Architekt Andrei Gozak próbował swoich sił w różnych gatunkach: projektował budynki, pisał książki i artykuły krytyczne o architektach, zajmował się projektowaniem i opracowywał układy dla magazynów architektonicznych. Według niego Gozak od prawie 50 lat zajmuje się sztukami plastycznymi, podobnie jak architekturą. Zaczął od bladego i jaskrawego malarstwa, w młodości kochał prace Paula Klee i pod jego wpływem napisał coś geometrycznego. Ale potem wypracował własny, niezależny od nikogo styl malowania półprzezroczystego wielowarstwowego. Technika wymyślona przez Gozaka przypomina architektoniczne popłuczyny: papier na blejtramie zagruntowany jest farbą emulsyjną, a następnie wymieszany z nią, Gozak pisze „tym, czym jest” - akrylem, akwarelą, temperą. Pisze długo, czasem około miesiąca, bo taki obraz wymaga dużo podmalówek i walorów. „Glazury nakłada się warstwa po warstwie, aż pojawi się specjalny blask” - mówi Gozak. - Dla mnie najważniejszy jest blask przestrzeni i głęboki kolor. Nie daje tego otwarty kolor - na przykład Matisse jest świetnym artystą, ale nigdzie nie ma głębi. Moim bohaterem jest raczej Morandi. Napisał zamrożone życie metafizyczne, w którym istnieje wieczność. I to, że ma tam zapisane butelki - nie widzę ich, a dla mnie nie ma fabuły - jest tylko stan specjalny.”
Sam Gozak też nie interesuje się tematem i gatunkiem - cykl 30 obrazów prezentowanych w galerii VKHUTEMAS można tylko warunkowo nazwać architektonicznymi. Niektóre z nich przedstawiają zarysy gotyckich wież, drapaczy chmur czy chat. Są też płótna ironiczne - na przykład „Moskwa-Nowy Jork” z wieżą Tatlin i Empire State Building oraz „Dedication to Luzhkov” z parodią stylu moskiewskiego w postaci domów ołówkowych we wszystkich kolorach tęczy. Jest też ciekawy cykl dziecięcy, o którym Gozak żartobliwie zauważa, że jest to jego własne odkrycie postmodernizmu: „Gdyby Jenks zobaczył pięciokolumnowy portyk, który narysowałem w czwartej klasie, porzuciłby swój pomysł”. Jednak na większości płócien, na przykład w serii chat namalowanych 15 lat temu, artysta zamienił budynki w miejsca warunkowe, przy czym najważniejsze jest światło i przestrzeń. Te same wartości są dla niego ważne także w architekturze - podkreśla Gozak: „Materiał i wystrój są już drugorzędne. Ladovsky powiedział, że przestrzeń i masa to początki architektury, dla mnie przestrzeń i światło. Uwielbiam Alvara Aalto, ponieważ malował architekturę światłem. Generalnie jestem zwolennikiem spokojnych, prostych, białych budynków, w których stan światła jest wszystkim.”
Generalnie rysunek, malarstwo i architektura dla Gozaka to zjawiska tego samego rzędu. Obraz, zdaniem Andrieja Pawłowicza, to obraz nie wniesiony do budynku i zatrzymany na papierze, budujący harmonię przestrzeni i światła, tak według niego pracowało wielu architektów, dla których abstrakcyjne kompozycje stały się początkiem projektów. - na przykład Le Corbusier, którego purystyczne martwe natury zamykają pasję do modernizmu. Jednak historia, słusznie zauważa Gozak, zna zupełnie innych twórców. Na przykład Konstantin Melnikov był „realistą w rysunku i abstrakcjonistą w architekturze i na tym polega jego tajemnica”.
Być może głównym przesłaniem tej wystawy dla dzisiejszych studentów jest to, że niezależnie od tego, czy architekt jest artystą, czy nie, musi myśleć obrazami. Gozak jest przekonany, że architektura rodzi się z impulsu, a nowoczesne projektowanie wspomagane komputerowo, samo w sobie wartościowe jako narzędzie, nie może dać tego impulsu. Gozak lubi podawać przykład z pracy Alvara Aalto o tym, jak narodziła się idea jego biblioteki w Wyborgu: „Marzył o zboczach wzgórza, nad którym było tysiąc słońc, i stworzył bibliotekę w forma korytarzy ze schodkami z górnymi światłami”. Podczas swojej wieloletniej praktyki Andriej Pawłowicz Gozak był przekonany, że „tylko intuicja i wnikliwość może być tym impulsem, a nie kalkulacja, nie matematyka, nie racjonalność. Obraz rodzi się we mgle, w ciemności i zawsze pozostanie tajemnicą."
