W ciągu tysiącletniej historii pracy muzealnej na Półwyspie Apenińskim zgromadziły się nie tylko kolosalne tomy materiału, ale ukształtowała się specyficzna kultura jego prezentacji. Co więcej, natychmiastowa wartość artystyczna eksponatu staje się pojęciem niejednoznacznym, czasem ważniejsza jest idea, która go jednoczy i wynikająca z tego złożoność ekspozycji. Na przykład wystawa, która odbyła się sześć miesięcy temu przez wielkiego weneckiego artystę renesansu Giovanniego Belliniego, przede wszystkim uderzyła nowo połączonymi drzwiami ołtarzowymi, zwykle przechowywanymi w różnych muzeach tysiące kilometrów od siebie, lub tablicami z prywatnych kolekcji. sprowadzony z zaplecza Ameryki. Wystawa „Giotto i Trecento” zgromadziła olbrzymią liczbę włoskich mistrzów od Mediolanu po Neapol i ich francuskich współczesnych o różnych cechach, którzy w taki czy inny sposób wpłynęli lub wpłynęli na toskańskiego innowatora.
Wystawa w Sienie zebrana pod wspólnym tytułem, zapożyczonym z romantyzmu, to nie tylko eksponaty z różnych krajów, dzieła z różnych epok, materiały o różnych właściwościach - ale także artyści o różnym stopniu zdrowia psychicznego, z których niektórzy są na ogół pośrednio związani ze sztuką. Tutaj oczywiście ważniejszy jest serwis, aw większym stopniu ten, który służy: kurator Vittorio Sgarbi. Polityk i historyk sztuki, znany z wykorzystywania w krytyce sztuki metod politycznych - zastępowania pojęć i prowokacji. Aktywny uczestnik protestów studenckich w 1968 r., Kandydat na burmistrza Pesaro z partii komunistycznej w 1990 r., Założyciel ruchu Liberal Sgarbi w 1999 r., Następnie sojusznik Silvio Berlusconiego, dzięki czemu w 2001 r. Został sekretarzem Ministerstwa Kultury.. Równolegle pisze książki o mistrzach i dziełach wszystkich epok oraz tworzy filmy o historii sztuki. Specyficzna dla Włoch kombinacja.
Przecież muzeum to nie tylko przestrzeń wystawiennicza, a wystawa to nie tylko wydarzenie kulturalne. To wyraz ducha tamtych czasów: od zamiłowania do kolekcjonowania wśród arystokratycznych rodzin i wprost proporcjonalnej zależności bogactwa zbiorów od wpływów właściciela - po futuryzm, który sugerował niszczenie muzeów, a jednocześnie czas odbudował społeczeństwo (futuryści są prawie jedyną partią artystyczną i polityczną w historii: Marinetti przyjaźnił się z Mussolinim i był dumny, że niektóre z politycznych idei faszyzmu zostały przez niego wysunięte). Wydarzenie muzealne jest zawsze spektaklem, z teatralnością nieodłączną od całego włoskiego życia: szokujące, nauka, polityka, intryga są w nim ściśle powiązane. Jest zarówno powierzchowna, jak i głęboka, mówi o tym, co chwilowe i wieczne, zabawne i sprawia, że płaczesz. I zawsze potrzebuje scenografii - architektury.
Ekspozycja „Sztuka, geniusz, szaleństwo” prezentowała w 10 salach tematycznych zagmatwaną i kontrowersyjną stronę twórczości artystycznej. Wystawa ma charakter konceptualny (nadal nie można jej nazwać tematyczną, gdyż temat jest interpretowany bardzo szeroko i nie zawsze dosłownie), materiał jest specyficzny i niejednorodny (od prac Van Gogha po prace pacjentów Siena szpital) zaangażowani specjaliści wywodzą się z bardzo różnych dziedzin zawodowych (artyści, historycy sztuki, psychiatrzy). Sale Palazzo Squarchalupi okazały się wypełnione tablicami z kompozycjami ołtarzowymi z XV wieku w stylu Boscha, małymi kompozycjami rodzajowymi przedstawiającymi leczenie szaleństwa w XVII wieku, płótnami i grafikami Van Gogha, Muncha, Kirchnera, Otto Dix i Max Ernst, prace współczesnych artystów pod okiem lekarzy o profilu odpowiadającym idei wystawy, a także odzież pacjentów i sprzęt medyczny szpitali psychiatrycznych minionych stuleci. W takich warunkach design odgrywa jedną z wiodących ról, jeśli nie pierwszą, a mianowicie klaruje koncepcję, wyostrza akcenty, łączy materiały o różnym czasie i różnej jakości, które na żądanie pojawiły się pod tym samym dachem iw tych samych ścianach. „autora” wystawy.
