Pawilon, o którym mowa, kilka lat temu nosił nazwę włoskiego (choć projekty kuratorów Biennale były tam pokazywane od dawna, a nie ogólnopolska ekspozycja). W 2010 roku przemianowano go na Pałac Wystaw, dając Włochom miejsce w Arsenale, tym razem zmieniając nazwę na skromniejszą: teraz jest po prostu Centralna.
Jej neoklasycystyczna fasada jest teraz celowo „oszpecona” przez dwa projekty naraz. Jednym z nich jest Duży Balkon, celowo niepozorny aneks wykonany z drewna i płótna, służący jako jedyne wejście do pawilonu. To dzieło kuratorki Alison Crowshaw, która kieruje grupą badawczą zajmującą się problemem nielegalnej budowy w Rzymie. Według niej 28% wszystkiego, co tam zbudowano po wojnie, to lokatorzy. „Duży balkon” to przypomnienie przemiany balkonów w pełnoprawne pomieszczenia, najczęstszą formę takiego „amatorskiego przedstawienia”. Powstał z części nielegalnie wzniesionego aneksu do sali konferencyjnej w rejonie Borgheziana i po zakończeniu Biennale wróci na swoje pierwotne miejsce w Rzymie.
Przed pawilonem znajduje się szeroka ławka z ciemnoszarej cegły, celowo naruszająca centralną symetrię alei prowadzącej do portyku budynku. Niemal natychmiast po wejściu znajdują się ściany z tego samego materiału, które kryją niedokończoną renowację 6-stronnej hali, tworząc przedsionek o złożonym planie: zmusza to zwiedzającego do zwolnienia przed rozpoczęciem oglądania wystawy. Autorami projektu jest niemieckie biuro Kuehn Malvezzi.
Uderzającym przykładem współpracy i poszukiwania „wspólnej płaszczyzny” zadeklarowanej w temacie Biennale jest projekt irlandzkiego biura GRAFTON i brazylijskiego laureata Pritzkera Paulo Mendesa da Rocha. Po otrzymaniu zamówienia na budynek uniwersytecki w stolicy Peru, Limie, architekci zwrócili się do mistrza z São Paulo o poradę dotyczącą warunków klimatycznych w podobnym stylu - z echem brutalizmu. W rezultacie dyskusja dotknęła różnych tematów, a GRAFTON stworzył instalację w hołdzie Mendesowi da Rocha: modele części jego stadionu Serra Dourada w Goiânia są fizycznie przeciwne modelom peruwiańskich i innych budynków uniwersyteckich. warsztatów irlandzkich (razem tworzą krąg). Na styku tych tematów powstała interpretacja uniwersytetu jako areny uczenia się.
Wszystkie trzy „cnoty” architektury wymienione w manifeście dwuletniego kuratora Davida Chipperfielda - ciągłość, kontekst i pamięć - znajdują odzwierciedlenie w wielkoformatowym „Projekcie Campo Marzio”, realizowanym przez szkołę architektury Uniwersytetu Yale. Powstał na podstawie serii rycin JB Piranesiego „Pole Marsa starożytnego Rzymu” (1762) - autorzy próbowali zrekonstruować to starożytne terytorium. Współczesne interpretacje przestrzeni wyimaginowanej i wszelkiego rodzaju spekulacje (pokazanie dla nich przestrzeni jest jednym z celów projektu) przedstawiono w czterech sekcjach. Peter Eisenman występował w dwóch postaciach: jako nauczyciel Yale i inicjator projektu przejął sam projekt Campo Marzio, w którym rekonstrukcja Piranesiego jest analizowana według kryteriów formalnych (osie symetrii itp.) Jako „eksperyment architektoniczny”, a na czele jego własnego biura opracował ulubiony temat schematów i otrzymał „Pole schematów”, gdzie „estetyka kompozycyjna” barokowego architekta „zamienia się w palimpsest przestrzennych i czasowych jakości między Cesarstwem Rzymskim a nowoczesnością”.
