W krótkim wystąpieniu podczas prezentacji książki w centrum edukacyjnym Muzeum Garażowego autor nazwał się archiwistą. Ta książka jest publikacją archiwum, które Jurij Avvakumov gromadzi od 1984 r., Kiedy to pojawił się termin „architektura papieru” (patrz rozdział „Tytuł” poniżej). Zdaniem autora, idea książki pojawiła się dziesięć lat temu, książka ma formę antologii, czyli zbioru czegoś, na przykład kwiatów. „Zebrałem wszystkie kwiaty, które kocham, a jeśli ktoś kocha innych, niech opublikuje własną książkę” - powiedział Jurij Awwakumow.
To ogromna objętość, czuje się jak cztery kilogramy. Piękna biała książka o klasycznym wyglądzie, dobrze wydrukowana. Jego okładka jest ułożona na kartce papieru Whatmana, który najwyraźniej jest pomnikiem architekta ubiegłego wieku. Boomarch jest tak niepodważalnym wkładem Rosji w światową kulturę XX wieku, że dzieła portfeli znajdują się w Muzeum Rosyjskim i Galerii Trietiakowskiej, w MOMA w Nowym Jorku, w Centrum Pompidou w Paryżu, w Muzeum Wiktorii i Alberta. Muzeum iw Tate Gallery.
-
powiększanie 1/8 Zdjęcie © Fyodor Kandinsky / Dzięki uprzejmości Garage Museum of Contemporary Art
-
powiększanie 2/8 Zdjęcie © Fyodor Kandinsky / Dzięki uprzejmości Garage Museum of Contemporary Art
-
powiększanie 3/8 Zdjęcie © Fyodor Kandinsky / Dzięki uprzejmości Garage Museum of Contemporary Art
-
powiększanie 4/8 Zdjęcie © Fyodor Kandinsky / Dzięki uprzejmości Garage Museum of Contemporary Art
-
powiększanie 5/8 Zdjęcie © Fyodor Kandinsky / Dzięki uprzejmości Garage Museum of Contemporary Art
-
powiększanie 6/8 Zdjęcie © Fyodor Kandinsky / Dzięki uprzejmości Garage Museum of Contemporary Art
-
powiększanie 7/8 Zdjęcie © Fyodor Kandinsky / Dzięki uprzejmości Garage Museum of Contemporary Art
-
powiększanie 8/8 Zdjęcie © Fyodor Kandinsky / Dzięki uprzejmości Garage Museum of Contemporary Art
Książka zawiera prace 84 autorów: 250 projektów w 570 ilustracjach. Niektóre nazwiska mogą wydawać się komuś z serii „portfeli” nieoczekiwane, na przykład jest przedstawiciel starszego pokolenia Andrey Bokov i młodszy Aleksey Kononenko. Wielu brało udział w legendarnych konkursach i wystawach papieru, nasze pomysły na architekturę papieru są wciąż udoskonalane. Co ważne, książka zawiera również materiały źródłowe dotyczące konkursów i wystaw papierniczych, a także indeks nazwisk.
Praca poprzedzona jest zbiorem cytatów wybitnych badaczy i dziennikarzy. Dają figuratywne definicje architekturze papieru. Jean Louis Cohen: „nowe i ostatnie pokolenie sowieckich wizjonerów”. Catherine Cook: „katalizator odnowienia zawodu architekta”. Selim Khan-Magomedov: „impuls formacyjny młodych architektów”. Grigorij Revzin: „forma ucieczki od nudnej sowieckiej rzeczywistości do pięknych światów wyobraźni”. Alexander Rappaport: „Wynik zniszczenia dwóch cenzorów - zewnętrznego i wewnętrznego”. Alexey Tarkhanov: „Profesjonalna anegdota architektoniczna parodiująca system edukacji i wartości”. Niespodziewanie pojawienie się w tym towarzystwie pisarza Maxa Fry'ego, dla którego praca portfeli jest „lśniącym przykładem przemiany słabości w siłę, Sun Ji byłby zadowolony”.
