Temat Biennale, zapowiedziany przez kuratorów Yvona Farrela i Shelley McNamara, jest jak zawsze niejasny, ale niezbyt niejasny. Z nazwy - FreeSpace, czyli Free Space, nawiasem mówiąc, na wielojęzycznym wygaszaczu ekranu Biennale te rosyjskie słowa są duże i gorsze tylko od angielskiego - jest oczywiste, że mówimy o przestrzeniach publicznych, temacie, który w ostatnich latach udało się utworzyć dobry rowek w kształcie pierścienia u wszystkich zaangażowanych w kory mózgowej. Tak więc na konferencji prasowej kuratorzy wyjaśniali, że tak, oczywiście, przestrzenie publiczne, ale nie bezpośrednio oni i nie tylko oni, zachęcając do zastanowienia się, jak istniejące przestrzenie pozwalają poczuć się wolnymi, przywołując emocje wolnej przestrzeni i wewnętrznej wolności. wyjaśniając, że to nie tylko przestrzenie między budynkami, ale także połączenia i interakcje między nimi. Jakoś trzeba, przynajmniej kątem oka, pokazać projekty i budynki architektów zaproszonych przez kuratorów - w tym roku w Arsenale jest ich 65 i od razu powiem, że nie ma. Rosjanie. Diller Scofidio + Renfro biorą udział drugi po prawej stronie od wejścia, ale nie pokazują Zaryadye, ale 14-piętrowy budynek Centrum Edukacji Medycznej Roya i Diany Vagelos na Columbia University w Nowym Jorku: „… budynek zachęca do nauki zespołowej, jej głównym recepcji jest edukacyjna Kaskada, ciąg wzajemnie połączonych przestrzeni, jasnych i nasyconych powietrzem. … W odróżnieniu od konwencjonalnych placówek medycznych, gdzie głównym celem jest optymalizacja każdego metra kwadratowego, jest elastyczny, dostosowuje się i zwraca uwagę na doznania”- tak sam projekt ujawnia tematykę Biennale. Słychać było zachwyt.
Ale motyw przestrzeni publicznej z pewnością wpłynął na wystawę. Nie tylko wszyscy zostali ponownie zachęceni do myślenia nie do końca o budynkach, ale o tym, co jest między nimi - pamiętajcie o tajemniczym „Out there” Aarona Betsky'ego - więc również przestrzeń powinna być wolna. Nic dziwnego, że prawie każdy wystawca oferował ławki w takiej czy innej formie, od poduszek po miejsca, w których można się nawet trochę położyć. To bardzo dobra innowacja: wiadomo, że Biennale to nogi, wystawa jest ogromna, a nie każdy wilk dotrze do końca. Choć w tym roku wydaje się trochę mniejszy, ponure aparaty Giardino delle Vergini nie są niczym zajęte. Inaczej, jak zawsze, instalacje konkurują oryginalnością i głębią, wybierając gatunek pomiędzy prezentacją projektów i badaniami, budową schodów na sufit, skąd widać z góry sale Arsenału - jest ich szczególnie dużo, każdy z roku na rok - medytacyjne pokazy świetlne i muzyczne, plastiki architektoniczne, minimalizm do samozaparcia i tak dalej.
Komentarz kuratorów jest lakoniczny i rozłożony na dwie sale - przy wejściu, za zasłoną z lin, przypominającą pierwotne przeznaczenie Corderiego: wykonano w niej liny, „była to przestrzeń robocza, a teraz przestrzeń komunikacji”. W pierwszej linii kuratorzy nazywają budynek aktywnym uczestnikiem wystawy, podziwiają jego 317 m długości i określają - linijka, którą narysowali na podłodze, porównuje stare weneckie stopy, piedi i jednostki metryczne. Na suficie na całej długości Corderie wyświetlane są litery z tym samym emblematem obecnego Biennale - nawiązują one do blasku słońca od wody, który tak często można zobaczyć na suficie w mieście. Wszystkie eksponaty „reprezentują aspekty pracy ich autorów” i odpowiadają różnym częściom manifestu, wyjaśniają Farel i McNamara. Punkty to: kultura, materialność, przestrzeń możliwości, ruch, czas, pamięć i dary Natury.
Pierwsi uczestnicy od wejścia właśnie prezentują swoje projekty: Brytyjczyk McLaughlin - w formie obrotowego drewnianego stołu w duchu modeli Leonarda, z rozgwieżdżonym niebem na blacie; w dniu otwarcia sam obrócił stół, co jest dość trudne.
W pobliżu Takahara Tezuka prezentuje swoje owalne przedszkole Fuji: animowany model projekcyjny pokazuje, jak dzieci biegają nie tylko po podwórku, ale także po dachu, a goście obawiają się, że nie upadną.
Architekci pokazują swoje prace, ale często, szukając tematu Biennale i szukając „wolnej przestrzeni”, sięgają do przykładów z historii - na przykład Arrea Architecture ze Słowenii: „… nasz projekt dotyczy placu i drzewo . Jednym z placów jest katedra.
Inna opcja - Weiss / Manfredi, zaproszeni zdecydowanie jako autorzy wykwalifikowani w budowie parków i budynków publicznych, pokazują 2/3 swoich prac i około jednej trzeciej historycznych analogii, most Shah Abbas w Isfahanie i, że tak powiem, Opera w Sydney, umieszczając się w kontekście.