W salach rozprowadzanych jest 10 zaproponowanych przez kuratorkę tematów - 10 różnych interpretacji i podejść do interpretacji zjawiska szaleństwa. Wielopłaszczyznowy pogląd wymagał innego materiału, czasem trudnego do uzgodnienia. Organizacja ekspozycji ratuje problem przed wulgaryzacją, w ramach której niejednorodne obiekty są odpowiednio usystematyzowane i udekorowane, a przestrzenie wystawiennicze zostały zinterpretowane zgodnie z wątkami, które powinny były zostać w nich przedstawione.
Widz stopniowo „wprowadza się w temat”: za salą z włoską rzeźbą XX wieku, będącą swego rodzaju preambułą, przechodzi historyczna część wystawy, umieszczona w długim korytarzu i składająca się z dzieł sztuki. od początku XVI do XVIII wieku, przedstawiające wizerunki szaleńców tej epoki i historii, studiowanie tematu, a także - z anatomicznych modeli mózgu i zabytkowych kaftanów bezpieczeństwa. Te ostatnie, umieszczone w „artystycznym” kontekście i elegancko wkomponowane w ekspozycję, nie tracąc przy tym swojego „poznawczego” charakteru, wyglądają jednocześnie jak pewnego rodzaju obiekty artystyczne.
Z kolei retrospektywne studium zjawiska, któremu towarzyszy praca pacjentów szpitali o tym profilu, przedstawiające ich codzienne życie szpitalne (Cesare Lombroso, Paris Morgiani), łączy się z „ekspozycją główną” podzieloną na piętra klatką schodową na u stóp którego znajduje się studnia wykorzystywana jako stojak wystawowy na płaskorzeźbę marginalnego sieneńskiego mistrza Filippo Dobrilli, naszego współczesnego. Część historyczną kończy sala portretów - postaci XVIII-wiecznego rzeźbiarza Franza Messerschmidta, który w ostatnich latach swojego życia został zniszczony rozumowo, ale zachował genialną zdolność odwzorowania ludzkiego ciała.
Następnie ekspozycja podzielona jest na sale reprezentujące różne aspekty relacji między sztuką a szaleństwem. Van Gogha, Kirchnera, Strindberga i Muncha łączy jako twórcy twórcy czasów Nietzschego (którego stosunek do tematu jest bardzo bezpośredni), a także stali bohaterowie poszukiwań na temat wskazany w tytule wystawy. Sala „General Madness: War Eyes of Artists” - z jednej strony przedstawia inną wersję szaleństwa, z drugiej - ważny problem w historii sztuki XX wieku. Oto artyści, dla których wojna stała się motywem przewodnim twórczości, tematem, który gloryfikował tych mistrzów: Renato Guttuso, Mario Mafai, Georg Gross, Otto Dix.
Pomieszczenia, w których znajdują się dzieła samych szaleńców, zawierają prace z kolekcji psychiatry Hansa Prinzhorna z Heidelbergu, Muzeum Art Brut w Lozannie, a także owoce kreatywności pacjentów włoskich zakładów psychiatrycznych, usystematyzowane według zasada monograficzna. Dzieła Antonio Ligabue, rodzaj prymitywów przypominających Henri Rousseau, kompozycje graficzne Carlo Dzinellego, zadziwiające strukturą kompozycyjną i kolorystyczną - to kilka przykładów tzw. sztuka outsiderów, dawno temu stała się przedmiotem kolekcjonerskim. Ostatnim tematem jest sala artystów tworzących w stylu graniczącym z szaleństwem, zwanym „Czystym szaleństwem XX wieku”: są tu prace surrealistyczne i ekspozycja wiedeńskiego akcjonizmu, który w ogóle wchłonął elementy wszystkich powyższe. Hala 10 to swego rodzaju kwintesencja wszystkiego, co widzimy - nie na poziomie jakości artystycznej, ale na poziomie idei. W każdym razie praca szaleńców jest bardziej harmonijna niż krwawe ciała członków grupy wiedeńskiej. I na tym etapie widz, widząc ponad 400 eksponatów na temat zaburzeń psychicznych, rozumie, że wystawa nie daje odpowiedzi na pytanie, gdzie jest geniusz, a gdzie szaleństwo, nie próbuje dawać, ale dodatkowo podnosi pytania o kryterium „normalności” i ogólnie o kryterium względności.
