Czy kiedykolwiek widziałeś, jak rysuje się zestawy? - Dużo czego?
- I nic, tylko dużo …
Lewis Carroll, Alicja w Krainie Czarów
Trzeba pomyśleć, że kurator Aaron Betsky głęboko przeżył biennale architektoniczne w 2008 roku - po raz drugi motywem przewodnim wystawy jest powrót do architektury. W interpretacji tegorocznego kuratora Davida Chipperfielda głównym zadaniem było „przekonanie wszystkich na nowo o istnieniu kultury architektonicznej, tworzonej nie przez indywidualnych geniuszy (czytaj: gwiazdy), ale przez wspólnotę o wspólnej historii, wspólnych ambicjach, pomieszczenia i pomysły”. W związku z tym kurator postawił wszystkim zaproszonym uczestnikom programu głównego Biennale trudne zadanie: pokazać to, co najważniejsze, odnaleźć głęboki sens (nadać mu sens). Innymi słowy, szukaj korzeni, identyfikuj źródła i składniki swojej inspiracji, kluczowe idee i obrazy, pierwotną materię ich pracy. Aby następnie połączyć znalezione odpowiedzi i zobaczyć, jak będą oddziaływać na wspólnym płaszczyźnie, czyli w tym przypadku - w przestrzeni wystawienniczej.
Temat Biennale Common ground, zaproponowany Chipperfieldowi przez profesora socjologii Richarda Senetta, jest już w manifeście interpretowany w sposób niejednoznaczny i wielowarstwowy, dając uczestnikom większą swobodę. Najbardziej zrozumiała jest pierwsza warstwa - to przestrzenie publiczne. Ale Chipperfield od razu określa nie tylko miejsca publiczne w niektórych biurach i supermarketach, ale także „najsubtelniejsze półtony” między tym, co prywatne i publiczne, będące rezultatem odwiecznej walki jednostki i ogółu. Druga z interpretacji tematu zaproponowana w manifeście kuratorskim to interakcja architekta z pokrewnymi zawodami („architektura wymaga pracy zespołowej” - pisze Chipperfield). I wreszcie trzecia warstwa jest najcieńsza - podłoże kulturowe i historyczne, które w taki czy inny sposób wszyscy mamy wspólne.
Przy wejściu do Corderi wita nas biała ściana po drugiej stronie pustej hali, kamienna wenecka studnia przed nią i kilka małych, na pierwszy rzut oka, całkowicie losowo wybranych wystaw: trzy proste porównania formalne, którym towarzyszy krótka zamyślenie Bernarda Chumiego; gazeta-wystawa poświęcona Wenecji, zawierająca wywiady z lokalnymi mieszkańcami; oraz najzabawniejszy Pomnik Modernizmu, „trójwymiarowy kolaż” arcydzieł XX wieku (w tym Klub Mielnikowa Rusakowa), wymyślony przez architekta Roberta Burcharta w 2009 roku dla bardzo specyficznej lokalizacji w Berlinie. Trzy małe (szczerze mówiąc nie najważniejsze na tym Biennale) projekty wystawiennicze w ogóle nie są ze sobą powiązane. Jedynym łącznikiem między nimi jest wspólna przestrzeń holu i napisany na ścianie wspólny teren. Są różne, te projekty, ale współistnieją i nieuchronnie pojawiają się między nimi powiązania.
Ten dziwny pierwszy pokój jest w rzeczywistości najbardziej przejrzystym manifestem całej wystawy Chipperfielda. Dalej wzdłuż Corderi będzie tak samo: naprzemienność, sąsiedztwo i mieszanka dużych i małych, spektakularne z pouczającymi, formalnymi z fabułą, młodzi architekci ze starymi, nieznanymi indyjskimi budowniczymi ze słynnymi brytyjskimi gwiazdami - lista jest prawie nieskończona. Wydaje się, że kurator David Chipperfield postanowił zebrać tutaj spektrum różnorodności świata architektury, prawdopodobnie po to, aby wspólnie wyjść z widocznego kryzysu myśli architektonicznej. Arka, nie inaczej. Znajduje się tu co najmniej jedna kopia każdego stworzenia.
Muszę powiedzieć, że pierwsza sala wygląda trochę przerażająco: wygląda jak nadliczbowa wystawa, która nie miała wystarczająco dużo materiału, aby zaskoczyć widza. Dalej (za ścianą) następuje surowa radość ze zdjęć Thomasa Struta, który nie od razu zwalnia widzów z przerażającego podejrzenia, że tu i dalej na Corderie będą pokazywane tylko oprawione w ramki obrazy i kartonowe makiety. Ale sytuacja jest inna: absolutnie niesamowite, jeśli przyjrzeć się im z bliska, fotografie Struta stanowią właściwie „rdzeń” całej ekspozycji kuratorskiej Arsenału - jego wystawa podzielona jest na cztery części, które następnie znajdują się w najbardziej nieoczekiwanych miejscach.. Nazywa się „Nieświadome miejsca” i przedstawia typy „historycznie ukształtowanych” przestrzeni miejskich, których, jak wiadomo, większość na świecie: z przedmieść Sankt Petersburga w okresie eklektycznym, z chaotycznych przedmieść Lim, i do niesamowitych wielokondygnacyjnych budynków azjatyckich miast.
