Mowa o dawnym pawilonie Włoch, najstarszej przestrzeni wystawienniczej Biennale: budynek ten został przekształcony na Biennale Sztuki 2009 w „Pałac Wystawowy” i otrzymał nowe kawiarnie i księgarnię; w tym roku do tych przestrzeni została dodana biblioteka. Ale funkcja budynku zmieniła się nieznacznie: już od dawna pawilon był niemal nominalnie włoski, w istocie był przestrzenią dla głównej ekspozycji kuratorskiej, dopełniającej Arsenał.
Obok niej niemieckie biuro raumlabor_berlin postawiło już wypróbowany i przetestowany Kitchen Monument - wielofunkcyjną dmuchaną konstrukcję z przezroczystego tworzywa, która stała się miejscem seminariów i sympozjów. Architekci zaproponowali użycie wygodnych, rozkładanych i lekkich drewnianych krzeseł, z których zbudowali również spektakularną „kratkę” przed Palazzo. Krzesła te stopniowo rozprzestrzeniły się po Giardini, zgodnie z zamierzeniami autorów: stanowią główną część ich innego projektu, Generator: oprócz krzeseł raumlabor_berlin zaoferował odwiedzającym co dwa lata stoły warsztatowe, narzędzia i drewniane moduły, z których można być również zmontowane.
Taki aktywny udział człowieka w projektowaniu otaczającej przestrzeni dobrze wpisuje się w ramy wyznaczone przez organizatorów Biennale. Motto tegorocznej wystawy jest przez nich interpretowane jako odniesienie do problemu przestrzeni (dlatego Shojima dał każdemu z uczestników pełną swobodę w powierzonym mu „obszarze”), a także problemie jego jakości. Według nich każdy powinien rozwinąć „wrażliwość” na otaczające środowisko architektoniczne, zastanowić się, jak można je poprawić (a zawsze są możliwości optymalizacji) i dążyć do realizacji swoich pomysłów. Dlatego projekty nietypowe dla „tradycyjnej” ekspozycji architektonicznej mają między innymi stymulować tak podwyższoną percepcję, a nie pokazywać i nie opowiadać, ale wywoływać u widza określone doznania.
Przy wejściu do „Pałacu Wystaw” znajdują się również obiekty z serii „Modern Primitives” amerykańskich pracowni Aranda / Lasch i Island Planning Corporation. Te czarno-białe krystaliczne objętości ucieleśniają podobieństwa między formą architektoniczną a zasadami wszechświata. Ale każda instalacja ma wiele możliwości interpretacji, jak wielokrotnie podkreślał kurator Kazuo Sejima, więc te wielopłaszczyznowe „rzeźby” można z powodzeniem postrzegać jako dodatek / kontrast do pozbawionej twarzy fasady Palazzo delle Esposizioni.
W pierwszym zaciemnionym pokoju znajduje się praca brytyjskiej artystki konceptualnej Cerith Wyn Evans „Joanna (rozdział pierwszy)” - neonowy początek wiersza amerykańskiego poety Jamesa Merrilla. Ten przejrzysty, świetlisty tekst wydaje się być komentarzem do pytania o przestrzenne urzeczywistnienie znaczenia, a biorąc pod uwagę modernistyczny charakter oryginalnego źródła, o jego wyjątkowości lub różnorodności.
Z drugiej strony, warsztat Andrés Jaque Arquitectos w Madrycie zwrócił się ku szczegółom: ich Fray Foam Home, lekka konstrukcja druciana z przymocowanymi do niej plastikowymi owocami, papierowymi parasolami koktajlowymi i innymi symbolami życia codziennego, jest poświęcona konfliktom „politycznym”. które zdarzają się na co dzień w mieszkaniach zwykłych ludzi. Decyzja o wzięciu prysznica wiąże się z wydatkiem rzadkiego towaru - wody pitnej - i korzystania z infrastruktury, to samo dotyczy jedzenia, elektryczności i tak dalej. Twórcy instalacji również oferują możliwości rozwiązywania takich konfliktów, ale leżą bardziej w sferze idei niż rzeczywistości.
