rozumiejąca pragmatykę konkursu - przede wszystkim wykonalność projektów - wybierzemy krótką listę trzech lub pięciu prac. Następnie zaczniemy pracę z każdym artystą: jeszcze raz sprawdzimy intencje dotyczące wybranego przez nich miejsca i ponownie przeanalizujemy przeprowadzone przez nich badania. Cóż, wtedy będziemy musieli przejść przez wszystkie władze miasta, które są zaangażowane w realizację projektu. I dopiero wtedy dojdziemy do realizacji.
Jak rozumiem, nie dajecie 100% gwarancji, że projekt zostanie zrealizowany?
- Nie dajemy, bo wiele zależy nie tylko od nas. Ale zakwalifikowani uczestnicy, a także osoby, które w każdym razie pomogą im w ich realizacji, otrzymają wynagrodzenie: w końcu to co najmniej sześć miesięcy pracy.
Dlaczego zdecydowałeś się na całkowicie niezależną inicjatywę, wiedząc, że w mieście są instytucje, które nawiązały relacje z władzami? Najbardziej oczywistym przykładem jest Instytut Strelka z wieloma swoimi projektami. Albo dlaczego nie połączyliście się z konkretnymi ludźmi, którzy mają już doświadczenie w dziedzinie sztuki publicznej: na przykład jeden z założycieli Strelki, Oleg Shapiro, organizuje festiwal Art-Ovrag w Vyksa
- Niestety w Moskwie nie ma instytucji z sukcesami i wieloletnim doświadczeniem w realizacji takich projektów w dłuższej perspektywie, w przeciwieństwie do Jekaterynburga, Permu, Kaliningradu, Petersburga. Do jury zaprosiliśmy osoby z różnych instytucji, w tym przedstawiciela Strelki. Doświadczenie związane z organizowaniem festiwali wydaje nam się nieistotne. Chcemy oderwać się od festiwalowego formatu, bo obiekty w ramach festiwali z reguły są zdeterminowane celami festiwalu, a szerzej klient festiwalu są słabo związane z otoczeniem, a pod koniec festiwalu prace znikają, a pusta przestrzeń znów przestaje być publiczna.
Czy dobrze zrozumiałem, że Twoim maksymalnym celem jest wypracowanie w Moskwie trwałego mechanizmu autoreprodukcji sztuki publicznej, akceptowanego przez lokalne społeczności?
- Absolutnie. To właśnie chcielibyśmy osiągnąć dzięki naszemu programowi.
