Sergey Estrin:
- Trudno jest wypracować jakieś jasne kryterium oceny poziomu pracy graficznej. Jeśli zaczniesz od odwrotności, od tego, co ci się nie podoba, to na pewno nie lubisz, gdy utalentowani rysownicy odtwarzają zdjęcia. Taka grafika uderza tylko w to, że przekazuje obrazy z najwyższą dokładnością, jej obrazy wyglądają jak żywe. Dla mnie to zdecydowanie nie jest kryterium selekcji. Zależy mi na tym, że patrząc na dzieło, od razu mam ochotę się nad nim zastanowić. W ten sposób pojawia się cały szereg skojarzonych obrazów, aluzji, a nawet wrażeń i emocji. Lubię, kiedy zaczynasz podążać za linią, jak jej autor prowadził, i lubię się zastanawiać, dlaczego zrobił to w ten sposób, a nie inaczej. Podobnie jest z architekturą - fascynują mnie niejednoznaczne budynki, kiedy można podziwiać różne kąty, różne pojawiające się obrazy i odkrycia …
1.
Pavel Bunin (1927-2008)
Bardzo podoba mi się jego grafika. Jest zupełnie inaczej. Bunin miał na przykład okres, kiedy malował plamami. Jako dziecko miałem książki z jego ilustracjami. Pamiętam jego niesamowite ilustracje do Puszkina. Bardzo podoba mi się sposób, w jaki pracował z tekstami Omara Khayyama. Albo ten rysunek: przez żywiołowość linii, przez niedopowiedzenie - to jest interesująca praca. Bunin nie musi rysować całej figury, całej objętości, jest to zbędne - sama linia, sposób, w jaki idzie, i przekazuje znaczenie obrazu. Gdzieś wydaje się, że ręka drżała, linia pęka - ale to nie dlatego, że artysta jest słaby, ale dlatego, że trzeba przekazać sens. A teraz patrzysz na tę linię - przerywaną, nerwową, różną grubością - i mówi wszystko, co jest potrzebne. Dla mnie to najwyższy poziom, absolutnie niesamowita grafika. Co więcej, jestem pewien, że Bunin namalował to bez żadnego przygotowania, model prawie mu nie pozował. Świadomie staram się powtórzyć ten sposób rysowania linii, tak rysuję góry … W ten sposób - w pół kreski - wielu artystów próbuje rysować, ale nie wszystkim się to udaje. ***
2.
Stanislav Noakovsky (1867-1928)
Zapoznałem się z jego pracą w instytucie. Noakowski - rosyjsko-polski architekt i grafik, żyjący na przełomie XIX i XX wieku, przed rewolucją wykładał w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury, był członkiem Cesarskiej Akademii Sztuk. Był świetnym akwarelą, malował zabytki architektury. Studenci go uwielbiali. Zachowała się fotografia, na której podczas wykładu rysuje kredą na tabliczce, wyjaśniając style architektoniczne. Wyobrażam sobie żywo, jak po raz pierwszy ukazuje to, co wyróżnia, powiedzmy, styl rokoko - proporcje, elementy, zestawienia, proporcje skal ścian i wystroju. I robi to wszystko szybko, kilkoma pociągnięciami, ale w taki sposób, aby uchwycić esencję. To znaczy na bardzo artystycznym i profesjonalnym poziomie. Mogę sobie wyobrazić, jak zdenerwowani byli uczniowie, kiedy jedną rzecz umył, a zaczął rysować inną, może nie mniej genialną …
To samo dotyczy tych akwareli: najważniejsze jest tutaj. Noakowski nie musiał rysować każdego szczegółu, każdej ulgi, jakby kopiował fotografię. Zamiast tego koncentruje się na istocie: przekazuje przestrzeń, siłę, rytm, proporcje, wrażenia z nich. Jest to bardzo podobne do tego, jak ogólnie działa nasza pamięć - małe rzeczy są wymazywane, pozostawiając wspólny obraz, który zrobił na nas wrażenie. Noakovsky też - ogarnia cały obraz. Bardzo architektoniczne, bardzo poprawne, jak mi się wydaje, podejście do rysunku. ***
3.
