Najbardziej niezwykłe posunięcie zostało wymyślone przez Chorwatów i szkoda, że się nie udało. Projekt pawilonu pływającego powierzono 14 wybitnym architektom - w tym Sasha Begović, Pero Vuković, Marko Dabrović: w rezultacie powstała konstrukcja z 30 ton siatki drucianej Q-385, której złożona struktura jest widoczna tylko dla światła. Został zbudowany na barce i wysłany na niej do Wenecji, gdzie miał być w dniach otwarcia.
Niestety podczas podróży przez Adriatyk pawilon częściowo się zawalił, więc po przybyciu do Włoch został niemal natychmiast odesłany. W rezultacie odwiedzający musieli zadowolić się małą chorwacką wystawą w Arsenale, opowiadającą o tym wspaniałym projekcie. Organizatorzy obiecują jednak powrót do Wenecji z odrestaurowanym pawilonem: w końcu jest jeszcze czas - Biennale potrwa do końca jesieni.
Belgijscy uczestnicy poświęcili swoją ekspozycję tematowi ubioru w architekturze i aranżacji wnętrz: materiałom, artykułom gospodarstwa domowego, różnym dodatkom. Ślady pozostawione przez użytkowanie wielu ludzi przez długi czas nadają przestrzeni człowieczeństwo i czynią ją wyjątkową. Kuratorzy zaaranżowali w minimalistycznych wnętrzach swojego pawilonu fragmenty dywanu, sklejki, balustrady schodowe, gumowe dywaniki jako eksponaty wymagające szacunku: w efekcie ujawniło się uderzające podobieństwo wystawy do muzeum sztuki współczesnej - swego rodzaju warstwa semantyczna w planie organizatorów.
Jednak nawet bez sztuki pseudo-rzeczywistej na biennale architektury było wielu „artystycznych” uczestników. Jest to szczególnie prawdziwe w przypadku pawilonu ChRL, gdzie „spotkanie w architekturze” zostało zinterpretowane jako „randka biznesowa” pomiędzy ludźmi z ich potrzebami, aspiracjami i pragnieniami oraz budynkami, które wpływają na ludzkie zachowanie poprzez ich program funkcjonalny.
Pomimo niewielkiego działu poświęconego przestrzeniom i projektom, główne miejsce zajęły rzeźby i instalacje, w tym te stworzone przez architekta Pei Zhu. Najbardziej spektakularnym z nich była praca „Ściana / wiatr” Fan Yue i Wang Chao Ge z przezroczystymi plastikowymi ptakami fruwającymi nad „kurtyną powietrzną”.
W pawilonie egipskim, pomimo nominalnego udziału architektów, główne miejsce zajmowała ogromna złota instalacja, która wygląda jak fala morska, pokryta arabskim pismem i zakrywająca postać przypominającą mumię. Uzupełnieniem była sztuka wideo i malarstwo. Tematem ekspozycji było „Zbawienie”, rozumiane jako interakcja ze świętym tekstem.
Polscy uczestnicy zaprezentowali równie koncepcyjny projekt - „Wyjście awaryjne”. Ta rozświetlona neonami i zatopiona w sztucznej mgle („chmurach”) konstrukcja klatek dla ptaków, jak pomyśleli kuratorzy pawilonu, powinna służyć jako symbol „niebezpiecznych” przestrzeni miejskich, w których człowiek wychodzi poza pole działania reguł i zakazów. regulując jego samopoczucie. Mogą to być ruiny, dachy, czarne rynki - potencjalne miejsca wypadków, a nawet katastrof, ale także terytorium wolności.
Twórcy ekspozycji Pawilonu Luksemburskiego zwrócili się ku metafizycznym koncepcjom określającym życie architekta i jego twórczość: kruchość (oznaczona kettlebellem i szklanym wazonem), rutyna życia codziennego (wiele filiżanek kawy z kawałkiem cukru wiszące nad każdym z nich) i jego nieuchwytną wartość (przytulny salon, w którym goście mogą się komunikować), a także społeczeństwo konsumpcyjne, środowisko kulturowe i wiele więcej.
Jednak kuratorzy, w przeciwieństwie do wielu ich kolegów z innych krajów, otwarcie deklarują, że nie jest to wystawa architektoniczna.
Wręcz przeciwnie, po bliższym przyjrzeniu się, ekspozycja słoweńskiego pawilonu, poświęcona pracom dwóch biur krajobrazu, AKKA i studiobotas, okazuje się dość architektoniczna. Jednak szczegółowe informacje na ich temat, a także liczne eseje na temat spotkania miasta, człowieka i natury (wystawa „All Shades of Green”), dyskusje o jakości i istocie przestrzeni, przeplatane pięknymi fotografiami Petera Koštruna oraz cytaty z Marguerite Jursenar, Gabriela Garcíi Márqueza, Alexandra Caldera - wszystko to można znaleźć tylko na stronach katalogu. Tylko niewielka część pawilonu mieściła się w skromnym pomieszczeniu i bardziej przypomina zbiór obiektów artystycznych niż architektoniczną ekspozycję makiet i planów. Cypryjscy kuratorzy również bardzo interesowali się zabawą ze znanymi obrazami architektonicznymi: „skleili” nieistniejące w rzeczywistości panoramy ze zdjęć budynków z ostatnich lat. Umieszczone w lightboxach obrazy są interpretowane przez autorów jako „architektoniczny film fabularny”. W tym przypadku mówimy nie tylko o spotkaniu widza z architekturą i zwiedzającymi, ale także o nieoczekiwanym „spotkaniu” różnych budynków w przestrzeni „fałszywej” fotografii.
