Równoległy program XIV Biennale Architektury w Wenecji obejmował ekspozycję, która wydaje się nie mieć nic wspólnego ze sztuką architektury. Mowa tu o wystawie „Po drugiej stronie czerwonych drzwi” czołowej postaci nieoficjalnej sztuki ZSRR Michaiła Rogińskiego. Jego prace z lat 1978-2001, okresu emigracji paryskiej, zostały przywiezione przez Fundację Michaiła Rogińskiego oraz w artibusie, na czele z patronką Inną Bazhenovą. Ekspozycja została przygotowana we współpracy z wdową po mistrzu Lianą Shelia-Roginską.
Dlaczego malarz jest na Biennale Architektury? To nie jest takie proste. Kuratorka wystawy Elena Rudenko wyjaśniła, że strategia Roginsky'ego polegająca na rozbiciu świata na elementy wstępne (drzwi, stół, półka, krzesło, wanna, butelka) jest dość spójna z ideą Fundamentals, którą sformułował kurator Biennale Rem Koolhaas i wyznaczyła kierunek głównej wystawy festiwalu.
Jak pamiętamy, główna wystawa w centralnym pawilonie Giardini nosi tytuł Elementy Architektury. Przedstawia określony katalog modułów, z których składa się budynek: sufit, okno, podłoga, balkon, łazienka, drzwi itp. Wystawa wyróżnia się jako przykład propedeutyki architektury, trójwymiarowego podręcznika do nauczania alfabetu form architektonicznych. Artykuły encyklopedyczne, które towarzyszą demonstracji próbek dachów i toalet, mogą stać się podstawą streszczeń niektórych dociekliwych młodych mężczyzn i kobiet z uczelni architektonicznych i uniwersytetów. Problem w tym, że w komunikowaniu się z tą encyklopedią żywiołów nie ma osobistych emocji i wypowiedzi autora, artysty-twórcy. Ekspozycja Roginsky'ego rozwiązuje ten problem. On także mówi o protoformach naszego istnienia i życia. Jednak każdy z nich zostaje uchwycony na portrecie i naładowany energią życiową, którą zdobywa sam artysta.
Wchodzących na Uniwersytet Ka'Foscari, gdzie znajduje się wystawa Roginsky'ego, witają jego legendarne czerwone „Drzwi”. To jest obiekt z 1965 roku. Nie znaleziony, jak mogłoby się początkowo wydawać, ale stworzony specjalnie i mający absolutnie „portret”, jak „Czarny kwadrat” Malewicza, plastyczność, a nawet wyraz twarzy. Wspaniała jest praca z powierzchnią, którą artysta przygotowuje tak biżuterię (z dbałością o wszelkie zadziory, krople farby i spękania), że szorstki produkt nabiera jakości unikalnego klejnotu, czegoś w rodzaju zaszyfrowanego autoportretu artysty. autor.
Tak więc już na wyciągnięcie ręki zwiedzający wystawę nabiera wymiaru człowieczeństwa w komunikacji z obojętnym na ten problem międzynarodowym modernizmem bloków i mieszkań. Dalszy ruch wspiera i rozwija ten temat „mierzenia człowieczeństwa”. Świetnie, że architekturę wystawy wykonał guru rosyjskiego modernizmu Jewgienij Ass. Pracę umieścił na dwóch piętrach. Sam układ głównego apartamentu Uniwersytetu Ca'Foscari jest prosty: duży korytarz z widokiem na Canal Grande. Równolegle do niej ciągnie się szereg małych, średniowiecznych sal z drewnianymi stropami, a czasem kominkami. Ass celowo utrudniał odczuwanie kosmosu. Pociął wszystkie apartamenty drewnianymi fałszywymi ścianami. Każdy pokój zbudowany w starożytności był pomalowany na kolor obrazu Roginsky'ego (delikatne odcienie różu, zieleni, granatu, mlecznej bieli, ochry). Okazało się, że to coś w rodzaju labiryntu. Widz wędruje po zakamarkach świadomości mieszkańca sowieckiego chruszczowa i mieszkań komunalnych. Rozmowę prowadzą rzeczy zamieszkujące pokoje takich mieszkań.
Jedno pytanie do Evgeny Assu
Archi.ru:
- Jewgienij Wiktorowicz, jaki efekt chciałeś osiągnąć w projekcie ekspozycji?
