Wystawa grafiki architektonicznej „Tylko Włochy!” Jest otwarta dla publiczności w Budynku Inżynierskim Galerii Trietiakowskiej. Połowę ekspozycji stanowią przedmioty ze zbiorów Fundacji Siergieja Czobana, połowę - rysunki z Państwowej Galerii Trietiakowskiej, a nieco więcej - prace czterech współczesnych artystów-architektów: Maxima Atayantsa, Siergieja Kuzniecowa, Michaiła Filippowa i Siergieja. Tchoban.
Wystawa jest absolutnie niesamowita z wielu powodów. Przede wszystkim wysokiej jakości grafiki architektoniczne to materiał, który rozporządza sobą. Oglądanie go od arkusza do arkusza, szczegółowe badanie loków, cieni, sztafażu, porządku to doskonała przyjemność.
Z drugiej strony nie można powiedzieć, że architekci są często pokazywani w Galerii Trietiakowskiej. Prawie nigdy ich tam nie widać. I tutaj - ekspozycja połączyła nie tylko rzeczy z magazynów galerii, te, które mają niewielkie szanse na pokazanie w innym czasie, z arkuszami z kolekcji funduszu Tchoban przechowywanymi w Berlinie. W centrum wszystkiego, podobnie jak w koronie stworzenia, znajdują się rysunki współczesnych architektów.
Projekt ekspozycji należy do biura SPEECH i Siergieja Tchobana, który dzieła swoich współczesnych (w tym własne) urządził w małej rotundzie; w otaczającej go galerii eksponowane są grafiki XX wieku; w oddali, w dwóch kolejnych prostokątnych przestrzeniach, eksponowane są arkusze z XVIII - XIX wieku, podzielone na dwa bloki: „Narodziny tematu” i „Rossika” (prace cudzoziemców w Rosji). W ten sposób chronologia rozchodzi się w przestrzeni ekspozycji w kręgach, a ściślej rzecz biorąc, zbiega się od przeszłości do teraźniejszości: coś w rodzaju kręgów na wodzie, tylko na odwrót.
Należy zauważyć, że SPEECH dość konsekwentnie rozwija motyw okrągłej sali w swojej pracy z projektowaniem wystawy: wystarczy przypomnieć wystawę „Muzeum Grafiki” w ArchMoscow w 2013 roku (kiedy berlińskie Muzeum Grafiki nie było jeszcze otwarte), czyli dwa projekty ekspozycji rosyjskiego pawilonu na weneckim biennale architektury: malownicza diorama miasta Wyszny Wołoczok z 2010 roku oraz „Panteon” z QR code 2012, ostatnio
odtworzone w Żaryadye. W projektowaniu współczesnych wystaw okrągłe hale są dość rzadkie - przestrzeń rotundy nie jest zbyt dogodna do wystawiania, gdyż przytłacza eksponaty i sama w sobie wygląda na ważniejszą i cenniejszą. To świątynia, a nie muzeum, miejsce koncentracji czy nawet służba.
Ta jakość naboju jest podkreślona i zastosowana w zawieszeniu. Grafiki Nowego Czasu wystawiane są zgodnie ze wszystkimi zasadami wystawiania muzeów i z należytym szacunkiem. W rotundalnej przestrzeni po lewej stronie arkusz graficzny przestaje być wartościowy, stając się podporządkowaną częścią działki przestrzennej. Arkusze Atayants, Kuznetsov, Filippov, Choban są zawieszone w dwóch rzędach, bez zwracania uwagi na każde pojedyncze dzieło jako wartość muzealną (grafika XX wieku w okrągłej galerii służy jako przejście, samo wirowanie usuwa już muzeum rygor).
Znaczenie tego stwierdzenia jest wystarczająco jasne. Współczesna grafika nie jest tu do końca eksponatem, a raczej deklaracją samego faktu jej istnienia - misji kontynuacji i rewitalizacji tradycji klasycznego rysunku. Jest częścią wyimaginowanej świątyni sztuki, a kolekcja historyczna jest czymś w rodzaju zakrystii, repozytorium cennych okazów.