Pole murów Pier Vittorio Aureli i Martino Tattara (Dogma, laureaci Nagrody Jakowa Czernikowa 2006), gdzie wszystkie budynki zastąpiono równoległymi liniami; wpływ włoskiego postmodernizmu jest odczuwalny zarówno w pomyśle, jak i prezentacji projektu. Najnowszą reinkarnacją Campo Marzio jest „Field of Dreams” Wydziału Architektury Uniwersytetu Ohio, w którym „pasja, obsesja i spektakl” starożytnego Rzymu zamienia się w „moralność” współczesnej architektury: na przykład starożytną Do „zabytków”, takich jak Panteon, z deklarowanym autorem cesarza Hadriana (z pewnością więcej niż celebrytą!) dodano jasne projekty obecnych „gwiazd” - Petera Eisenmana, UNStudio, Grega Lynna i innych.
Chipperfieldowi udało się również znaleźć wspólną platformę między Zachodem a Wschodem, wbrew opinii jego słynnego poety rodaka. Równolegle osiągnięcia w zakresie restauracji zabytków i przywrócenia historycznego środowiska do „aktywnego życia” działającej w krajach muzułmańskich Aga Khan Development Network oraz projektów Mario Piany realizowanych w sercu Europy, są pokazywane sobie nawzajem. Ten ostatni starannie i starannie rekonstruuje zabytki Wenecji do późniejszego wykorzystania, wśród swoich najnowszych projektów, na przykład przekształcenie Palazzo Grimani w muzeum, a także pracę w Arsenale.
„40 000 godzin” to także coś więcej niż tylko ogólny temat - makiety jako zadania edukacyjne. Nazwa odzwierciedla ilość czasu, jaki uczniowie spędzili nad dziesiątkami przedstawionych tu modeli, a anonimowość modeli umieszczonych na półkach dodaje tej ekspozycji intryg, podkreślając różnorodność pomysłów zrodzonych w procesie uczenia się i jak odmienność twórcza Potencjał młodych projektantów może być - oto prace studentów z Paryża, Oslo, Sao Paulo, Monachium, Lublany, Wenecji i wielu innych miast na świecie.
Biuro OMA ponownie, podobnie jak w 2010 roku, zajęło się kwestią ideałów modernizmu. Ale jeśli wtedy była to tylko niewielka część wystawy w Cronocaos, teraz architekci zaprezentowali pełnoprawne studium na temat wkładu „anonimowych biurokratów” - architektów w służbie miejskiej - w życie miejskie. Pokazane przykłady obejmują pomnik Michaela Farradaya i Hayward Gallery w Londynie, prefekturę Val-d'Oise w Pontoise, Nanterre School of Architecture oraz budynek Biura Robót Publicznych Wibautshuis w Amsterdamie. Projekty późnego modernizmu i brutalizmu, które obecnie najbardziej zagrożone są wyburzeniem, nie zostały wybrane przypadkowo - choć nie jest tu bezpośrednio mowa, to dobrze wiadomo, że Rem Koolhaas upatruje przyczynę tak bezwzględnego stosunku do tych obiektów. w wyrzutach sumienia obecnych urzędników. Zostawili dobrobyt mieszczan na łasce kupców i nie chcą widzieć przed sobą przypomnienia o czasach, kiedy wszystko było inne.
Wystawa „Banalność dobra” autorstwa Karmazynowych Historyków Architektury jest mniej więcej taka sama. Autorzy wytyczyli smutny trend: po drugiej wojnie światowej nowe miasta stopniowo zmieniały się z modernistycznego raju dla wszystkich w zamkniętą społeczność dla zamożnych obywateli, ogólny dobrobyt został zastąpiony wszechmocą rynku, a mieszkańcy zostali pozostawieni własne urządzenia. Wczesne, ale humanitarne przykłady obejmują brytyjski Stevenage (1946) i Tema w Ghanie (1956), a wśród najnowszych skomercjalizowanych i indywidualistycznych przykładów jest Ekonomiczne Miasto Króla Abdullaha w Arabii Saudyjskiej (2006). Każde miasto ilustruje fototryptyk: lewe skrzydło udziela odpowiedzi na pytania „skąd” i „dla kogo”, w centrum opowiada o wartościach i ambicjach miasta, po prawej stronie - o planistach, ich wiedzy i kuratorzy projektu w rządzie. Wykorzystanie ikonografii religijnej jest wyraźną próbą przypomnienia o znaczeniu odpowiedzialnego podejścia do planowania urbanistycznego (w dosłownym tego słowa znaczeniu) dla życia społeczeństwa.