Być może próba nie rozwiązania problemu, ale zebrania wszystkiego w jeden system, podejmuje się projektu ekspozycji. W architekturze wystawy „udokumentowana” normalność czy muzealne uznanie artysty znajduje odzwierciedlenie w charakterze wnętrza sali. Sale z Van Goghem, Otto Dixem i Akcjonistami mają klasyczną ekspozycję: obrazy są zawieszone na ścianach i oświetlone odpowiednim światłem muzealnym. Hale z pracami „szalonych” okazały się polem działalności fantazji architektoniczno-ekspozycyjnej: prace zawieszone są na żyłce wzdłuż zerwanej prowadnicy lub osadzone w metalowych ramach i umieszczone na środku hali. pod różnymi kątami względem siebie. W ten sposób utrwala się i podkreśla ich specyfikę. Oryginalność eksponatów jest zgodna ze specyfiką prac i stanowi tę cienką linię, która nie tylko oddziela wielką sztukę od twórczości marginalizowanych, ale także nadaje tej ostatniej „wystawę”, w pewnym stopniu „muzeum”. postać.
Praca architektów ze Studia Milani odgrywa niemal wiodącą rolę w odbiorze materiału wystawienniczego. Trudno tu mówić o bezpośrednim „ucieleśnieniu pomysłów kuratora”, skoro styl tego biura jest wyraźnie widoczny w architekturze wnętrza wystawy. Ale to w pełnym znaczeniu architektury, spójnej z koncepcją klienta, w formach odpowiadających funkcji, opowiadającej o jej treści, kierującej ruchem zwiedzającego, a tym samym interpretującej ideę konstrukcji (czyli przestrzeń wystawiennicza). Lekkie konstrukcje, materiały - metal, plastik, szkło, lakoniczne formy nawiązują stylistyką do włoskich wystaw z lat trzydziestych XX wieku, które projektowali architekci - zwolennicy włoskiej wersji nurtu Modern - racjonalizm, minimalistycznymi projektami i wyjątkowym talentem przekazać koncepcję wystawy niewielkimi środkami. Tutaj jednak prostokątny moduł, który dominował w latach trzydziestych XX wieku, został zastąpiony przez trójkąt (dynamiczny kształt), do neutralnej kolorystyki gablot dodano fioletowe światło (kolor szaleństwa), a niektóre części stoisk to powierzchnie odblaskowe. Rezultatem jest dynamiczna przestrzeń o załamanej trajektorii ruchu, zwielokrotniająca się w refleksjach o sobie, odpowiadająca nie tylko na temat wystawy, ale także w ogóle na ducha nowoczesności.
Tak cienka jak granica między geniuszem a szaleńcem, między szaleńcem a artystą, między wytworem chorej świadomości a sztuką, może się okazać bardzo uwarunkowana między zwiedzającym wystawę a autorami prezentowanych na niej prac, między świat rzeczywisty i świat wymyślonych pomysłów i fantastycznych obrazów. Zastosowane w projekcie metalowe kraty z jednej strony niosą ze sobą estetykę nowoczesnej architektury lekkich konstrukcji, z drugiej przypominają kraty szpitali psychiatrycznych. Przerwane trajektorie tras ekspozycji to nie tylko linie przestrzeni dekonstruktywizmu, ale także metafora załamanej psychiki. Neutralne światło połączone z fioletowym oświetleniem - nie tylko iluminacja minimalistycznych wnętrz, ale także szpitalnych korytarzy. Projekt, który łączył dzieła o różnej treści i charakterze, niejako porównując ich autorów z odbiorcą: w płaszczyznach gablot, wśród eksponatów, odwiedzający okresowo widzi swoje odbicie. Ponadto trasa przez cztery kondygnacje wystawy, zamieniona staraniami architektów w labirynt, jest na tyle długa, aby nie tylko przyzwyczaić się do przestrzeni muzeum, ale także zbliżyć się do „bohaterów” ekspozycji w naszym stan emocjonalny.