Charakterystyczne jest, że plastikowa wypowiedź wnętrza, tak subtelnie interpretująca treść wystawy, pozostaje w ramach języka klasyki. Zupełnie bez zamówienia, ale szczegóły i przeżycia przestrzenne dodają do okrągłej hali rzeczywiste arkusze graficzne. To jego efemeryczna architektura. Weźmy na przykład okrągłą stronę Panteonu, wyrażoną zgrabnie narysowanym cokołem wyładowczych łuków: „panteon w panteonie” kontynuuje rozpoczętą grę dalej, już w wyimaginowanej przestrzeni za płaszczyzną arkusza grafiki.
Do tego, co zostało powiedziane, należy dodać, że wystawa, poczynając od „założycieli” XVIII wieku, dalej zgłębia specyficznie rosyjską tradycję podziwiania Włoch, a bliżej XXI wieku okazuje się, że tradycja ta nabrała tu pewnej cechy zupełnie szczególne, nie pozbawione nuty podziwu i, w dobrym tego słowa znaczeniu, obsesji, którą tak subtelnie oddaje świątynny kształt sali. Nikt nie wyznaje tak szczerze studiów nad antykami jak Maxim Atayants; nikt nie myśli, że jego architektura zrodziła się z akwareli, jak Michaił Filippov; nikt nie jest tak przywiązany do wewnętrznej wartości gatunku grafiki architektonicznej, jak Siergiej Czoban, który stworzył jego muzeum, czy Siergiej Kuzniecow, który nieustannie wyjeżdża na plener. Rezultatem jest niejednorodne, ale z pewnością wyjątkowe zjawisko.
Rozmawialiśmy ze wszystkimi czterema wystawcami Salonu Współczesnego.
***
Sergey Choban Archi.ru:
Czy to rzeczywiście największa w tej chwili wystawa rysunków architektonicznych z udziałem Waszej fundacji?
Sergey Choban:
- Myślę, że tak. Zarówno pod względem liczby prezentowanych prac, jak i omawianego okresu, jest to największa wystawa. Oto prace wybitnych autorów zachodnioeuropejskich, założycieli szkoły rysunku architektonicznego XVIII wieku oraz ogromna liczba grafik wybitnych rosyjskich artystów i architektów, którzy aktywnie działali w tym kontekście.
Wystawy grafiki architektonicznej organizowane przez Waszą fundację kształtują się już w określonej kolejności. Czy istnieje ogólny plan, wektor rozwoju, czy też fabuła jest za każdym razem na nowo wymyślana?
S. Ch.: Ogólnie rzecz biorąc, za każdym razem jest wymyślana od nowa, chociaż mamy pewne zasady. W szczególności staramy się współpracować z wybitnymi instytucjami muzealnymi. Jeden z naszych kolejnych projektów będzie realizowany wspólnie z Albertiną z Wiednia. Dr Schroeder [dyrektor Muzeum Albertina w Wiedniu - Archi.ru] był w salach naszego muzeum w Berlinie i wyraził chęć wykonania wspólnego projektu - bardzo się z tego cieszymy i jesteśmy dumni z tej propozycji. Są też inne projekty.
Są plany współpracy z Muzeum Architektury Shchusev, myślę, że to bardzo ważne.
Jesteś kolekcjonerem, grafikiem, projektantem, architektem - jak to się ma do siebie?
S. Ch.: Wydaje mi się, że są to różne ogniwa tego samego zawodu. W kontekście historycznym architekci byli także artystami; zajmowali się nie tylko budynkami stolicy, ale także scenografią, przedstawieniami teatralnymi.
Do XX wieku architekci nie mieli fotografii …
S. Ch.: Myślę, że fotografia nie ma takich samych celów jak rysunek architektoniczny. Rysunek oddaje najważniejszą część ludzkiej kreatywności - architekturę, którą człowiek tworzy w naturalnej przestrzeni.