Ekspozycja Pasticho autorstwa Caruso St. Johna jest przykładem precyzyjnej realizacji Chipperfielda. Ci brytyjscy architekci zaprosili kolegów do współudziału w wystawie, zgodnie z zamysłem kuratora biennale. Podstawą wyboru jest praca z dziedzictwem, ale nie formalna imitacja, ale duchowe pokrewieństwo. Są to tak przemyślane projekty rekonstrukcyjne, jak nowa ekspozycja londyńskiego Muzeum Soane samych „liderów” wystawy, czy prace Szwajcara Petera Merckleya, które w surowych modernistycznych budynkach zachowują echa tradycji.
Innym uniwersalnym tematem są czasopisma o architekturze. Projekt Stevena Parnella opowiada o powojennym Domus, Casa Bella, Architecture Review i Architecture Design, na łamach których toczyły się dyskusje na najbardziej palące tematy. Można tam nie tylko zobaczyć liczne okładki nazwanych wydań, ale także zapoznać się z problematyką tego „heroicznego” okresu krytyki architektonicznej, a także pomyśleć o jego miejscu we współczesnym świecie.
MVRDV pokazuje film z programu badawczego Why Factory, w którym analizuje alternatywę dla sztywnych przepisów dotyczących wszelkich działań budowlanych. Zdaniem Holendra, jeśli każda osoba weźmie pełną odpowiedzialność za swoją budowę - w tym za zapewnienie jej wody, prądu itp. (Niezależnie od sieci!), To doprowadzi to do sprawniejszej organizacji zasobów i przestrzeni publicznych niż ta uruchomiony z góry i umożliwi racjonalne planowanie.
Były też obowiązkowe ekspozycje „gwiazdowe”, choć mniej poświęcone samouwielbieniu niż ogólnym zagadnieniom architektonicznym: Jean Nouvel mówił o projekcie przebudowy węzła Slussen w Sztokholmie, Alejandro Aravena i Elemental - o ich zmaganiach z konsekwencje trzęsienia ziemi w Chile (sadzenie drzew w pasie przybrzeżnym w celu ochrony przed tsunami, nowe rodzaje tymczasowych mieszkań itp.), Norman Foster na swoim budynku HSBC w Hongkongu 30 lat po dostawie.
Wśród niespodziewanych projektów - „Thepis's Carriage” L. O. M. O. To mobilna scena do przedstawień, nazwana na cześć starożytnego greckiego poety - legendarnego „wynalazcy” tragedii. Ideę podobieństwa przestrzeni miasta (najczęstsza podstawa architektury) i teatru wspierał występ grupy DER BAU z berlińskiej Akademii Sztuk Teatralnych Ernsta Buscha.
Olafur Eliasson pokazał swój projekt Little Sun. To nie tylko dzieło sztuki, ale także niezbędny przedmiot - lampa zasilana energią słoneczną. Obecnie około 1,6 miliarda ludzi w krajach rozwijających się żyje bez dostępu do sieci elektroenergetycznej, a takie tanie małe lampy pomogą im przetrwać w ciemności.
Od starożytności do przyszłości, od ogółu do szczegółu - uczestnicy Biennale z Centralnego Pawilonu mogli w swoich projektach odzwierciedlić główne nurty kulturowe i architektoniczne tamtych czasów, czego oczekiwał od nich kurator David Chipperfield.