Wystawa jest więc zbudowana w istocie bardzo przejrzyście, nawet w sposób klasyczny: po krótkim manifeście wprowadzającym następuje początek „kluczowej” ekspozycji. W kolejnej sali - zmysłowe oddziaływanie instalacji Normana Fostera: ciemna przestrzeń, w której na czarnej podłodze, czołgając się po palach kolumn Corderiego, miga projekcja nazwisk architektów od Hippodamusa po Eisenmanna (zgodnie z zasadą różnorodności, jest wiele nazw mało znanych). Nazwiska architektów są pod stopami, jak nagrobki skromnych opatów w kościołach katolickich. To prawda, że w przeciwieństwie do tabliczek te nazwy są tak mobilne, że jeśli spojrzysz na nie przez długi czas, zakręci ci się w głowie. Powyżej, na ścianach, przy akompaniamencie fal hałasu lub ciszy migoczą fotografie, zebrane w kilka grup tematycznych: rewolucje (m.in. ukraiński Majdan i Femen), modlitwy, ruiny, skutki katastrof, niektóre spektakularne budowle - zasięg wizualny jest imponujący i zmusza do sprawdzenia. Ta sala jest zdecydowanie pierwszym akordem symfonii.
Podobna zmiana: jaskrawe emocjonalne sale, mono-hale jednego obiektu, a wreszcie sale, prawie po brzegi wypełnione małymi wystawami - trwa w Arsenale i poza nim. Można by pomyśleć, że Chipperfield wziął figuratywne instalacje z Shojima Biennale, z Betsky Biennale, obszerne obiekty, rozmył to wszystko „zwykłymi architektonicznymi” wystawami - i sprawił, że zarówno uczestnicy, jak i widzowie szukali w tym wszystkim sensu. Co nie jest złe, ponieważ dało mi do myślenia. Wystawa nie jest zbyt zabawna (chociaż jest, jest różnorodność), skłania do czytania i uważnego przyglądania się, szukania kluczowego pojęcia i mówienia o tym, jak bardzo jest ujawniany. Na przykład w hali Fostera ujawnia się to dosłownie: nazwiska architektów ścierają się i krzątają na wspólnym półpiętrze. Oczywiście nie tylko. To bardzo integralna instalacja, która obejmuje wszystkich widzów wspólnym doświadczeniem dźwięku i obrazu.
Za czarną salą Fostera następuje sala gminna kilku uczestników: z makietami pokazano kampus - siedzibę firmy farmaceutycznej Novartis w Bazylei w Szwajcarii. W pobliżu znajduje się miniaturowa, osobista wystawa 80-letniego szwajcarskiego architekta Luigiego Snozziego, który „poświęcił czterdzieści lat pracy dla dobra publicznego” oraz projekcja wideo projektu Pielgrzyma Droga, na której młodzi meksykańscy architekci stworzyli szereg platform widokowych, kaplice i schroniska na 117-kilometrowym szlaku pielgrzymkowym do obrazu Matki Boskiej z Talpy. Jedynym głównym akcentem w tym pomieszczeniu jest obiekt `` Naczynia '' (`` statek '' lub `` statek '') irlandzkich architektów Sheili O'Donell i Johna Twomeya, drewniana altana wykonana z drewnianych desek `` do kontemplacji '' (w tym charakterze jest to trochę jak „Ucho”, zbudowane przez Vlada Savinkina i Vladimira Kuźmina w Nikolo-Lenivets). Jednym słowem różnorodność jest oczywista.
Potem jest przerwa artystyczna w małej sali szwedzkiego architekta Petera Märkli i jego kolegi Steve'a Rotha. Znajduje się tu kilka rzeźbiarskich metalowych figurek, z których najcenniejsza, Wenecka VIII Alberto Giacomettiego, jest otoczona strażą. Znaczenie instalacji jest dość klasyczne: porównanie postaci ludzkiej (co jednak po pewnym napięciu można się domyślić na przedstawionych rzeźbach) z kolumną: architekci umieścili figury na przecięciu wyimaginowanych prostych linii łączących kolumny sali po przekątnej. Chociaż ten subtelny projekt można rozpatrywać tylko zgodnie z załączonym schematem - mniej uważny widz uzna, że postacie są po prostu ustawione na jego drodze, a nawet może je obejść z irytacją, spoglądając na strażnika i nie doceniając wyrafinowania Giacometti. Tymczasem idea Hali Märkli przypomina przede wszystkim poprzednie Shojima Biennale: ma odzwierciedlać architekturę Arsenału, jest to temat niekończący się co dwa lata, choć idea nie ogranicza się do niego: obecność klasyczna wykres proporcjonalności jest tutaj ważniejsza.
Potem zaczyna się zabawa: niemieckie klasyki, Zaha Hadid, Herzog & de Meuron oraz nieznani indyjscy budowniczowie z wenezuelskimi lokatorami. Porozmawiamy o nich trochę później. Zachowaj do aktualizacji.