Evgeny Ass:
- Efekt to nie jest właściwe słowo - starałem się osiągnąć pewną kongenialność przestrzeni wystawienniczej obrazu Roginsky'ego. I nie mówiłbym o labiryncie, ale o trudnej trajektorii ruchu w malowniczej przestrzeni. Połamane kształty sal, dramatyczne przejścia przestrzenne (wszystkie otwory są zrobione inaczej), nieregularne zawieszanie prac - to dla mnie wszystko „architektura malarstwa” Rogińskiego.
W pokojach jest dużo rzeczy i są one gromadzone w sekcjach. Pierwsza to „ABC dwuwymiarowości”. Działa 1978-1980. Półki z butelkami i naczyniami. Celowo brutalnie pomalowany tanim akrylem na tanim papierze lub tekturze. Obdarzony jakąś zwierzęcą, prymitywną siłą. Dzikie malarstwo jest podobne do fowizmu: pozorne zaniedbanie pochodzenia najbardziej arystokratycznego. Precyzja i głębia koloru oraz piękno relacji tonalnych działają jak oświetlony słońcem witraż.
W sekcji „Wnętrze. Sceneria. Figure in Space”przedstawia prace z lat 1981-1982. To wizualna rekonstrukcja przez Roginsky'ego tych mieszkań, które były znane z czasów radzieckich. Artysta mieszkał już w Paryżu i malował z pamięci pokoje z abażurem, łazienkami i schodami. Nie chciał nikogo zadowolić. Jego credo polegało na uwolnieniu sztuki od piękna i sztuczności, na maksymalnym zacieraniu dystansu między malarstwem a życiem. W końcu mają jedno żywe pokrewieństwo. Dlatego jego wnętrza są celowo ubogie i kruche. Zadymione wanny, zakurzone kaloryfery, szorstkie stoły i krzywe drabiny. Dwumetrowe obrazy wykonane są na papierze akrylowym w technice niemal monochromatycznej: szare zabarwione na różowo. Mimo to wchodząc oczami do tych wnętrz nie odczuwamy niższości i dyskomfortu. Subtelna praca z przestrzenią i delikatnymi niuansami powierzchni w tej samej tonacji sprawiają, że obraz jest wykwintny i bardzo szlachetny. Nie inaczej jest w tych komunalnych wnętrzach sowieckiego modernizmu skrawki intelektualnych sporów o Bachtina i Szkłowskiego (toczyły się one właśnie w przestrzeni wspólnych kuchni).
Jedna praca na wystawie trafnie nawiązuje do ewentualnego sympatyka Rogińskiego w sensie tworzenia celowo brzydkiego i niegrzecznego, ale jednocześnie wyrafinowanego i pięknego w subtelnym wcieleniu sztuki. Ta praca to „Fryzjer”. We mgle poranka radziecki fryzjer zręcznie nożycami włosy klientki siedzącej przed lustrem. Cóż, oczywiście, odpowiednikiem Rogińskiego w tym przypadku jest Michaił Fiodorowicz Łarionow ze swoimi fryzjerami, niezdarna pantomima życia prowincjonalnych miast, celowo bezmyślne malowanie, a przy tym oszałamiająca kultura koloru i przestrzeni. Roginsky'ego i Larionova łączy rozumienie zwyczajnego i banalnego środowiska miejskiego jako wyjątkowego źródła artystycznych pomysłów i obrazów.
Dziś zarówno w Rosji, jak i na świecie trwa proces rehabilitacji tej bezosobowej, blokowej architektury lat 60. - 80., która na razie w inteligencji była nieprzyzwoita do miłości, a nienawidziła Bontonu. Dziś młode pokolenie znajduje się właśnie w drugiej fali powojennego modernizmu, poszukującego przykładów stylu antyburżuazyjnego odpowiadającego na problemy społeczne. Wiele pawilonów obecnego Biennale jest poświęconych modernistycznej zabudowie krajów lat sześćdziesiątych i osiemdziesiątych.
Jak inspirujesz widza do kontaktu z tą obojętną architekturą? Jak ją ożywić? Roginsky pomaga znaleźć odpowiedź. Ostatnia część wystawy nosi tytuł „Malarstwo powracające” (1991-2001). Przedstawia obrazy (płótno, olej) z widokami zakątków Moskwy, które artysta mieszkający w Paryżu napisał z pamięci. Różowe domy z rzędami identycznych okien, niebieskimi barakami, szarymi ulicami i wejściami wyglądałyby przygnębiająco i bezradnie, gdyby nie energia miłości i współczucia emanująca z każdego płótna. Do świata, który artysta opuścił dawno temu, ale który pozostał z nim na całe życie.
Wystawa czynna do 28 września.