Niemiecki artysta fotograficzny Thomas Demand i brytyjscy architekci Caruso St. John przedstawili znany już projekt dla Zurychu, w skali 1: 1 - „House-Nail” przedstawia dwa „atrapy”, a więc abstrakcyjne domy, które mają zostać położony pod wiaduktem na jednym z najmniej zadbanych placów w mieście. Te dwa budynki powinny przypominać zarówno ulicę, która kiedyś tam znajdowała się, jak i słynny na całym świecie dom mieszkańca chińskiego miasta Chongqing: deweloper całkowicie zburzył teren tradycyjnych budynków, ale ten mieszkaniec miasta odmówił. przenieść się i wkrótce jego dom znalazł się na wyspie pośrodku ogromnego dołu …
Sama kuratorka pokazała w Palazzo delle Expositioni swój projekt kompleksu galerii sztuki dla małej wyspy Inujima, a także projekt muzeum dla innej wyspy, Teshimy, autorstwa jej partnera SANAA Ryue Nishizawy. Obie prace opierają się na interakcji budynku i krajobrazu - na jak najbardziej bezpośrednim zrozumieniu tematu przestrzeni, dlatego przedstawione są w postaci ogromnych modeli otoczenia; same przyszłe budynki zajmują na nich minimalną powierzchnię.
Szwajcarski architekt Christian Kerez, najbardziej znany szerokiej publiczności ze swojego Liechtenstein Art Museum w Vaduz, otrzymał do dyspozycji dwie sale, w których kontynuował „tradycyjną linię” i umieścił modele swoich najnowszych projektów oraz ich fragmenty.
Było też miejsce na powrót do historii: szczegółowo przedstawiono kompleks SESC Pompéia w São Paulo (1982) - zrekonstruowaną fabrykę - ośrodek kultury Liny Bo Bardi, wybitnej brazylijskiej architektki włoskiego pochodzenia (1914-1992). W tej pracy umieściła restauracje, sale balowe, showroomy, sale rzeźbiarskie itp. W istniejących budynkach, ocieniając ich monumentalną skalę przemyślaną organizacją przestrzeni publicznej wokół. W rezultacie powstał kompleks, w którym klarowność układu łączy się z aktywną interakcją między ludźmi.
Podobnie jak w pracy Bo Bardi, Sejima znalazła się na równi w pracach brytyjskiego architekta Cedrica Price'a (1934-2003), który wpłynął na kierunek hi-tech, Rem Koolhaas i wiele innych postaci współczesnej sceny architektonicznej. Dziedzictwo Price'a jest prezentowane w Palazzo delle Esposizioni w postaci rysunków i filmów z jego występów.
Również „spojrzenie w przeszłość” można nazwać wyborem prac nowojorskiego artysty Toma Sachsa, który stworzył rzeźbiarskie modele na temat różnych prac Le Corbusiera, kwestionując aktualność, a nawet wartość jego spuścizny.
Za bardziej „materialną” interpretację tematu przestrzeni można uznać instalację irlandzkiego bureau dePaor architects, która stworzyła niewielką strukturę tkaniny na drewnianej ramie o nazwie „4 rano”; jego wąskie klatki schodowe powinny przypominać „przygraniczną przestrzeń domową”; szklana lampa i użyte również fragmenty wapienia są odniesieniem do ryciny Albrechta Dürera „Melancholia”, chociaż taka aluzja jest prawie niemożliwa do złapania bez aluzji.
Biuro AMID (Cero9) w zdecydowanie kiczowaty sposób zaprezentowało znany już publiczny projekt centrum obchodów dnia wiśni w hiszpańskiej prowincji Cáceres, a portugalski Aires Mateus e Associados zademonstrował to w postaci modeli budynków i sąsiednich budynki o tej samej kubaturze, ale „wyjęte”, ich refleksje nad istotą i połączeniem formy z przestrzenią.
