W tym roku publiczność została uroczyście zaprezentowana w Pawilonie Włoskim, zlokalizowanym w północno-zachodniej części Arsenału, obok Ogrodów Delle Vergini. Wcześniej odbywały się tam włoskie wystawy - dwa lata temu na Biennale Architektury w tych halach pokazywano wystawę 12 projektów włoskiej zabudowy mieszkaniowej. Teraz przestrzeń została zrekonstruowana, powiększona (w 2009 roku z 800 do 1800 metrów) i nazwana Pawilonem Włoskim. Eliminując w ten sposób nieporozumienia między „włoskim pawilonem” w Giardini, gdzie od dawna wystawiani są nie krajowi, ale międzynarodowi wystawcy (obecnie nazywa się to Palazzo delle Esposizioni), a włoską ekspozycją narodową, która ostatecznie uzyskała status „ pawilon.
Takie wydarzenie powinno zostać naznaczone „przełomową” wystawą, której nie omieszkał zorganizować kurator, laureat Biennale Nagrody Krytyki 2006 Luca Molinari. Pod nagłówkiem „Ailati. Refleksje z przyszłości”przedstawił panoramiczny przegląd włoskiej architektury„ wczoraj, dziś i jutro”. Próbował znaleźć korzenie wszędzie zauważanego problemu: od późnych lat 80. Włochy utraciły swoją silną pozycję na międzynarodowej architekturze i poza Renzo Piano i, w mniejszym stopniu, Massimiliano Fuksas, ich architekci niewiele budują. za granicą i nie przyciągają zbytniej uwagi opinii publicznej. W ciągu ostatnich 20 lat nie ukazało się ani jedno wielkie dzieło włoskiego teoretyka, a jakość architektoniczna budynków w granicach samego kraju stale się pogarsza; architektura przekształciła się w coś nieistotnego w opinii publicznej, w gałąź sztuki użytkowej i zatraciła swoją „tożsamość narodową”. Molinari zachęca do powrotu znaczenia obywatelskiego i możliwości wpływania na życie ludzi, chce też na nowo spojrzeć na problemy projektowe, wybierając dla tego podejścia słowo kodowe Ailati - lustrzane odbicie Włoch. Molinari zarysowuje wydarzenia sfery zawodowej i publicznej 1990-2010 w instalacji informacyjnej „Amnesia” (czyli „utrata” włoskiej architektury z procesu historycznego): tam można się przekonać, że w ciągu ostatnich 20 lat wiele wybitnych postaci okres powojenny od Aldo Rossiego przed Ettore Sottsas i początek ery architektury cyfrowej młodsze pokolenie stało się znacznie bardziej mobilne, a na prowincji zaczęły pojawiać się bardziej jakościowe budynki niż w tradycyjnych ośrodkach kulturalnych i gospodarczych.
Druga część, „Laboratory Italy”, przedstawia potencjał obecnie pracujących architektów: w 10 podsekcjach (w tym: „Czy realistyczne jest zbudowanie czegoś wysokiej jakości z budżetem 1000 euro / m2?” Lub „Co należy zrobić z majątek skonfiskowany mafii?”) 40 najciekawszych projektów ostatnich trzech lat: już zrealizowanych lub na ostatnim etapie budowy. Szczegółowo ilustrowana ekspozycja od dłuższego czasu przykuwa uwagę.