To zaangażowanie widza w szalony świat sztuki i fantastyczny świat obłąkanych - albo filozoficzna idea kuratorów sztuki, albo eksperyment psychiatrów, albo ślad Zeitgeist. Prawdziwa, zrealizowana architektura idei nie tworzy, ona je urzeczywistnia, pojawia się we właściwym czasie, we właściwym miejscu. Chodzi nie tylko o to, że we Włoszech od 1978 r. Zamknięto państwowe szpitale psychiatryczne, to znaczy, że szaleństwo jest uważane za „inny rodzaj”, ale nie za chorobę, a nie za małą, wyrafinowaną, niezwykle konserwatywną w swoich podstawach Siena otworzyła własne drzwi na wystawę, na której znacznej części eksponatów trudno nazwać dziełami sztuki w zwykłym tego słowa znaczeniu. Ta wystawa sprawia, że patrzysz nie tylko na świat sztuki i widzisz w nim udział szaleństwa, ale także na świat obłąkanych - i dostrzegasz w nim elementy codzienności, a tym samym czujesz subtelność linii, która oddziela te światy. To także powód do oderwania, oderwania, który służy sztuce, która jest integralną częścią psychicznych odchyleń i pomaga spojrzeć na rzeczy w nowym świetle. I do tego najlepiej nadaje się zamknięty, położony na wzgórzu, oddzielony od reszty świata toskańskimi równinami Sieny.
Podczas badania ostatniej sali stres emocjonalny narasta do granic i sprawia, że chce się wyjść na świeże powietrze - a wystawa przenosi zwiedzającego do jasnego, przeszklonego pomieszczenia z widokiem na średniowieczne mury Sieny. O tym, co zobaczył, przypominają tylko litery nazwy wystawy przytwierdzone do ściany, co prowokuje do refleksji świetlnej nad tym, czego brakuje w ekspozycji: strony z „Dziennika szaleńca” czy „Koszmar” Fuesli … Ale toskańskie słońce a oświetlony nim kamień i marmur Sieny Palazzo, wręcz przeciwnie, sugerują „wyrazistość włoskiego geniuszu”, tak cenionego przez Welflina.
Wystawa Arte, Genio e Follia. Il giorno e la notte dell'artista odbywa się w kompleksie muzealnym Santa Maria dela Scala, Palazzo Squarchalupi DO 21 CZERWCA 2009.
Kurator: Vittorio Sgarbi
Kierownictwo akademickie: Fundacja Antonio Mazzotta
Projekt architektoniczny: Studio d'Architettura Andrea Milani
Ekspozycja gromadzi ponad 400 dzieł z czołowych muzeów sztuki w Europie (Orsay, Centre for Georges Pompidou, Prado, Brera itp.), Kolekcje tematyczne (Museum Art Brut, Lozanna, Kolekcja psychiatry Prinzhorn, Heidelberg) oraz muzea historii medycyny (Muzeum Historii Medycyny Uniwersytetu Rzymskiego „La Sapienza”, Muzeum Historii Medycyny im. Rene Descartes, Paryż, itp.).
Pokoje tematyczne: Picture of Madness (od dzieł przypisywanych Boschowi do dnia dzisiejszego), Genius and Madness in the time of Nietzsche (Van Gogh, Munch, Strindberg, Kirchner), General Madness: War through the Eyes of Artists (Renato Guttuso, Mario Mafai, Georg Gross, Otto Dix), The Art of the Mad: Dedication to Hans Prinzhorn (prace z kolekcji psychiatry Hansa Prinzhorna w Heidelbergu), Art Brut (prace z kolekcji Art Brut autorstwa Jeana Bubuffeta, Lozanna), Niektóre włoskie przykłady między normalnością a szaleństwem (prace Carlo Zinellego, 1916-1974, Pietro Gidzardi, 1906-1986, Tarcisio Merati, 1934-1995), Podróż do Toskanii (toskańskie wille i zamki, w których znajdowały się szpitale psychiatryczne, słyną utalentowani pacjenci: Filippo Dobrilla, Evaristo Boncinelli, Venturino Ventruri, Belarges itp. Szaleństwo sztuki XX wieku (od surrealizmu po wiedeński actionism).