Tekst samego Jurija Awwakumowa (patrz fragment poniżej) jest zorganizowany jako seria rozdziałów z jasnymi tytułami, które można czytać w dowolnej kolejności. To jest świadectwo i podsumowanie z pierwszej osoby. Na końcu książki znajdują się wywiady i artykuły Jurija Awwakumowa z różnych lat poświęcone boomardzie.
-
powiększanie -
powiększanie
To bardzo cenne, że duży zbiór projektów można teraz oglądać jednocześnie z tekstami. W pracy portfeli ważną rolę odegrały teksty literackie. Kiedyś poeta i pisarz Dmitrij Bykow powiedział, że nie rozumie materialnych sztuk architektury i projektowania, ponieważ nie zajmują się duszą i nie mają fabuły. W architekturze papierowej przywrócono połączenie z duszą, a dotknięcie wielkich mitów / wątków nadało pracom głębi. Szklana kaplica Aleksandra Brodskiego i Ilyi Utkin („Most nad przepaścią w wysokich górach”, 1987), wisząca między przepaścią w dole a otchłanią na górze, jest obrazem Heideggera: miejsce człowieka jest nie tylko między lewą a prawą, ale także między niebem a piekłem. Nawiasem mówiąc, łatwo sobie wyobrazić taką atrakcję gdzieś w południowych górach. Ogólnie rzecz biorąc, główne wrażenie z książki: architektura konceptualna nie jest przestarzała. W mieście można zbudować wiele rzeczy i nie będzie to gorsze niż „kosz” Heatherwick - taras widokowy niedawno otwarty w Nowym Jorku. Jego prototyp z 1987 roku znajduje się na stronie 173.
Teksty czyta się jak bajki lub wiersze. Na przykład ta sama przedmowa Brodsky i Utkin do Forum Tysiąca Prawd projektuje następujący poetycki fragment: „Spędzamy lata wędrując w poszukiwaniu wiedzy, aż w końcu zdajemy sobie sprawę, że niczego się nie nauczyliśmy. Niczego nie potrzebowaliśmy, prawdziwych informacji nie da się kupić, są one dostępne dla tych, którzy mogą oglądać, słuchać, myśleć. Jest rozrzucona wszędzie - w każdym miejscu, pęknięciu, kamieniu, kałuży. Jedno słowo przyjaznej rozmowy dostarcza więcej informacji niż wszystkie komputery na świecie”.
Gdybym zapytał, który z dzisiejszych portfeli utrzymywał kontakt z tymi snami z lat 80., to wymieniłbym samego Biełowa, Brodskiego, Kuźembajewa, Utkina, Filippowa i Awwakumowa. Michaił Filippov dosłownie wcielił swój manifest, sformułowany akwarelami w 1984 roku, o przekształcaniu miasta przemysłowego w tradycyjne. Tematy antybabilońskiej wieży, Atlantydy, Niebiańskiej Jerozolimy są realizowane w zrealizowanych przez niego moskiewskich dzielnicach oraz w Gorki-Gorod w Soczi. Michaił Biełow w tej chwili udał się w cichy obszar kamieni i marmuru i jest mniej skomplikowany niż jego artykuł „Wystawa domowa na terenie muzeum XX wieku” (nawiasem mówiąc, można to również zbudować w mieście), ale domy „pompejańskie”, „cesarskie” i szkoła w Żukowce miały całe programy teatralne, dość papierowe w duchu. Aleksander Brodski nie oddalał się od instalacji, od sztuki, zawsze z nimi graniczył: restauracja „95 stopni” czy rotunda w Nikola-Lenivets - a właściwie architektura konceptualna, ucieleśniona w rzeczywistości. Ilya Utkin zawsze pozostawała marzycielem, patrząc na pole semantyczne budynków: restaurację Atrium, willę w Białym Domu, wielopiętrowe Noble Nest w Levshinsky i scenografię baletu Paris Flame w Bolszoj. I całkiem w duchu papierowym, projekt uszlachetnienia panelowej breżniewki ryzalitami. Totan Kuzembaev w drewnianej awangardzie: House-Telescope, House-Bridge i innych budynkach - również zachował marzycielstwo portfeli, chociaż na pozór jego papierowe wizje - pajęczyny mirażowych miast są zupełnie inne. Jego niedawny projekt drewnianych pięciopiętrowych budynków - zrealizowana utopia - kojarzy się z humanizmem boomarchy: on, jak mówi Fry, zamienia słabość w siłę, sypialnię z podobnymi domami w środowisko przyjazne człowiekowi, bo podobne domy zbudowane są z drewno jest możliwe. Yuri Avvakumov, zajmujący się koncepcyjnym projektowaniem wystaw, utrzymywał również związek z architekturą papierową. Większość innych autorów przedstawionych w książce osiągnęła uznanie i zrealizowała się w wielkiej architekturze. Ich budynki są znaczące, ale ich marzenia pozostały w papierowych projektach. Wspomniani trzej tradycyjni architekci, dwaj ekologicznie nastawieni mistrzowie architektury drewnianej i jeden autor wystawy zachowali otwarty w latach 70. i 80. korytarz metafizyczny, który stamtąd nadal czerpie. Architektura papieru jest fenomenem kultury światowej tego samego rzędu co filmy Tarkowskiego czy muzyka Pärta, ponadnarodowa, uniwersalna, wywodząca się z tego samego źródła. Chciałbym, żeby to źródło nie wyschło.