Jednak najjaśniejszą, choć najmniej pouczającą częścią włoskiej wystawy była sekcja przyszłości „Włochy 2050”. Molinari stworzył go we współpracy z redaktorami włoskiego Wired, którego pracownicy zarekomendowali 14 czołowych naukowców, specjalistów od mediów, filmowców i artystów, którzy dziś kształtują przyszłość. Każdy z nich przedstawił swoją wizję kraju i świata za 40 lat, a pomysły te zostały urzeczywistnione w materialnej formie przy pomocy 14 projektantów i architektów. Powstałe obiekty są umieszczane na wysokiej platformie; aby lepiej im się przyjrzeć, każdy powinien wspiąć się po specjalnej drabinie. Takie rozwiązanie wystawy intryguje, choć połączenie struktur przypominających abstrakcyjne rzeźby ze świecącymi drogowskazami - objaśnienia „Materia / Antymateria”, „Przyjemność / Uczucia” itp. Wydaje się co najwyżej subtelne. Jednak Wired Special Edition zawiera szczegółowy przewodnik po tej części wystawy. Ogólnie rzecz biorąc, pawilon włoski jest niewątpliwie jednym z najbardziej udanych narodowych „wkładów” w Biennale, część rozrywkowa w nim jest wprost proporcjonalna do wartej uwagi treści, a pozostaje tylko jedno pytanie bez odpowiedzi: jak ma się cała ta różnorodność? do tematu Biennale „W architekturze spotykają się ludzie” i głównego motywu przestrzeni?
Jednak to samo pytanie można zadać Brytyjczykom: nazwę ich ekspozycji „Villa Frankenstein” można zinterpretować jako aluzję do wielu jej części. Kuratorzy „uszyli” go z różnych kawałków w taki sam sposób, jak Frankenstein - jego potwór. Ale oficjalna wersja jest bezpieczniejsza: jest to odniesienie do Johna Ruskina - jego skarga, że wpływ jego książek spowodował powstanie architektonicznych „potworów” w postaci domów i pubów w średniowiecznym (w tym weneckim) guście w całej Anglii. Istotnie, centralne miejsce w pawilonie zajmują zeszyty Ruskina, zilustrowane fotografiami XIX-wiecznej Wenecji. Ale do nich dochodzi ekspozycja poświęcona ekosystemowi laguny weneckiej, wyposażona w wypchane ptaki i akwarium z florą słonych bagien, a także fragment trybun Stadionu Olimpijskiego 2012 w Londynie w skali 1: 10, który służy jako miejsce seminariów. Pod nim znajduje się kolejna wystawa poświęcona ruchowi na rzecz równych praw kobiet we Włoszech i za granicą. To wszystko by wystarczyło, ale kuratorzy nie zapomnieli nie tylko o kobietach, ale io dzieciach: przed schodami pawilonu wybetonowano dla nich płytki basen (w miejsce kałuży, która „wybrała” tę część land), a artystka Lottie Child zorganizowała wspólnie z weneckimi dziećmi projekt „Street Education”, poświęcony bezpieczeństwu i rozrywce na ulicach miasta. Wszystko to nie łączy wspólny temat wpływu Wenecji na Brytyjczyków, bezpośredniego i pośredniego (tj. Poprzez Ruskina).
Z drugiej strony niemieccy kuratorzy potraktowali hasło Biennale dosłownie: ich pawilon stał się miejscem spotkań w dosłownym tego słowa znaczeniu. To „Czerwony Salon” do rozmów na temat architektoniczny, ozdobiony 182 rysunkami architektów, krytyków i artystów, którzy zostali specjalnie poproszeni o wyrażenie swoich „architektonicznych pragnień” za pomocą grafiki: w końcu nazwa ekspozycji brzmi: prawie nieprzetłumaczalny Sehnsucht - pragnienie, tęsknota. Dlatego kuratorzy próbowali uzyskać „migawkę” lub „obsadę” wewnętrznego świata współczesnego niemieckiego architekta. Salon centralny uzupełniają cztery „symboliczne” przestrzenie: „Sala Lustrzana”, „Pokój z widokiem”, „Ciemny pokój” i „Pustka” (ta ostatnia nie jest jednak całkowicie pusta: jest mały ekran z abstrakcją dzieło sztuki wideo), a także instalację audio „Wenecja” studia U5 - rejestrację odgłosów i dźwięków typowych dla tego miasta. Wszystko to powinno być sugestywne, budzić pragnienia, kreować wrażenia - czyli pracować nad „subtelnymi sprawami”. Ale planowana jest również całkowicie tradycyjna seria sympozjów i okrągłych stołów, która powinna również przyczynić się do zrozumienia wewnętrznego świata architekta, a za jego pośrednictwem całej architektury. Niewątpliwie jest to nieoczekiwane wyjście z sytuacji: odejście od architektury do świata idei i pragnień, od realnej przestrzeni do sfery mentalnej. Ale tak odważna decyzja wymaga jej niezwykłego wcielenia, którego niestety nie ma w niemieckim pawilonie.