Podczas gdy wielu uczestników Biennale zwróciło się - zamiast lub obok architektury - w stronę sztuk wizualnych, Pawilon Urugwajski ma więcej wspólnego z literaturą. Jego ekspozycja „5 pięter, 5 budynków” poświęcona jest 5 kultowym budynkom XIX-XX wieku, a mianowicie: tamie, masakrze, budynkowi mieszkalnemu w Montevideo, który przez 7 lat był najwyższym budynkiem w Ameryce Łacińskiej, stadionowi pierwszych mistrzostw świata w piłce nożnej i jeden z wczesnych modernistycznych budynków w Urugwaju. Przedstawiane są w formie dedykowanych im wierszy, cytatów wybitnych postaci itp., A także w formie krótkich filmów. Jednak centralne miejsce w pokoju zajmuje dywan wykonany ze skóry czarno-białej krowy, kopia dywanu podarowana Le Corbusierowi w 1929 r. Przez Victorię Ocampo podczas jego wizyty w Buenos Aires i wymieniana, gdy się zużyje. z innym wysłanym przez innych jego przyjaciół z Argentyny. Ten dywan, którego historia ujęta jest w cytatach z listów wielkiego architekta, zamyka wystawę jako „miejsce, w którym nic nie robi”.
Portugalia całkowicie polegała na sile kina. Czterech reżyserów wyreżyserowanych na Biennale na podstawie krótkiego filmu o budynku mieszkalnym jednego z czterech autorów: Álvaro Siza Vieira, Bureau Manuel i Francisco Aires Mateus, João Luísa Carrillo da Graça (Carrão da Luís) i Ricardo Bak Gordona. To wszystko zupełnie inne budynki: trzy z nich to prywatne rezydencje w mieście i na wsi, czwarta to budownictwo socjalne, zbudowane przez Sizę w latach 70. i rozbudowane kilka lat temu, więc historie o nich okazały się zupełnie inne.. Najbardziej przyciąga film o nadmorskiej „willi” Ayres Mateusha, składającej się z czterech prymitywnych domów z piaskowymi posadzkami: opowiada o młodym człowieku, który przyjeżdża tam w letni wieczór samochodem miejscowego mieszkańca, a potem zaprasza tego starca na obiad do swojego domu; taśmę kończy widok zachodzącego słońca i dźwięki akordeonu. Być może jest to jeden z najbardziej udanych przykładów przeniesienia wizerunku architektonicznego na całe Biennale. Ale jeśli mówimy o sukcesach, to trzeba mówić o porażkach: rozczarowanie wywołuje narodowa ekspozycja Iranu, która w tym roku po raz pierwszy uczestniczy w Biennale w Wenecji. Jest poświęcony sztuce ogrodniczej i składa się z niewielkiej liczby niskiej jakości fotografii najlepszych średniowiecznych ogrodów Iranu, uzupełnionych prymitywną instalacją na temat ogrodu archetypowego.
Pawilon skandynawski pozostawia niejednoznaczne wrażenie: częściowo poświęcony jest problemowi przestrzeni publicznej (na ścianach stoją tabliczki z najlepszymi projektami narodowymi wybranymi przez muzea architektoniczne Finlandii, Norwegii i Szwecji), ale sala w zasadzie nie jest zajęta z czymkolwiek innym.
Pracować w nim będzie po kolei dwanaście warsztatów start-upowych z trzech krajów, z których każdy stworzy tam własną przestrzeń dla kreatywności.
Irlandzcy uczestnicy przygotowali nie do końca praktyczną i wizualną, ale niewątpliwie elegancką wystawę: pokazali w Wenecji archiwum honorowego biura de Blacam i Meagher w postaci wielkoformatowych kopii 9000 arkuszy, zebranych w pięciu ogromnych stosach we wnętrzu kościoła San Gallo, obok kościoła św. Zwiedzający mogą zabrać ze sobą ulubione prześcieradła, zwinąć je w rolkę i zabezpieczyć specjalnie przygotowanym kółkiem. Ta instalacja, a nie wystawa, jest ucieleśnieniem idei archiwum i jego roli w pracy architekta.
Pawilony USA i Hongkongu wydają się trochę chaotyczne. Pierwsza jest bardziej zorganizowana: pokazuje na przykładzie 7 warsztatów różne metody pracy w przestrzeni miejskiej, które łączy praktyczność, a nawet pragmatyzm. Są to bardzo różne biura: na przykład konstruktorzy hoteli John Portman & Associates - i prawie teoretycy Terreform, więc połączenie ich na jednej wystawie wydaje się nieco naciągane.
Wystawa w Hongkongu znajduje się naprzeciwko wejścia do Arsenału. Jego nazwa brzmi jednoznacznie: Architetture quotidiane: Hong Kong a Venezia. To z grubsza tłumaczy się jako „codzienna architektura”; w wersji angielskiej architektura występuje w liczbie mnogiej i może być rozumiana jako „życie codzienne różnych architektur”. Pawilon zawiera aż 12 projektów podzielonych na sektory funkcjonalne (edukacja, odzież, żywność, rekreacja itp.). Trzynasta część jest najbardziej dźwięczna: projekty konkursowe dla Dzielnicy Kulturowej West Kowloon, opracowane przez Rema Koolhaasa, Normana Fostera i Rocco Im.
Niektóre części ekspozycji cieszą się dużym powodzeniem, na przykład kolaż zdjęć wielu zdjęć typowych mieszkań w Hongkongu, uderzających w zatłoczenie i wynikający z tego bałagan, lub połączenie zdjęć i układów w projekcie poświęconym `` ekologii miejsko-wiejskiej '' ale poza tym od tak przesadnej „pełni” ekspozycja znacznie traci sens.