Tymczasem Maxim Atayants i Michaił Filippov zajmują się architekturą klasyczną, ale ty nie
S. Ch.: Oczywiście, że nie, nie jest to bezpośrednio związane z architekturą, którą wykonujemy. Wydaje mi się, że badanie architektury przez rysunek może prowadzić do zupełnie innych rezultatów: jest to badanie proporcji i efektów przestrzennych, tkaniny i detalu. Nie bez powodu dzisiaj, nie tylko w języku rosyjskim, ale także w wielu europejskich szkołach, ponownie wiele uwagi poświęca się rysowaniu, bo tylko poprzez rysunek można zobaczyć, jak łączone są ze sobą materiały o różnych konstrukcjach, jak Tkanina z najdrobniejszych szczegółów wpada w siebie.
Twoje rysunki na wystawach są zawsze bardzo skończonymi pracami, czerpiącymi z natury. Dlaczego nie pokazujesz szkiców?
S. Ch.: Po pierwsze, temat tej wystawy jest dość określony, nie sugeruje niczego innego. Po drugie, same rysunki muszą mieć niezależną jakość. Szkice nie zawsze mają tę jakość.
Czy twój obraz wyrasta bardziej z twojej kolekcji, czy z twojej architektury?
S. Ch.: Myślę, że mimo wszystko kolekcja wyrosła z rysunku. Wiele architektury, którą wykonuję, wyrasta z rysunku. Po prostu nie rośnie prosto. Nie ma czegoś takiego, że narysujesz budynek z okresu starożytnego, a następnie zaprojektujesz coś podobnego. Następnie projektujesz coś innego, bo prawa rozwoju przestrzeni są inne.
*** Trzem pozostałym uczestnikom wystawy udało się zadać to samo, w tym przypadku ważne, pytanie: czy ich grafika różni się od historycznej, a jeśli tak, to w jaki sposób.
Maxim Atayants
Czym Wasze grafiki różnią się od tych historycznych prezentowanych na wystawie?
M. A.: Grafika jest tu tak inna … Mam wrażenie, że czterech współczesnych wystawców różni się od siebie prawie tak samo, jak od tych, którzy wiszą w innych halach tej wystawy.
Ery są różne. Na nowoczesną grafikę nie mogła wpłynąć kolosalna wizualna redundancja nowoczesności. W ciągu ostatnich dwóch lat na świecie zrobiono więcej zdjęć niż w całej poprzedniej historii od czasu pierwszego dagerotypu. Presja wizualnej redundancji zmusza nas do innego potraktowania rysunku i wyciągnięcia stamtąd czegoś, czego nie ma, powiedzmy, w fotografii. Jestem dość profesjonalnym fotografem, więc ważne jest dla mnie porównanie tych rzeczy. Ale boję się rozmyślnie zastanowić się nad tym tematem, bo rysowanie i fotografowanie jest takie samo … Chciałbym jakoś wyrazić swoją radość i podekscytowanie spotkaniem z tymi budynkami. Prawdopodobnie Quarenghi rozwiązał te same problemy. Rezultat jest inny, ponieważ epoka jest inna. Jak inaczej odpowiedzieć na to pytanie?
Dlaczego nie tylko fotografujesz, ale także rysujesz?
M. A.: Ale na to mogę łatwo odpowiedzieć. Ponieważ zaangażowane są różne mechanizmy. Rysowanie to sposób uczenia się, jedyna ludzka aktywność, w której mózg, oko i ręka są jednocześnie zaangażowane z jednakową intensywnością. Niemożliwe jest spędzenie godziny w zamyśleniu i skupieniu na jakimś elemencie architektury, jeśli się nie maluje. To jest sposób uczenia się.
Robimy zdjęcia, aby inni mogli się nimi podzielić, i rysujemy dla siebie. Do asymilacji. Przynajmniej w moim przypadku.
Czy kiedykolwiek malowałeś ze zdjęcia?
M. A.: Oczywiście, jak każdy idiota, który studiował na Akademii Sztuk Pięknych, czerpałem z fotografii w nocy, kiedy np. Nie miałem czasu na dokończenie pracy semestralnej. Wtedy wydało mi się, że było łatwiej. Teraz staram się tego nie robić, ponieważ jest to bezsensowna imitacja procesu. Moim zdaniem celem rysowania jest czerpanie z życia.