W pawilonie holenderskim kuratorzy z biura Rietveld Landscape zaprezentowali wystawę „Puste NL, gdzie architektura spotyka się z ideami”, dowcipnie grając temat Biennale. Obliczyli, że pawilon jest zajęty przez wystawy tylko przez 3,5 miesiąca w roku, co oznacza, że od jego budowy (1954 r.) Budynek jest pusty łącznie przez 39 lat. Jednak pomimo zabawnego początku fabuła prezentowana na holenderskiej wystawie jest więcej niż poważna: w Holandii tysiące budynków administracyjnych i publicznych z XVII-XXI wieku, należących do państwa, stoją puste w oczekiwaniu na decyzję o ich losie (odbudowa, rozbiórka itp.), a nie licząc obiektów wojskowych i nieużytków. Ich liczba rośnie z każdym tygodniem i faktycznie stanowią one cenny zasób dla innowacyjnych sektorów gospodarki, przede wszystkim „gospodarki wiedzy” - sfer, których rozwój rząd holenderski uznał ostatnio za priorytet (no, nie tylko nasz rząd lubi innowacje). Zdaniem autorów wystawy wszystkie puste budynki mogą służyć jako laboratoria naukowe, pracownie architektoniczno-projektowe itp., Co miałoby pozytywny efekt uboczny w postaci tworzenia żywych, interdyscyplinarnych więzi. Kuratorzy wzywają władze do jak najszybszego podjęcia odpowiedniej decyzji. Materialnie idee te wyrażane są jednocześnie lakonicznie i skutecznie: dolna kondygnacja pawilonu jest naturalnie pusta. Powyżej, na poziomie podłogi balkonu galerii wewnętrznej, znajdują się stalowe linki, do których przymocowano wiele modeli budynków (tych, które są puste w prawdziwej Holandii), wyrzeźbionych z niebieskiej pianki. Z góry, patrząc z balkonu, wygląda jak wytłaczany niebieski dywan. Uzupełnieniem modeli są schematy złożone z kołków wbitych w ścianę schodów i rozciągniętych między nimi nici.
Francuzi z powodzeniem kontynuowali powagę: ich wystawa zatytułowana „Metropolis?” poświęcone nowoczesnemu planowaniu miejskiemu, a dokładniej projektom na dużą skalę, które są obecnie opracowywane dla Paryża, Lyonu, Marsylii, Bordeaux i Nantes. Wszystkie prezentowane są w formie filmów, trwających łącznie 4 godziny (po jednej godzinie w każdej z sal). Ale dynamiczne rozwiązanie tych filmów sprawia, że żałujesz, że obejrzenie ich w całości jest prawie niemożliwe. Jeśli chodzi o ideę przewodnią i związek z tematyką Biennale, kurator pawilonu Dominique Perrault podkreśla znaczenie dla rozwoju dużego miasta wolnej - pustej - przestrzeni jako tkaniny łączącej, miejsca na życie i materialne. potencjalnego rozwoju (o pawilonie francuskim szczegółowo rozmawia artykuł Aleksieja Tarchanowa w Kommiersant).
Łatwo zauważyć, że ekspozycje czołowych krajów światowej sceny architektonicznej na Biennale prezentują niezwykle zróżnicowane spojrzenia zarówno na architekturę, jak i na samą imprezę. Jednak dziwne byłoby czekać na jednolitość - zwłaszcza w dobie „kryzysu”, która wymaga pomysłowości.