Giovanni Battista Piranesi (1720-1778)
Szczerze mówiąc, nie wszystko w twórczości Piranesiego mnie dotyka. Starożytne zabytki, widoki Rzymu, jego architektoniczne pejzaże nie dodają mi sił. Jest bardzo dobrze zrobiony, przemyślany, zweryfikowany, ale nie sprawia, że się martwisz. Inną rzeczą są jego fantazje na temat więzień, jego „Lochy” - seria 16 kartek. Architektoniczne szaleństwa, całkowicie niemożliwe w rzeczywistości, w których nie ograniczał się już do niczego. W tych arkuszach zbudował świat transcendentalny, złożony, fascynujący, mistyczny, ekscytujący. Kiedyś kupiłem całą książkę za kilka reprodukcji Lochów Piranesiego. Dzieła te są bardzo osobiste, emocjonalne i, co najważniejsze, bardzo nowoczesne, choć po raz pierwszy ukazały się w połowie XVIII wieku. ***
4.
Savva Brodsky (1923-1982)
Ojciec Aleksandra Brodskiego. Absolwent Moskiewskiego Instytutu Architektury. W jego grafice książkowej rzeczywiście czuje się architekta. Jest kontrast, proporcje, jakaś surowość, oczywiście, wyczucie linii i formy - to wszystko razem robi mocne wrażenie. Wie, jak umiejętnie ująć temat - spójrz na te krzyczące głowy, jest ich tak dużo, że wydaje się, że już słychać, fizycznie czuć ich śmiech. Postacie Don Kichota i Sancho pośrodku tego morza głów są narysowane tak, jakby były wykonane przez rzeźbiarza. Bardzo dobra grafika. Za ilustracje do Don Kichota Savva Brodsky otrzymał złoty medal na Moskiewskich Targach Książki i został wybrany na korespondenta akademika przez Hiszpańską Królewską Akademię Sztuk Pięknych.
A jego prześcieradła dla Romea i Julii są również niesamowite i bardzo architektoniczne. Świadczy o tym sam fakt, że jest to seria - czyli autor wyznacza rytm, a zatem pracuje jako architekt. Są tam osie, perspektywa sięgająca w nieskończoność i rzeźbiarskie figury, które wyznaczają skalę tej kolumnady i nawy. Bardzo dobrze. Brodski wie, jak przekazać punkt widzenia osoby, która patrzy na gigantów. Jako architekt absolutnie wszystko tutaj rozumiem, może dlatego mi się podoba. ***
5.
Egon Schiele (1890-1918)
Austriacki artysta, uczeń Klimta, po jego śmierci był właściwie artystą numer jeden w Austrii, ale zmarł w wieku 28 lat z powodu Hiszpanki. Ma wiele obrazów i kilka tysięcy rysunków. Jego praca jest bardzo interesująca. Niesamowity talent. Rozpoznawalne i różnorodne. Może gdyby żył długo, zostałby rzeźbiarzem, bo jego rzeczy są bardzo rzeźbiarskie, a może nawet architektem … Widzi bardzo dobrze, usuwa niepotrzebne rzeczy i dodaje niezwykle ostre emocje. Ma niesamowicie cudowną linię, jak nagi nerw. Jego malarstwo jest nierozerwalnie związane z grafiką. Nawet pomalowane rzeczy są absolutnie graficzne.
Jego portrety nie są w żaden sposób karykaturą, nie karykaturą, w której próbują też uchwycić to, co najważniejsze. Zmienia też trochę proporcje, rozciąga je. Schiele ma wspaniałą szkołę, na pewno zna proporcje i anatomię, ale umie je wyostrzyć i przekazać w taki sposób, że każda kreska zaczyna dzwonić z rozciągniętym nerwem, prawie to słychać.
A jego rysunki architektoniczne, które są znacznie rzadziej publikowane niż portrety, są po prostu wspaniałe w swojej prostocie. I tutaj też widzi najważniejsze. Wydawałoby się, że w najzwyklejszych domach nikt nie pomyślałby o ich uchwyceniu. Ale kilka akcentów - i po nich rozpoznasz początek XX wieku, nastrój nowoczesności, choć nie ma tu ani jednej linii od nowoczesności, od secesji. ***