***
Fragment książki Jurija Awwakumowa „Architektura papieru. Antologia"
Nazwa
Nazwa wystawy narodziła się prawie przypadkowo, kiedy Andrei Savin i ja robiliśmy makietę broszury wystawy, wycinaliśmy i wklejaliśmy przepisane teksty - taką techniką był kolaż, z którego przygotowywaliśmy makiety dla drukarni - makieta w ostatniej chwili, kiedy nie było czasu na porozumienie się z naszymi towarzyszami. Można powiedzieć, że decyzja o nazwie wystawy „papier” wynikła z procesu druku „klej - nożyczki”. I choć wciąż istniała alternatywa nazywania wystawy „architekturą sztalugową”, to przymiotnik „papier” bardziej pasował do architektury - papier jak w słynnej grze zwyciężył kamień. Vigdaria Efraimovna Khazanova, specjalistka od architektury awangardowej, poparła pomysł nazwania wystawy profesjonalnym przekleństwem. I od razu usiadł na niezdatnej do walki figurze, jak specjalnie uszyta … A Selim Omarovich Khan-Magomedov, słynny badacz lat dwudziestych, próbował odwieść z mocą wsteczną: „Imię szokuje, ale masz już dobrą robotę. Nie musisz kołysać łodzią, wiesz, i tak wszyscy jesteśmy chorzy. Naprawdę doceniał fenomen architektury papierowej, stawiając go na równi z rosyjską awangardą architektoniczną lat dwudziestych i stalinowskim neoklasycyzmem lat trzydziestych.
Muzeum
W 1985 roku w Moskwie odbył się festiwal młodzieży i studentów. W Centralnym Domu Artystów zorganizowano wystawę młodych architektów radzieckich: budynków i projektów, wśród których było sporo konkurencyjnych, „papierowych”. Zostaliśmy zaproszeni na tę wystawę w Lublanie, do wiodącej galerii SKUC, stąd w 1986 roku odbyła się pierwsza zagraniczna wystawa architektury papierowej. Otóż „dalej - wszędzie” - wystawy w Stowarzyszeniu Architektów w Londynie, w La Villette w Paryżu, w Niemieckim Muzeum Architektury we Frankfurcie, w Funduszu Architektonicznym w Brukseli, w Zurychu, zwiedzanie czterech uniwersytetów w Ameryce. Po Ameryce w 1992 roku wystawa wróciła do Moskwy, wystawiłem ostatnią, jak mi się wydawało, wystawę w Moskiewskim Instytucie Architektury, zatytułowaną „Architektura papieru: Alma Mater” i przygotowałem się do rozwiązania wystawy, ale wtedy Capital Savings Pojawił się Bank, który w tym momencie aktywnie tworzył własną kolekcję. Kuratorem była Marina Loshak. Tym samym najlepszy, wyselekcjonowany fragment papierowej architektury był własnością prywatną. Dziesięć lat później, gdy właściciel banku, ze znanych powodów politycznych, zaczął pozbywać się różnych aktywów, kolekcja, za moją sugestią, przeniosła się do Muzeum Rosyjskiego, gdzie Aleksander Borowski i jego dział najnowszych trendów chętnie zaakceptował to.