Biuro Gumujana, zwane na Biennale Brytyjczykami, pokazuje projekty dla Trasy Zakaukaskiej, analogu norweskiej drogi turystycznej: serię interwencji przestrzennych na długości 750 km. Mosty, wiaty, pomosty i inne inkluzje krajobrazowe, które mają powstać w ciągu 10 lat przy zaangażowaniu wolontariuszy. Trasa nie jest przeznaczona dla „turystyki przemysłowej” - wyjaśniają autorzy, ale doskonale wpisuje się w tematykę wystawy i generalnie zadziwia skalą i delikatnością pracy z naturą. Góry tektury falistej ze złotymi plamami wzorów są bardzo atrakcyjne.
Ekspozycja DNA chińskiego biura nawiązuje znaczeniem do ormiańskiego i pokazuje również bardzo wysokiej jakości inkluzje krajobrazowe - amfiteatry i mosty w kantonie Sonyan, będące częścią projektu rewitalizacji regionu. Nazywana „akupunkturą architektoniczną”. Wykorzystywane są lokalne materiały i technologie budowlane.
Hiszpanie Flores & Prats na szeroką skalę pokazują swój projekt przekształcenia opuszczonego budynku spółdzielni robotniczej, zbudowanej w Barcelonie w 1924 r., W przestrzeń teatralną, budując jej fragment w pełnym rozmiarze i okazało się, że z przodu słynne ławki, z tyłu sceny ze szczegółową, w różnych układach, opowieścią o projekcie.
Wśród instalacji - mikro-przestrzeni publicznych, być może pierwszą z nich jest zaskakująca atrakcja Alison Brooks w obudowie ze sklejki. Połączyła cztery pawilony, dwa z dezorientującymi lustrami, jeden z perspektywą wznoszących się łuków, które można oczywiście obserwować i fotografować leżąc na peronie, co wszyscy robili. Oczywiście był amfiteatr. Praca biura jest w skromnych książeczkach na linach. Siedzimy na amfiteatrze i patrzymy. Wszystkie części instalacji w taki czy inny sposób współgrają z rozwiązaniami architektonicznymi firmy Brooks.
Jednak, jak już wspomniano, w tym roku jest dużo schodów do sufitu.
złoty Lew
udał się do Kennetha Framptona, podczas gdy w Corderie, Rafael Moneo, być może, gra rolę „luminarzy” z oświadczeniem:
Oraz Mario Botta, który zebrał błędy i klasyczne fasady w puszce ze sklejki. A wszystko to jest dziełem kilku grup studentów pierwszego roku. Tematem jednej grupy jest wprowadzenie do projektu architektonicznego, druga to patrzeć, widzieć, obserwować, wyobrażać sobie. „Architektura przede wszystkim bada przestrzenność ludzkiego życia i przekształca je, tworząc nowe powiązania przestrzenne” - głosi opis. „… Dlatego architekci muszą przede wszystkim pamiętać o odpowiedzialności, a przyjmując rolę interpretatora historii pamięci zbiorowej, muszą trzymać się silnego przekonania, że nie tyle wymyślają, ile przepisują starożytny” akt. konstrukcji w nowoczesny sposób.
Alejandro Aravena szybko napisał swoje zasady, na papierze i na ścianie.
Znalazło się miejsce na poduszki - w instalacji Benedetty Tagliabue pt. „Woven Architecture”. „Wolna przestrzeń daje poczucie przynależności i pewnego rodzaju szczęścia” - komentuje architekt.
… i dla „renesansowej” sepii - od Hiszpanów De Blacam & Meagher; pokaz projektu stylizowany jest na narkomana.
Australijscy architekci John Wardle zbudowali fajkę podobną do camera obscura, z której zdjęto draperię i nazwali ją tajemniczo „Gdzieś innym”.
Długa metalowa konstrukcja z falistym dachem reprezentuje dach zbudowany przez Norwegów Jensen & Skodvin nad źródłem Moya. Możesz wejść do środka.
Włosi architekci Laura Peretti pokazują projekt rewitalizacji Corviale, słynnego bardzo długiego modernistycznego domu, albo miejskiego horroru, albo pomnika doświadczeń powojennej architektury.
I wreszcie, na końcu 317 metrów, Corderi spierają się między sobą o przezroczystość i dematerializację Kazuyo Shojimy / Ryue Nishizawa za pomocą plastikowej instalacji, która żywo przypomina żyłki Junio Ishigami, które 10 lat temu zostały rozdarte przez kota, oraz Ricardo Bloomer z płótnami baniek mydlanych sterowanych wyrafinowaną automatyzacją, przedstawiających „Ekstremalne warunki wolnej przestrzeni” i jednocześnie - eksperymentalne praktyki edukacyjne autora. Być może w sensie dematerializacji ten ostatni wygrywa, ale przelew baniek mydlanych - o dziwo - jest prawie niemożliwy do sfotografowania.
Ostatni przedmiot Corderiego - „Doświadczenie przestrzenne”, hipostyl Valerio Olgiatiego, kończy spór.