Kiedy rysuję, pojmując coś, ten proces jest głęboki. Po co upraszczać to, próbując tanio uzyskać ten sam wynik? Lub na zewnątrz wyglądający tak samo. W tych przypadkach, kiedy nie zdążyło się skończyć na miejscu, czasami oczywiście zerka się na zdjęcie … Ale to drugorzędne. To niesamowite, że teraz jest mi dużo trudniej i dłużej rysować z fotografii niż z natury. To prawda.
***
Sergey Kuznetsov
Czym Wasze grafiki różnią się od tych historycznych prezentowanych na wystawie?
S. K.: Pokornie powiedziałbym, że nie możemy tego zrobić. Jestem zachwycony twórczością Maxima Atayantsa, który znalazł w sobie zasób, potrafił zanurkować i przejść do innego stopnia szczegółowości - widać, że trudne nie znaczy dobre, ale po prostu nie znaczy złe - ale mimo to, jakie wysokości osiągnęli starzy mistrzowie, w cierpliwości, w ciężkiej pracy iw oku - to jest niesamowite. Musimy się nauczyć … Nadal z zazdrością patrzę na przedstawione tutaj grafiki; opanowanie takiej umiejętności byłoby oczywiście świetne.
Czy rysowanie architektury klasycznej oznacza dążenie do budowania architektury klasycznej?
S. K.: Nie, to wcale nie znaczy. Rysowanie architektury klasycznej nie powinno być powiązane z projektowaniem architektury klasycznej, tak jak przeczytanie Trzech muszkieterów nie oznacza, że jesteś gotowy jutro wymachiwać mieczem.
Jak więc architektura i malarstwo są z tobą związane osobiście?
S. K.: W tym sensie jestem osobą ze starej szkoły, cenię podstawowe, rzemieślnicze umiejętności. Wydaje mi się, że sposób tworzenia architektury nie zmienił się i nie powinien się zmieniać: człowiek musi przez siebie przekazywać myśli, doznania, uczucia - komputer nie pozwoli wyrazić wszystkiego. Bardzo lubiłem grafikę komputerową, miałem wiele publikacji i wystaw, co daje mi możliwość porównania pracy rękami i oczami - oraz pracy z komputerem. Kiedy masz kontrolę nad ręką i potrafisz własnoręcznie zobrazować to, co jest w twojej głowie, pomaga ci to osobiście, a także sprawdza się jako narzędzie perswazji.
Dlaczego nie pokazujesz szkiców?
S. K.: W tym przypadku byłoby to niewłaściwe… To nie jest świadome stanowisko; będą propozycje - będziemy wystawiać. Generalnie to nieprawda, my to wystawiamy - na wystawie „architekta roku” na Arch Moscow mieliśmy szkic. Mamy wiele dobrej jakości szkiców. Moim zdaniem pisma po prostu nie będą interesujące dla publiczności. Generalnie powiedziałbym, że zainteresowanie publiczności jakąkolwiek pracą jest wprost proporcjonalne do ilości pracy w nią zainwestowanej.
Jak zacząłeś rysować historyczną architekturę?
S. K.: Zacząłem rysować na długo przed rozpoczęciem studiów. Moi rodzice nie byli w żaden sposób związani ani ze sztuką, ani architekturą, ale porwała mnie różnorodność kreatywności, prototypowania, rysowania, więc poszedłem na kursy przygotowawcze w Moskiewskim Instytucie Architektury. Od tego czasu nie przestałem malować; chociaż po instytucie była przerwa, kiedy nie zajmowałem się już manualem, ale grafiką komputerową.
Później, zaczynając współpracę z Siergiejem Tchobanem, gdzieś około 2006 roku, zasugerowałem, aby podróżował do różnych miast, rysował architekturę. Od tego czasu regularnie podróżujemy kilka razy w roku, aby malować architekturę. Nasza pierwsza wyprawa na świeżym powietrzu do Rzymu odbyła się na przykład śladami Piranesiego.
***
Michaił Filippov
Czym Wasze grafiki różnią się od tych historycznych prezentowanych na wystawie?