Fin de siecle
Ostatnia wystawa w Moskiewskim Instytucie Architektury nie była ostatnią w historii papierowej architektury, ale była to już tak naprawdę historia - historia sztuki. Do końca lat 80. objazdowa wystawa była uzupełniana o nowe prace, ale później - już nie. Upadek ruchu nastąpił z różnych powodów: i dlatego, że wszystko, co dobre, dobiega końca; a ponieważ w latach 90. architekci w Rosji zajmowali się głównie przetrwaniem materialnym - nie ma czasu na twórcze eksperymenty; a ponieważ era papieru jako materiału dla architektów dobiegła końca - deskę kreślarską, papier, kalkę kreślarską, atrament, ołówek, linijkę, wkładkę atramentową i gumkę zastąpiły myszy komputerowe, monitory i obrazy. Tak więc papierowa architektura okazała się miejscem, w którym jest najlepiej zachowana, czyli nie na placu budowy, ale w muzeum. Symboliczne jest to, że jego upadek nastąpił pod koniec wieku i tysiąclecia.
O nas
Kiedy w latach 70. weszliśmy do instytutu architektonicznego, nie myśleliśmy, że zostaniemy ostatnim pokoleniem radzieckich architektów - jak wiecie, w 1991 roku rozpadł się Związek Radziecki. Kiedy nauczyliśmy się przedstawiać nową architekturę ołówkiem, tuszem, piórem, farbami, nie mieliśmy pojęcia, że będziemy ostatnimi, którym zostanie przeniesiona ta umiejętność rękodzieła - teraz architektura jest przedstawiana za pomocą programów komputerowych. Kiedy zaczynaliśmy w latach 80. startować w konkursach pomysłów architektonicznych i zdobywać międzynarodowe nagrody, nie spodziewaliśmy się, że prace te trafią do zbiorów Muzeum Rosyjskiego, Galerii Trietiakowskiej czy Centrum Pompidou … Wszystko to sugeruje, że architekci są nieważnymi wizjonerami. Ale przyszłość jest w przedstawionych tutaj projektach. Przyszłość, w której żyjemy lub w której możemy żyć. Przyszłość wyobrażona graficznymi środkami przeszłości. Prywatna utopia w totalnej dystopii.
Bajki
Co ciekawe, w przeciwieństwie, powiedzmy, do architektury prawdziwych budynków, projekty koncepcyjne z lat 80. nie są zbyt przestarzałe. Głównym powodem może być to, że architekt, będąc wolnym od klienta i specyficznych uwarunkowań miejsca, w swoim „projekcie projektowym” wymyślił jednocześnie zarówno obiekt architektoniczny, jak i środowisko, w którym występował jako Deus ex machina. Pojawienie się architekta jako twórcy jest w dzisiejszych czasach rzadkością, pamiętajmy, jak w Rosji współcześni klienci są popychani przez architekta, nawet jeśli jest zdobywcą nagrody Pritzkera. I tutaj prawie każdy projekt ma wspaniały świąteczny nastrój - oto jakaś przygnębiająca, uboga, nędzna, bezradna, nudna, zapomniana osada, ale pojawienie się bohatera-architekta ze swoim dziełem - wszyscy zastygają w zdumieniu: na krawędzi o ponurym mieście kryształowy pałac; wesoły teatr objazdowy wpływa do zatoki; w monotonnym chaosie współczesnych budynków odkrywa się altanę do medytacji; podwórka mieszkalne są pełne płaskich hektarów dziewiczej przyrody … Bajki nigdy się nie starzeją. Dystopia łączy się w nich z utopią - a każdy wierzy w cud, widz-czytelnik papierowego projektu zaczyna wierzyć, że nie wszystko wokół jest tak ciemne, że wciąż jest nadzieja, że architekt przyjdzie, zaświeci reflektorem i znajdzie wyjście awaryjne do lepszej przyszłości.
Fragment książki Jurija Awwakumowa „Architektura papieru. Antologia"