Fujimoto pokazał więc przeźroczysty model swojego pawilonu w Château la Costa zamieszkanego przez wiele osób (prawdopodobnie dla tego samego klienta co dzieło właściciela Złotego Lwa Zunya Ishigami): konstrukcja składa się z paneli oddalonych od siebie o 35 cm: mogą służyć jako krzesła (wysokość 35 cm), stoły (35 cm X 2), dachy, stopnie, podłogi itp.
Inny typ eksperymentu - „behawioralny” - zaprezentowało biuro Atelier Bow-Wow: wystawiało modele swoich domów dla różnych klientów: mistrza ceremonii parzenia herbaty, małżeństwo dziennikarzy, idąca na emeryturę kobieta. - właściciel kucyka - pozostawiając widzowi powiązanie architektury z zachowaniem właścicieli budynków. Jest to jednak trudne ze względu na brak napisów wyjaśniających w językach europejskich.
Rzeźbiarz Do-Ho Suh i południowokoreańskie biuro Suh Architects również badają ideę mieszkania i jego percepcję: ten pierwszy wykonał trójwymiarowy model elewacji swojej nowojorskiej kamienicy z tkaniny i powiesił go równolegle do podłogę, a architekci (w tym jego brat rzeźbiarz) stworzyli jej „odbicie” na podłodze, gdzie kontury amerykańskiego domu Su łączą się z konturami domu w Korei, w którym się urodził i wychował, a także tradycyjny Włoska willa. Projekt nosi nazwę Blueprint, a jego niebieski kolor nawiązuje do bezpośredniego tłumaczenia tego słowa: (rysunek) -sinka.
Młodzi chilijscy architekci Pezo Von Ellrichshausen Architects zwrócili się ku kwestii środowiska kosmicznego. Pokazali w formie modeli i wielkoformatowych fotografii dwa prawie identyczne projekty domu: jeden dla bezludnego wybrzeża oceanu, drugi dla przedmieść. Obie konstrukcje giną w szczegółowej panoramie ich „kontekstu”.
Włoscy projektanci i architekci, przedstawiciele reakcji na modernizm - członek Archizoom Andrea Branzi i członek grupy Memphis Aldo Cibic - obaj pokazali projekty urbanistyczne. Branzi powtórzył swoją krytykę modernizmu, zwracając uwagę opinii publicznej na „Nową Kartę Ateńską”, zawierającą postanowienia takie jak „miasto jak fawela high-tech” i „miasto jak żywy plankton”, a także bardziej realistyczne „buduj odwracalne i lekkie infrastruktury”. Ilustruje je 12 fantastycznych modeli przestrzeni i wnętrz miejskich, które nie są przeznaczone do realizacji i mogą istnieć tylko w idealnej przestrzeni ludzkiej świadomości.
Chibik opracował New Journey to Happiness, odpowiedź na katastrofy gospodarcze i środowiskowe: 4 nowe plany urbanistyczne, w tym kampus na polach, agrotechniczna dolina w Wenecji Euganejskiej oraz „wiejska urbanistyka” z cechami rozwoju miejskiego i podmiejskiego.
Wszystkie prezentowane projekty, a także wystawców w Arsenale, zostały wybrane przez kuratorkę na podstawie wagi potencjalnego wkładu w tematykę ogólną oraz zbieżności twórczości ich autorów z twórczością samej Shojimy. Należy zauważyć, że prawie wszyscy - z wyjątkiem Rema Koolhaasa, którego wystawę w Palazzo delle Espositioni opowiemy później - są nielicznymi gośćmi na dużych wystawach i daleko im do autoreklamowego typu „gwiazdowego” architekta. Dlatego klimat ekspozycji w małych salach labiryntu, wielokrotnie przebudowywanego pawilonu daleki jest od brawury PR-prezentacji. Pewne zamieszanie, jakie ta kolekcja powoduje we wszystkich różnych pracach, może służyć jako przypomnienie przeważającej szansy na spotkanie obiektów w przestrzeni.