M. F.: Nie mogę odpowiedzieć na takie pytanie. Mogę powiedzieć, czym różni się grafika architektoniczna od krajobrazu architektonicznego. Jestem członkiem Związku Artystów od 30 lat i wystawiałem jako artysta w wielu miejscach, w tym w Galerii Trietiakowskiej i Muzeum Rosyjskim. Dla mnie to pytanie jest całkowicie jasne. Krajobraz architektoniczny, w który zaangażowani byli nasi przodkowie to przede wszystkim wysokiej jakości rysunek i organizacja arkusza z artystycznym podejściem. Niestety, większość architektów maluje swój ulubiony przedmiot z małej perspektywy, a nie jako pejzaż.
W czasach radzieckich pracowałem nawet na zlecenie Akademii Sztuk Pięknych jako malarz czystego pejzażu. Podczas pierestrojki do władzy doszli tam Serowici - większość z nich to dobrzy artyści, realiści, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … Nie zabrakło też mocnych, technicznych grafik.
Reszta grafiki radzieckiej opracowana w kierunku modernistycznej organizacji arkusza: na przykład, jeśli woda jest lekka, to jest ona całkowicie biała i tak dalej. Kiedy zacząłem pisać, bardziej myślałem o niuansach, przejściach; odcienie białej nocy, jakość rysunku, subtelność perspektywy… To uczyniło mnie w tamtym czasie dość wyjątkowym, ci starzy ludzie bardzo mnie kochali. Pracowałem na kontraktach, przyszedłem i pokazałem je, zrobili kilka komentarzy - czułem się, jakby mistrzowie mnie obserwowali.
Więc nie odczuwam dużej różnicy w stosunku do starych mistrzów. Gdyby nie wykonali rysunku technicznego, ale pejzaż. Podejście do krajobrazu było jak artysta. Wydział architektoniczny ASP zatrudniał kiedyś tych, którzy rysują lepiej, a malarstwo - tych, którzy rysują gorzej. I wydali dyplom pod tytułem „artysta architektury” - tak było sformułowane do jakiegoś, nie pamiętam dokładnie, roku. Nie czuję z nimi żadnej różnicy, zwłaszcza jeśli chodzi o prace z początku wieku. Wychowałem się na twórczości Ostroumovej-Lebedevy.
Chociaż dla mnie interesujący jest inny niuans - biała noc. Rosyjski krajobraz był niuansowany w państwach pośrednich. Na przykład Wasiliew - odwilż, bez zimy, bez wiosny, bez światła, bez ciemności, półton, promień słońca … W malarstwie światowym nie znajdziecie wysokiej jakości krajobrazów, w których byłby jasny błękit niebo i jasna zieleń! Może Rylov może mieć coś takiego albo Cezanne, ale to już inna sprawa.
Okazuje się, że masz dwa tematy: twój krajobraz architektoniczny i twoja architektura …
M. F.: Nie! Nie ma różnicy. Piękna architektura powinna kojarzyć się z naturą, ze słońcem. Bardzo dobrze znam i kocham historię sztuki. W latach 80. zaciekawiło mnie kontynuowanie tego, co przerwało się w latach dwudziestych, kiedy malowanie zaczęło się w jakiś sposób zmieniać - może bardzo wysokiej jakości - ale w modernizm.
Myślisz, że wspólne dorastanie jest prawdziwe?
M. F.: Tak, to jest absolutna rzeczywistość. Oddałem go w styczniu br. - z 750 tys. Metrów kwadratowych budynków mieszkalnych usunięto lasy.
W Soczi?
M. F.: Nie tylko w Soczi, w Moskwie jest dom przy ulicy Marszałka Rybalki. Zapewniam, że jest to ucieleśnienie stylu z 2001 roku, który wymyśliłem trzydzieści lat temu.
Czy czujesz to jako ucieleśnienie swojego obrazu?
M. F.: Tak, tak … Nie widzę różnicy.
Wierz lub nie, ale skończyłem Akademię, wpadłem na pomysł, a potem po raz pierwszy wziąłem pędzel i akwarelę. Nie pisałem na Akademii ani w szkole artystycznej. A jeśli pisałem, nie mogę spojrzeć na to, co wtedy robiłem.
*** wystawa czynna do 27 lipca (godziny otwarcia)
